JOJOVELLER DECODE JOJO's Artwork
Interview Archive
JOJOVELLER includes a section called "DECODE JOJO's Artwork" where the artwork of JoJo's Bizarre Adventure from Parts 1-7 is analyzed by Hirohiko Araki himself.
Interview
DECODE 1
COLOR
The use of color is all planned in advance
Back then, I often used color tones for the backgrounds. First of all, it was easy to indicate to my assistants and let them do the work (laughs). And secondly, I wanted the backgrounds to have a flat finish. A flat background often helps when you want the figure to stand out and look three dimensional. Since you can’t cover the entire surface with one piece of colored tone, I added a rotational effect and used it to patch the different sheets. They’re really not big enough (laughs), but the color tone deteriorates with time! Unfortunately, it shrinks. There are some pieces on which I had to peel the tone off and replace it. At the time of my first art book, JoJo 6251: The World of Hirohiko Araki, I had a hard time doing a lot of repairs and corrections.
About the coloring: at the time of Baoh the Visitor, I was still trying to express the three dimensionality directly in the shades of colors that I used, but in JoJo, I decided to use a technique similar to ukiyo-e, in which the backgrounds and figures are all represented by colored surfaces (surfaces painted in the same color, distinguished from other surfaces by outlines) and outlines. That's why, even for characters, especially for their clothing, I paint one colored surface in a matte color and don't do much cross hatch shading. Since it’s manga, you definitely want the texture and the power of the body to show, right? That’s why as a little “plus,” I add a touch of complementary highlights and shadows. I thought that this might be a new method of coloring in shōnen manga.
Before I start coloring, I make sure to make a note of the color placement for each colored surface and decide everything. I don’t usually think about it while I’m painting, but sometimes I change a part of what I had planned if I feel like it isn’t right. I started using a brush in the middle of Gorgeous Irene... because I wanted to create a sparkling effect, but also to hide the seams in between the tones (laughs).
Green feels powerful
Illustrations (1), (2) and (3) all have green as a dominant color. How did I grow such a passion for the color green...? I forgot (laughs). But even now, I still think it looks beautiful. It’s a color that I’m drawn to. I feel like it gives me power... Instead of a variety of colors, I used similar colors because I wanted to use a similar technique to magazines, so that people think “Oh, it’s the green book!” “It’s the green manga!” when it’s stacked in piles at the bookstore. And also, if I make it so that "this volume is yellow, so the next volume is green, and the next one is blue," readers won't accidentally buy two copies of the same volume, so it's a small consideration for the reader on my part (laughs).
The red color on the accessory that Jonathan is wearing... It’s impactful to combine it with green, but it's a contrasting color, so if you're not careful, it can look very tacky. To alleviate that, I added yellow to balance it out.COLOR
色使い
色使いはすべて事前に設計
この頃は、背景にカラートーンを使うことが多かったですね。理由はまず、アシスタントに指示して作業を任せやすいから（笑）。そして、背景をフラットに仕上げたかったからですね。人物の立体感をより際立たせるためには、うしろは平坦な方がいいだろうと。大きな面を１枚のトーンでは賄うことができないから、放射線状の効果をつけて、そこで継いだりしてね。だって足りないんだもん、大きさが（笑）。でも、カラートーンは劣化する！縮んできちゃうんだよね。後日トーンを剥がして、補修した原稿もあります。最初の画集『ＪｏＪｏ６２５１〔荒木飛呂彦の世界〕』を作った時なんか、修正作業で大変だったんですよ。
塗りに関して言うと、『バオー来訪者』の頃はまだ立体感をもろに色の濃淡で表現しようとしていたんですが、『ジョジョ』では浮世絵のような、背景も人物もすべてを色面（輪郭によって他の面と区別され同一色を塗られた面）と輪郭で表現する手法も取り入れています。だからキャラクターでも特に衣服の部分なんかは、ひとつの色面を同色でマットに塗っていて、それほど陰影をつけていないんですよ。でも漫画としてはどうしても肉体の質感、迫力が欲しいでしょう。そこで、タッチを入れて補足的に濃淡をプラスしています。
このやり方は当時、少年漫画のカラー画としては新しいんじゃないかと思えました。
着彩をはじめる前には色面ごとの色の配置を、メモを作って全部決めておきます。塗りながら考えていくってやり方は基本的にしませんし、塗っている途中で“違うな”と感じた場合に部分的に変更することがたまにあるくらいです。
ブラシは『ゴージャス☆アイリン』の途中で使うようになって……煌びやかさを出すのと、トーンの継ぎ目を隠すのにも使っていたりします（笑）。
グリーンにはパワーを感じる
①や②、③でも緑を基調にしていますね。どうして緑に凝ってたんだろう……憶えてないな（笑）。でも今見ても綺麗だと思うし、惹かれる色ですね。パワーを与えてくれる感じがするというか……。いろんな色を使わずに同系色を使っているのは、書店で平積みされた時に、「あっ、緑色の本だ」「緑色の漫画だ！」というような、新しい認識のされ方を狙っていたためでもあります。あとは、“この巻が黄色だったから次の巻は緑、その次は青”としておけば、間違って同じ巻を２冊買わないだろうという、読者への僕なりの小さな気遣いです（笑）。
DECODE 2
POSING
The fantasy that emanates from the body
Usually, in manga–especially in the case of shōnen manga–the characters often point at the reader or pose in a heroic manner. The poses that the characters strike in JoJo are a little different. They’re definitely not doing fighting poses. Rather than heroism, I placed more importance on the fantasy emanating from the reality that there is in the human body. That’s why I think maybe the people who read other manga will think about me, “That Araki guy, he draws really weird pictures, right?”
The roots are in David Bowie
The reason I started drawing these poses was because I was shocked by the cover art of David Bowie's album "Heroes". The cover is a picture of himself, but he is in a very unusual pose, with one hand on his chest and the other pointing straight up. He looks still, but at the same time, you can feel the energy contained within his body, and it gives a clearly different impression from a single frame cut out from the natural movement of his body.
Guiding with “accelerations” and “stops”
When I thought about why I drew them in such poses, I realized that it was because they are not posing in a way that humans normally would. It creates an atmosphere of the extraordinary and fantastic, and makes them easy to remember for the viewer. It’s a bit like what happened to me when I saw that Bowie album art. Therefore, I thought, "I'll incorporate this technique into my manga."
The covers of the comics were also ordinary pictures at first, but around the third volume, which is when I used illustration (4), the desire to "draw strange pictures" had already gone to my head (laughs). I began to think that I wanted to draw people into the world of my work through poses and composition alone. Looking at it this way now, the feeling of tension in the fingertips in (3) and (4) is completely influenced by David Bowie's jacket - the fingertips give the picture direction, or rather movement.
When deciding on a composition, I was always mindful of guiding the viewer's gaze and attention, such as where the gaze accelerates and moves, and where it stops abruptly. This applies not only to the poses of the characters, but also to the composition of the entire picture. It may be easier to understand if you look at the fan shaped disposition in picture (3). Of course, I also wanted it to evoke the power of the Ripple, and to give viewers a sense of expectation and excitement, like, "This guy looks like he's about to do something!"POSE
ポージング
肉体が発するファンタジー性
普通、漫画――特に少年漫画の場合は、読者の方を指さしていたりとか、ヒーロー的にキメた立ち方をしていたりといったケースが多いですね。
『ジョジョ』の登場人物たちが取っているポーズは、それとはまた違うものです。決して彼らは、ファイティングポーズを取っているわけではないんです。
僕は、ヒーロー性よりも、人間の体が持っているリアリティーの中から発せられたファンタジー性の方を重視したんです。
だからたぶん、ほかの漫画を読んでいる人たちからは僕、「荒木って、ずいぶんとおかしな絵を描くヤツだなぁ」なんてふうに受け取られていたと思います。
ルーツはデヴィッド・ボウイ
こういったポーズを描くことになったきっかけは、なんといってもデヴィッド・ボウイのアルバム『“ＨＥＲＯＥＳ”』のジャケットアートに衝撃を受けたからです。
彼自身を写した写真が使われているんですけど、片方の手は胸に当てて、もう片方の手がまっすぐに上を指しているという、なんとも非日常的なポージングをしていたんです。静止しているようにも見え、一方で、肉体が内包するエネルギーを感じるようでもあり、肉体の自然な動きの中から切り取ったひとコマとは、明らかに異なる印象がありました。
※①
イギリスのミュージシャン。グラム・ロックの旗手として、1970年代のカウンターカルチャーを牽引したアーティストの１人。『“HEROES”』は1977年に発売された、11枚目のアルバム。
“加速”と“停止”による誘導
「なんでこんなポーズを取らせてるんだろう？」って考えてみると、ふだん人間がしない姿勢であることによって非日常性、ファンタジー性が醸し出されて、見た者の記憶に残りやすいからなんですね。実際に、僕がボウイのアルバムを見た時もそうだったし。
そこで「この手法を漫画の中に取り込んでやろう」と思ったわけです。
コミックスのカバーも、最初は普通の絵だったんですけど、④を使った第３巻あたりからだんだんと、「変な絵を描きたいな」という欲求が頭をもたげてきちゃいまして（笑）。
ポーズと構図だけで作品の世界に引き込んで行きたいと考えるようになりました。
こうやって今見てみると、③や④の手先と指先の緊張感なんかは、完全にデヴィッド・ボウイのジャケットの影響だけど――この指先によって、絵に方向性というか、動きが生じるんですね。
視線を加速させて走らせるところと、ピタリと停止させるところ、そういった見る人の視線や意識を誘導することはいつも気にかけて、構図を決めていました。
これはキャラクターのポージングだけではなくて、絵全体の構図に対しても同様の意識を持っています。③で描いている扇形の配置なんかを見ると、わかりやすいかも知れませんね。
DECODE 3
COMPOSITION
Creating a sense of unity and space with layout
I feel that the composition of this illustration (6) was particularly good, and it is one of my favorites. One of the main things I considered when painting this picture was how to organize the group of figures together. Another was how to position the Stands and their users. I placed them with the chain extending from Jotaro's collar and Hermit Purple’s thorns as the vertical center line, and Silver Chariot’s sword and Kakyoin's arm as the horizontal center line.
For Jotaro, Kakyoin, Avdol, and Polnareff, the characters and their Stands are placed symmetrically pointing in opposite directions, while Joseph is placed both above and below. The vertical and horizontal lines also represent the effect lines and movement lines of the characters. There is a direction in which Jotaro seems likely to move, and there are characters who seem likely to move in the opposite direction. Here I am trying to create a sense of expansion that unfolds up, down, left, and right. In addition, in order to represent the setting of the story, there’s a faint pyramid drawn in the background. Just like the previous paintings, I unified everything with the color green, and added a bit of sparkle by shining light on the piece. The reason why the piece is all condensed at the top of the space... that’s probably because I left the bottom open for the text (laughs).
Seeing the world like a Western-style poster
I've loved this technique of collaging the various elements contained within a piece ever since I was a child. I think I was probably greatly influenced by Western movie posters, such as those for the 007 series. Many of the old movie posters were painted illustrations, weren't they? The protagonists, supporting characters and villains are drawn in such a way that they can be easily identified without explanation, just by their size and positioning. There are multiple stages drawn in the background, allowing the viewer to imagine the characters, setting, scene and even the story.
I'm really drawn to the unique world view of such poster art, which is both strange and exciting, and has a sense of cohesiveness as a single work. I guess you could say it's romantic. It has a charm that stands out as a single painting, different from those using CG or photographs. There were a lot of wonderful works, especially from the 1960s to the 1970s. I feel really sad that such works are almost no longer seen today.COMPOSITION
構図
配置でまとまりと広がりを演出
この⑥は、僕としては特に構図決めがうまくいったと感じていて、かなり気に入っているイラストの１枚です。
この絵を描くにあたって考えた点を挙げると、群像をどうまとめるかというのがまずひとつ。そして、本体とスタンドとの位置関係をどうするかというのが、もうひとつのポイントでした。
承太郎の襟元から伸びたチェーンとハーミットパープルの茨を縦の中心線、シルバーチャリオッツの剣と花京院の腕を横の中心線にして、それらを配置していきました。
承太郎や花京院、アヴドゥル、ポルナレフは、人物とスタンドを左右対称に、かつ逆方向へのベクトルを持つように置いて、ジョセフは上下に振り分けています。
縦横の線は、それぞれキャラクターの効果線、動線でもありますね。承太郎が動き出しそうな方向があり、逆の方向に動き出しそうなキャラクターもいて、さらには上下左右に展開していく広がり感を出そうとしています。
あとは、物語の舞台を示す要素として、チラリとピラミッドを描いてあります。
グリーンでまとめていって、光を差してキラキラ感をつけているのは、これまでの絵と同様ですね。上の方に絵が凝縮しているのは……文字が入るスペースとして下を空けたのかな（笑）。
洋画ポスターのような世界観
こういった、作品が内包するさまざまな要素をコラージュしていく手法は、小さな頃から大好きでした。
たぶん『007』シリーズなんかの、洋画ポスターからの影響が大きいんだと思います。昔の映画のポスターは、イラストで描かれていることが多かったでしょう？
それらは、主人公や脇役、敵役が説明なしでも大きさや配置の妙でそれとわかるように描かれていたり、複数の舞台がうしろの方に描かれていたりして、人物像や舞台、シーンやストーリーまで想像させてくれるものでした。
ポスターアートが持つ独特の世界観には、不思議なんだけど心をワクワクさせてくれる高揚感と、ひとつの作品としてのまとまり感もあって惹かれます。ロマンを感じるというのかな。ＣＧや写真を使ったものとは違う、１枚の絵としての魅力があるんですよ。
DECODE 4
GRAPHICS
Transforming characters and stories into icons
In the background of (5), I drew words and items that symbolize Jotaro and Part 3, the settings of the group's journey, and the accessories that appear in the story. I guess you could call it an iconization, a transformation of the characters and the story into designs. By the way, the reason I didn't color the icons is so as not to kill the contrast between Jotaro's blue and the white of the background.
The reason I started drawing these icons and patterns was because of the influence of fashion at the time I was writing. When I started writing the third part in the late 1980s and early 1990s, Italian fashion grew rapidly, and Armani and Versace were on the rise. They used a lot of different patterns, including paisley. I was most inspired by the use of patterns on the clothes of these brands.
Also, I wanted to somehow incorporate icons that give a sense of peace into a work that is categorized as a “battle” work... I drew a lot of hearts because I wanted to create a peaceful atmosphere. I can't instruct my assistants to make these kinds of icons, so I draw them myself. Actually, I don't often have assistants on color pieces. Incidentally, the same goes for the handwriting: from all the "ora ora" in (5) to the "dojyaaaan," I have to do it all myself. If I had an assistant write it, it would end up looking like that person's handwriting, and the mood would inevitably be different.
Adding detail and simplifying
In picture (7), the amount of detail drawn in the background has a lot of impact, so I decided to make the character simple. Here, as opposed to (5), there are a lot of different colors in the background. When published as a double-page spread, the parting fold of the book falls at the center of the picture, so to avoid making it difficult to read, I try not to draw too much there.
The fact that the protagonist, Jotaro, is completely looking away from the reader is against the theory of shōnen manga, but this picture is from around the time of Iggy's fight with Pet Shop, so I wanted Iggy to be the most noticeable. The main character, Iggy, is facing the reader. Iggy is the starting point for both Jotaro's perspective and the radial expansion of the background. I kept Iggy's surroundings simpler, using an almost black background and using a brush to make it stand out, and since the background is already quite far away, I also drew a flashy bird (Pet Shop) in the pattern (laughs). Looking at this picture and picture (5), Jotaro is often in a simple pose... To be honest, he doesn't "JoJo pose" that often (laughs).GRAPHIC
グラフィック
キャラや物語のアイコン化
⑤の背景には、承太郎や第三部を象徴する言葉やアイテム、一行の旅路の舞台、登場する小物なんかをマークにして描いてるんですけど……キャラクター性やストーリーのデザイン化、アイコン化とでもいうのかな。ちなみに、アイコンに着彩していないのは、承太郎の青とバックの白とのコントラストを殺さないためですね。
こういうアイコンというか柄を描くようになったのは、執筆当時のファッションからの影響です。第三部を描きはじめた1980年代後半から1990年代前半は、イタリアンファッションが急速に成長を遂げて、アルマーニやヴェルサーチが台頭してきた時期で、それらにはペイズリーをはじめとする、さまざまな柄が数多く使われていました。そういったブランドの服の模様使いに刺激を受けたのが、やはり一番大きいですね。
あとは、平和を感じさせるアイコンをバトルものにカテゴライズされる作品の中に、どうにかして入れ込みたいと思っていて……ハートを数多く描いているのは、ピースフルな雰囲気を出したかったからです。
こういったアイコンは、アシスタントに指示をしてできるものでもないんで、自分で描いています。というか、カラー原稿にアシスタントはあまり入れないですね。
ちなみに、⑤の“オラオラ”もそうなんですけど、“ドッギャァァァン”なんて描き文字も、全部自分でやらないといけないんです。アシスタントに書いてもらうとその人の筆跡になってしまい、どうしてもムードが違ってしまうもので。
描き込みと単純化
⑦は、背景のグラフィックを描き込むことでインパクトを与えて、人物はシンプルにしています。
ここでは⑤とは逆に、バックにたくさんの色を持ってきていますね。見開きで掲載されると絵の中央部が本の内側に位置するから、見づらくなるのを避けるため、描き込まないようにしています。
主人公の承太郎が視線を完全に読者から外してしまっている点は、少年漫画のセオリーからは外れているんだけど、そもそもこの絵はイギーのペット・ショップ戦のあたりのものだから、彼が一番目立つようにしています。主役のイギーは、ちゃんと読者の方を向いている。承太郎のパースにしても背景の放射状の広がりにしても、イギーを始点にしてあります。
イギーの周囲はより単純に、ほぼ黒バックにしてブラシも使うことで、かえって浮き立たせるようにして、背景はもうかなり遠くにあるからハデに……模様の中に鳥（ペット・ショップ）も描いてあるね（笑）。
DECODE 5
WHERE IDEAS COME FROM
It all started with DB!!
Many illustrations for comic book covers like (8) and (10) are square. The reason I chose square shapes was because I saw the cover illustrations for Dragon Ball by Akira Toriyama, and they were square (laughs). Oh my! As expected, the influence of Dragon Ball is huge! The advantage of square illustrations for comic book covers is that it’s easy to add the text afterwards. If you draw to the limit to fit the size of the comic, it's inevitable that the text will end up on top of it.
Drawing “things” as if designing them
For (6), my intention was to draw it like a movie poster. Pictures (9) and (10) were conceived with the intention of creating a "design” for something such as a scarf or handkerchief, rather than drawing an illustration. (11) is something I drew with the idea of a patch, or a sticker in mind. The same goes for (9), the stand users, stands, settings, and other elements are exactly the same, but each element is treated as a pattern or an icon. For ⑩, for example, by placing a square behind Josuke's head in the center, it’s not just an illustration of a character; he becomes one of the symbols too. The protagonist is also part of the pattern.
...Of course, I also draw illustrations with classic, shōnen manga-like compositions. On the opening page, among all the previous JoJos lined up, Jotaro is looking directly at the reader and pointing his finger, which I think is very shōnen manga-like. This was drawn for the cover of Weekly Shonen Jump. Speaking of Jump: when I'm in charge of a cover, I receive composition instructions from the designer in the form of a rough sketch. The cover is the face of the magazine, so to speak. So, when I draw for the cover of Jump, I draw not only based on my own feelings, but also taking into consideration the requests of the magazine.IDEA
アイディアの基
きっかけは『DB』!!
⑧や⑩のように、コミックスのカバー用のイラストには、正方形のものが多いですね。
どうして正方形にしたのかっていうと、きっかけは鳥山明先生の『ドラゴンボール』のコミックスを見たら、カバーのイラストが正方形だったからなんだけど（笑)。
いや〜、やっぱり『ドラゴンボール』の影響は大きい！
正方形のイラストには、コミックスのカバーをデザインする際にタイトルを入れやすいという利点があります。コミックスの判型に合わせてギリギリまで絵を描いても、文字が乗ってしまうのは避けられないものですしね。
“モノ”をデザインするように描く
⑥では、映画のポスターを描くつもりで作業していました。
それに対して⑨や⑩といった絵は、イラスト自体を描くというよりも、スカーフやハンカチといった“モノのデザイン”を作るつもりで考えていったものです。
⑪は、ワッペンとかステッカーをデザインするようなイメージで描いたものです。
⑨も同様で、スタンド使いとスタンド、舞台と、置いている要素はまったく同じなんだけど、各要素を柄というか、アイコンとして扱っています。
⑩を例に説明すると、中央にいる仗助の頭のうしろに四角いくくりを設けることによって、単にキャラクターがいる図ではなく、彼がひとつのマークになっている。主人公も模様のひとつにしちゃっているんですね。
……もちろん王道的な、少年漫画的な構図のイラストも描いていますよ。巻頭ページに載せた、歴代ジョジョが勢揃いしている中の承太郎なんかは、きちんと読者の方を見てビシィ！ と指をさしていて、非常に少年漫画的だと思います。「週刊少年ジャンプ」の表紙用に描いたものですね。
DECODE 6
FROM MANGA TO ART
Painting style and the interest of the viewer
When looking at picture (12), you can see that around Part 4, a sense of adventure began to emerge within me. In shōnen manga, there is the question of whether it's okay for the main character not to look at the reader, but I decided that it was okay. I wanted to draw a beautiful profile and a pompadour hairstyle. The two-dimensional art that you can see on the reliefs and paintings of Egyptian art have a sense of serenity, and a calming beauty. If you look at it as a painting, it's a very ordinary, traditional composition. However, since profiles tend to look flat, I emphasized the shading. When he’s facing forward, Josuke has a pompadour, so he naturally looks three-dimensional, but in this illustration he's facing sideways, so I gave him a thick layer of foundation and eyeshadow (laughs).
There is a painting by the surrealist painter René Magritte called The Empire of Light, in which a night view spreads out under a blue sky, and it's hard to tell whether it's night or day. One of my aims was to capture the atmosphere of that painting. The broken window glass drawn in the middle of a calm, everyday atmosphere, still figure and peaceful building, is meant to hint at something of criminal nature going on in the silence. With light leaking through the window against the muted colors of the outside, it naturally piques your curiosity about what's going on inside the window—that is, inside the house—and it makes you want to take a look inside. I think I was able to capture the ominous feeling that Morioh harbors... But this would never have been possible on the cover of Weekly Shonen Jump. I was able to draw it because it was a volume cover.MANGA and ART
漫画から絵画へ
絵画的様式と見る者の興味
この⑫を見ると、第四部のあたりでは、自分の中に冒険心が湧いてきているのがわかります。
少年漫画としては主人公が読者を見ていなくてよいのかという命題があるんだけど、僕は「いいだろう」と判断していますね。美しい横顔と、リーゼントを描きたかったんです。エジプト美術のレリーフや絵画に見られる平面芸術などには、“静”の美しさというか、落ち着きを感じるでしょう。絵画として見ればごく普通の、伝統的構図です。
ただし横顔は平面的に見えやすいので、濃淡を強調しています。正面を向いていると仗助はリーゼントがあるから自然に立体感が出るんだけど、このイラストでは横向きなので、厚めにファンデーションやアイシャドウを塗っている（笑）。
シュルレアリスムの画家、ルネ・マグリットの、青空の元に夜景が広がっているっていう、夜なのか昼なのかよくわからない『光の帝国』という作品があって、その絵画が持つ雰囲気を出したいというのも狙いのひとつです。
静的な人物と平和そうな家屋が醸し出す日常性の中に割れた窓ガラスを描いているのは、静けさの中で密かに進行している事件性を匂わせるためのものですね。抑えた色調の外壁の中で窓から光が漏れていると、おのずと窓の中――つまりこの家で何が起こっているのかと興味をかき立てられ、覗き込みたくなると思うんです。杜王町が孕む不気味さが出せたんじゃないのかな。
DECODE 7
COLOR SCHEME
Star Trek by Bob Peak
The poster for the first Star Trek movie had a rainbow stripe running vertically down the center of the picture, with the characters' faces drawn within it. It was drawn by an artist called Bob Peak, whom I admire and respect. Despite the fact that it was drawn flat, the rainbow stripe had incredible depth and left a profound impression on me. I thought, “Wow, that’s amazing!”
The active rainbow
Drawing something on a face, like in (17), is quite risky. However, I made sure that it covers a smaller part of Jolyne’s face in comparison to Jotaro’s. As a result, I think it makes the protagonist, Jolyne, stand out really nicely. Also, the rainbow gives the painting a sense of dynamism and activity. It gives the impression that Jolyne is about to launch something, and it's also the movement line of her attack. The reason I divided the ocean into different colors is because I wanted to create horizontal lines against the vertical lines drawn by the rainbow.
As for the colors, I wanted the rainbow colors that I used horizontally and vertically to be prominent and stand out a lot, so the other components (the clothes, the sky) are painted in more subdued colors. As a result, I feel like the rainbow has become the image color of Part 6. All things considered... isn’t piggybacking a bit strange (laughs)? But piggybacking and riding on the shoulders are an expression of love between this father and daughter.
"Light blue" and "pink" are golden colors!
For (13), like the ladybug flying towards the sky, I think that by incorporating flowers, which give a sense of life, I was able to vividly portray Giorno's ability to convey liveliness. It's a pretty simple but beautiful drawing, and I like it. Light blue and pink—these are derived from the colors of the sky and cherry blossoms. They are colors that Japanese people, as well as children, love. Even small children are able to appreciate the beauty of the combination of these colors, perhaps. Some people might think, "Pink is a bit too much for a male character, let alone the main character!", but I think it suits Giorno very well. Even after the serialization of Part 5 ended, I've used it repeatedly when drawing Giorno. The association of light blue and pink together makes the image color of Part 5, so to speak.
I'm sure there was a drawing where I painted Josuke's school uniform pink, with a light blue background (Volume 46's cover), but it’s not a color combination I will use a lot in drawings for other parts from now on. In a sense, it’s my golden combination, something I use when I want to make a decisive, winning move!COLOR SCHEME
配色の対比
ボブ・ピークが描いた『スタートレック』
『スタートレック』映画第１作のポスターで、絵の中央を縦に走る形で虹の帯があって、その中に登場人物たちの顔が描かれていたんです。僕の敬愛するボブ・ピークというアーティストの手になるもので、虹自体を平面的に塗っているのにもかかわらず、とても奥行き感があるのに感銘を受けたんですね。「スゲェなッ！」て。
“虹”が与えるアクティブさ
⑰のように顔の上に何かを描くのは、かなりリスキーですね。でもきちんと、承太郎よりも徐倫の顔にかかる割合を少なくしたりといった配慮は欠かしていません。結果として、主役の徐倫が引き立つ形にまとまったんじゃないかと思いますね。それから、虹は絵に躍動感、アクティブさを与えてくれています。徐倫が何か繰り出そうとしている雰囲気というか、攻撃の動線にもしてあるので。海の色を塗り分けているのは、虹によって描いた縦の線に対する横の線を出したかったからです。色に関してはもっとも際立たせたい虹色を縦横に使っているから、それ以外の要素――服も空も、地味めの抑えた色を配しています。
結果的に、虹が第六部のイメージカラーになったと感じています。
それにしても、肩車ってのは……ちょっと異様ですよね（笑）。
でも、肩車したりオンブしたりってのは、この親子における愛情表現なんです。
“水色”と“ピンク”は黄金色！
⑬は、天に向かって飛翔するてんとう虫もそうなんですが、花という生命を感じさせるものを取り入れることによって、生命の躍動感を感じさせるジョルノの能力を、煌びやかに描けたんじゃないかと思います。かなりシンプルだけどいい絵に仕上がっていて、気に入っています。
水色とピンク――これは空の色と桜の花の色から持ってきています。日本人が大好きな色――子供が大好きな色でもありますね。小さな子でも美しさを感じることのできる組み合わせなのかも知れません。
「男性キャラクター、ましてや主人公にピンクなんて！」って思う人がいるかも知れないけど、ジョルノにはとても合っていると思う。第五部の連載が終わってからも、ジョルノを描く際には繰り返し使っていますね。
水色とピンクの組み合わせは、いわば第五部のイメージカラーです。
確か仗助の学ランをピンクで塗って、背景が水色っぽい絵がこれ以前にもあるはずだけど（コミックス第46巻カバー）、このふたつの色の組み合わせはこの先、ほかの部のイラストではそうそう使えないし、連発もできないですね。
DECODE 8
EROS
A “sexy” school uniform
Regarding Giorno’s fashion: it’s an extension of the heart design uniforms of Jotaro and Josuke. However, I added a sexiness that previous designs didn’t have.
Towards a realistic body
In Part 5, there are parts that are drawn with a conscious effort to bring out sexiness, or rather, sexuality and eroticism. Giorno's design was influenced by the statue David (a statue of the ancient Israelite king David, Michelangelo's most famous work). In drawing (14), I wanted the Stand to make a gesture as if kissing Giorno. And there are some drawings like (15) where the characters from Team Bucciarati aren’t just standing next to each other, but in physical contact, as if embracing each other. The fashion is also a tight silhouette that shows off the body line, and the bare skin of the chest and abdomen is partially exposed.
When I first began drawing JoJo in the late 1980s, the character’s proportions were reminiscent of mythical heroes and muscular classic Hollywood stars, such as Sylvester Stallone and Jean-Claude Van Damme. However, in the latter half of the 1990s, the trends in the world had changed considerably, so I purposely made Giorno and his teammates shorter, making their bodies a little more in line with reality.EROS
エロス
“セクシー”な学生服
ジョルノのファッションについていうと、ハートマークなんかがいろいろとついていた承太郎や仗助の学生服、あのデザインの延長線上にあるものです。ただし、これまでにはないセクシーさを加えています。
リアリティーある肉体へと
そもそも第五部では、色気を出したいっていうか、セクシャリティ、エロティシズムを意識して描いているところがあります。ジョルノの造形は、ダビデ像（古代イスラエルの王・ダビデをモチーフとした彫像。ミケランジェロの手によるものがもっとも有名）の影響を受けていますしね。
⑭では、スタンドがジョルノにキスするような仕草をさせてみたり。⑮などでもそうですが、ブチャラティチームのキャラクター同士がただ隣に立っているのではなくて、抱擁しているかのように肉体的に接触していたりするものもありますね。ファッションも、わりとボディラインの見えるピッチリとしたシルエットで、胸や腹部の地肌が部分的に露出したものにしています。
DECODE 9
CHANGES IN TECHNIQUE
Awakening to Western painting techniques
Before I started drawing these illustrations for Steel Ball Run, I basically painted using colored surfaces. Gradually, I began to use colors such as gray, sepia, and yellow to paint the base, similar to when creating an oil painting. I guess you could call it a Western-style method. I put the colors on top of the base to create the final color, and then add white to finish it off. I've continued to do that ever since. When I paint using colored surfaces, the finished picture looks like it is composed of a collection of parts with various colors, but with my current method, the characters look very calm, and the painting gives off a sense of unity.
Searching for new JoJo poses
As in (19), (20) and (22), I've been doing a lot of illustrations lately where I paint the base, then color the character, and then use two colors or so to draw the whole design. I also like the balance that a partially drawn background gives. As I mentioned in the previous section, this may have something to do with the fact that I brought the character’s realism closer to reality. I feel like my pictures have gotten more realistic. However, I have to stop right at the line where people still think, “This is a JoJo picture.” So I thought really hard about how to create new JoJo poses... and I went back to basics here (laughs).
By the way, the reason Gyro's cape is fluttering upward is because it was getting in the way (laughs). If it hanged down, it would disturb Gyro’s silhouette. In the case of this picture, the orange of the background would be wasted. So I flipped it up. I really like how there's a little bit of grass drawn in. I feel like it would be lonely without it. It has a Western feel to it, which I think is good.TECHNIQUE
作画技法の変化
西洋画的技法へのめざめ
『スティール・ボール・ラン』のこのあたりのイラストを描き出すより前は、基本的に色面で塗っていました。
それがだんだんと、グレーやセピア、イエローといった色で、油絵を作成する時のように下地を塗るようになってきました。西洋画的な方法とでもいうのかな。
下地の上に色を乗せて最終的に色を作っていき、その上でホワイトを入れて仕上げています。現在に至るまで、このやり方を続けています。
色面で塗ると、完成した絵がいろんな色がついたパーツの集合体として構成された状態なんですけど、今のやり方だと人物がとても落ち着くというか、絵としてのまとまりが得られるんですね。
新たなジョジョ立ちを探して
⑲⑳㉒のように、下地を塗ってからキャラクターに着彩し、２色くらいを使って全体のデザイン処理をしたイラストが近頃は多いですね。部分的に背景を描き込むというバランスも、気に入っています。
これは前項でお話したように、キャラクター造形のリアリティーラインを現実に寄せたこととも関係しているかも知れませんね。絵のリアリティーが増しているように感じるんです。もっとも「これは『ジョジョ』の絵だな」と思ってもらえる一線は寸止めで守っていかないといけない……。で、一生懸命考えて新たなポージングのジョジョ立ちをさせて……ここは基本に返る、と（笑）。
DECODE 10
NATURE
Visualizing the unity of humans and nature
I wanted to draw a picture where human culture and nature blend together... I added purple to the background at the very back to distinguish the snow from the trees, but Johnny and his horse are the same color and pattern as the trees, blending into the natural world like a trompe-l'œil painting. These elements are fine, as long as they're simple. In the most extreme terms, if Gyro stands out, it's fine if Johnny is just "there if you look hard enough."
Series using the same technique
To be honest, I've always had the feeling of wanting to draw more backgrounds. I'm gradually running out of ideas for character poses (laughs), and I also wanted to avoid having set patterns for my drawings. There was the issue of time back then, and I also wondered whether it would fit the atmosphere of Weekly Shonen Jump. But ever since the serialization moved to Ultra Jump, I've had more freedom, and I've been able to draw pictures like this. One of the main themes of Steel Ball Run is a dialogue with nature, or rather, respect for nature, so I think the transfer came at a good time.
Recently I've been enjoying drawing series of illustrations in the same style, like (18) and (21), when they're commissioned at the same time, like for the cover of Ultra Jump and the inside cover for the serialization, or the cover for a volume.NATURE
自然への敬意
人間と自然の一体感を視覚化
人間の文化と自然が混じり合って、１枚の絵になったものを描きたいなと思っていて……。
一番後ろの背景に紫を差して雪と木々を判別できるようにはしてありますが、ジョニィと馬は木々と同じ色合いと模様をまとって自然の中に一体化していて、まるでだまし絵のように溶け込んでいる。これらの要素は地味でいいんです。極端な話、ジャイロが際立っていれば、ジョニィは「よく見たらいるな」程度で構わない。
同一手法による連作
ホントはずっと、背景をもう少し描きたいという気持ちを、どこかに持ち続けていたんですよね。キャラクターのポージングもいい加減ネタがなくなってくるし（笑)、絵のパターンが決まってきてしまうのを避けるためにも。
時間の問題もあるし、「週刊少年ジャンプ」の雰囲気と合うかどうかっていうこともありましたけど、連載が「ウルトラジャンプ」に移って自由度が広がったこともあり、こういった絵も描けるようになりましたね。『スティール・ボール・ラン』では、自然との対話というか、自然に対する敬意といったものも作品のテーマになっているので、いいタイミングでの移籍だったと思います。
[Transcription by kitkuni, translation by Flanpucci]
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