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A Stand For A Friend - Interview with Hirohiko Araki
(Edited by Andrea Baricordi with special thanks to Naomi Okita and Tiziano Capelli)
Before we start the interview – can you tell us a bit about yourself?
My name is Hirohiko Araki. I was born on June 7, 1960, in Sendai, Miyagi Prefecture.
Very good. Let’s start with JoJo, then. I think it’s safe to say that this series is the only “generational saga” to come from Japan. Was that your plan from the start?
Only partially. Let me explain: I originally only planned for the series to be three parts, ending with the final confrontation against Dio Brando. This meant that I was already aware of the fact that I would need to make three different JoJo’s, who would – in some sort of way – all be descendants of each other, and that their lives would be linked by a common curse.
Anyway, I have to say that the editors at the time weren’t keen on the idea of switching protagonists, especially for a popular series. If readers took the news badly, it could’ve ended in a total disaster. But I kept on insisting that we do it this way, mostly because I didn’t want to get bogged down drawing the same character for years, and because I wanted to progress the story through specific historical periods without resorting to gimmicks like time travel. Fortunately, I was right, and JoJo’s Bizarre Adventure has been continuing its success since 1987… Next year, we’ll be celebrating our 10th anniversary!
In addition to this revolutionary idea, other elements also proved key for JoJo’s success. Of course, we’re talking about the way characters fight, first using the Ripple and then Stands…...
These elements were, however, only added later. I have to say that introducing two completely brand new fighting techniques has given the manga quite a particular twist: initially, it had been based almost exclusively on horror, mystery, and archeological investigations.
Fights always liven up a manga series, but I didn’t want to employ the same standards that everyone else was using. I was too engaged trying to make something completely new and unique. Someone suggested the idea of giving the protagonists ESP powers, but that didn’t sit well with me, and it had already been overused a dozen times. Readers might’ve got bored of it, and I didn’t want that. So I came up with a fighting style based on rhythmic breathing and Ripple Waves that, in an almost scientific way, gives the characters specific powers.
As for Stands, I wanted to put various concepts together, including the idea that an aura surrounds every living being, and Tarot card readings.
But there were only 22 Tarots, and at some point, the Stands started taking on inspirations from something else…
Exactly. I liked the idea a lot, so much so that I didn’t realize that the enemies…were coming to an end!
Each Tarot card gave a unique ability and character trait to each Stand, and it wasn’t like I could just make up new Major Arcana: so I had to resort to using the Egyptian gods. Suffice to say that initially only fifteen Stands were planned, while now we’re well past a hundred.
I’ve always tried to instill the characteristics of which country the user originated from into the visual design of every Stand, drawing inspiration from certain objects like books, dolls, and so on, without ever doing the obvious. Stands are always created in stages: first the abilities, then the shapes; subsequently, I throw all those parts together in order to create a Stand that has balanced aspects to its powers.
However, although the Stands are the main focal point, I have to say that I try to put a lot of care and effort into the creation and characterization of the human characters.
The third part of the series is currently being finalized in Italy. Without going into too much depth about the fifth part, which has just started in Japan, can you tell our readers what they can expect from the fourth part?
Josuke Higashikata's part is set in 1999, a very mysterious year because, besides it being the end of the century, it also marks the end of the second millennium. Mankind has always been afraid of certain dates, and to think that we’re so close to this transitional period was really quite astonishing to me: it’s a future not too distant, one that’s considered in the “present” and realistic… Something imminent and inevitable that’s about to happen to everyone.
In the JoJo saga, time plays a crucial role. Both as a leitmotif and as a conclusion to the first trilogy, time is the very framework within which the characters move. There are other topics I would’ve also liked to cover – one of them being the afterlife – but I fear that it’s too early for that right now.
Unlike the previous parts, where characters traveled around the world, the setting for the fourth part is a city. In fact, the city is hypothetical, not making it too ideal or completely unliveable. Morioh becomes more and more defined and real as the story progresses: it has the same problems a regular city would have, such as traffic, politics, waste disposal, and health care. Basically, a very complex setting helps to make the story more compelling and credible.
Jotaro Kujo and his group embarked on a long journey with a specific destination in mind, and at each turn their enemies continually attacked them in order to stop them. In this case, the enemies are all waiting to be discovered around a single urban location: if you think about it, this makes it a lot much harder to fight them…
In JoJo, there are various musical references, especially among the names of the opponents and Stands. But who do we owe the protagonist’s names to?
JoJo? To various foreign musicians who very few people know, but who I really like! The name of Kakyoin, on the other hand, is not a musical reference, but instead a reference to the place where I was born, Sendai.
Music has always accompanied me during the creation of my manga: I owe a lot to Chicago, Yes, Led Zeppelin, Jackson Browne, Bob Dylan and, almost all the musicians from the '60s and '70s. I also really like Prince and I still follow him.
I’ve always been short on money, and in order to listen to music, I had to “grab” the songs using an old and battered cassette recorder, by putting the microphone close to the radio speaker. I didn’t have a stereo, and since records were too expensive for my pocket change, I had to make do with it…
As for Japanese music, to tell the truth: I’ve hardly ever followed any Japanese musicians in my life.
Going back to the names of the protagonists, everything matches up to the third part: Jonathan Joestar, Joseph Joestar, Jotaro Kujo... But in the fourth part, we have Josuke Higashikata, who only has one "Jo". What's up with that?
With the fourth part I wanted to experiment with the narrative, and so I tried to make the names more “playful”. Of course, in the West, it is almost impossible to understand why Josuke’s nickname is JoJo and not – for example – JoHi, but it’s actually very simple: both ideograms that makeup Josuke’s name can be read as “Jo”. I chose the name on purpose because once it was written in kanji, any Japanese reader would be able to understand the play on words.
I’m sorry to my Italian readers, but at least I fixed that with the fifth part.
All right, so let's talk briefly about the fifth part. It's set in Italy and the main protagonist is Giorno Giovanna...
Right. And since the short-form “GioGio” is pronounced exactly like JoJo, it all comes together: I asked Shueisha to change the cover too, and now in the bottom strip it shows GIOGIO instead of JOJO like it did previously.
Anyway, it’d be better to call him Giorno Giovanna, since he’s not a…
Woah! Let’s not reveal too much information to our Italian readers! They’ll be able to read it for themselves in due time, so generally, we don’t want to give anything away in advance.
Sounds good to me. I didn’t take into account the fact that the series is being published ahead in Japan, so some of the secrets that have already been revealed to us aren’t for Italy…
Let's talk about you as an author. When and how was your passion for manga brought about?
Well, as a boy, I was literally devouring films and manga, which became part of my worldview.
I started drawing at the age of seven, copying the works of Tetsuya Chiba (Ashita no Joe) and Sanpei Shirato (Ninja Kamui). More than anything I was a fan of samurai manga, and I loved Kazuo Umezu's horror. Oh yeah, I was also a huge Tiger Mask fan! When I started drawing manga as an amateur, I used Mitsuteru Yokoyama, author of Tetsujin 28, and Babel II, as a basis, along with Ikki Kajiwara, author Tiger Mask.
I was, by all means, a very calm child, and while my peers were busy with their passion for RC model planes, I took refuge in films and manga. To think that when the first issue of Weekly Shonen Jump magazine came out, I was right there to buy and read it.
Who would have thought that my manga would be published in the same magazine, and for decades consecutively?
You said that cinema is also one of your sources of inspiration
Especially cinema. To be honest, I owe everything to the great Italian director Sergio Leone and his "spaghetti westerns" with Clint Eastwood. My father had an inordinate passion for those films and characters, and I watched them with him. Too bad my dad can’t understand my manga!
I was also a huge Godzilla fan and went crazy for The Poseidon Adventure, although unfortunately, I couldn't go to the movies too often due to very low 'funds'.
Another thing that interested me a lot was the illusionists and magicians. I practice with cards like them, and I became quite good at it. Sports, on the other hand, didn’t have much influence: I wasn’t too fond of team sports, so I went to a kendo gym for a while.
What about your characters’ iconic clothing?
The clothes and many of the objects used by my characters are copied directly from the French and Italian fashion catalogs, especially those of Versace and Moschino. They’re very imaginative, of course, but for this reason, after a while, I get tired of drawing them on them, and I try to make some changes. Then again, that’s fashion.
For Jotaro's school uniform, however, it’s a different matter. As I said earlier, one of my favorite characters has always been the protagonist of "Babel II", who, as many will remember, wandered around the desert dressed just like that. Very bizarre. And very JoJo-esque, if I must say.
Are there any of the characters you created that you prefer?
At the top of the ranking, I would put Josuke, Jotaro, Dio, D'Arby, and N'Doul on an equal footing; However, the worst, I think is Vanilla Ice: I couldn't stand the idea of having to draw him!
I tried to keep it all under wraps because – unlike what people in the West think – even in Japan, comics/manga aren’t that respectable, despite the very high sales. I’ve always avoided drawing doujins, but on the other hand, I attended a drawing school.
What did you do when you decided to draw manga not just for fun?
During the course, I drew two western stories and two science fiction stories, which I entered into the Tezuka Awards without the slightest chance of winning. In fact, I was still very immature, but my enthusiasm (as happens to many young people today) prevented me from realizing it. And so it happened again: I left for Tokyo all proud of the new manga I had drawn, but as soon as I submitted it to an editor, he found a mistake on the first page and refused to even read the rest.
At that moment, I realized that the road to becoming a manga artist wasn’t an easy path, and I made my first serious commitment. In four months, I completed a thirty-page story (Poker Under Arms) that I submitted to the subsequent Tezuka Awards, which finally made it into the charts and was published in “Shonen Jump”.
And from that moment, everything changed…
That’s right. Then began a period of hard work, but I was very motivated. I went back to Sendai to work on the western Outlaw Man, and the sci-fi Say Hi to Virginia. My first real series, however, was Cool Shock B.T., and it was thanks to it that I began to understand what it meant to work with fixed deadlines and schedules.
I used to send my manuscripts by courier and talk on the phone with the publisher, who often asked me to come to Tokyo the next day to make corrections in the Shueisha graphics studio without sleeping until the next morning.
With the beginning of Baoh the Visitor I had moved to Tokyo. It was the summer of 1984, and the term ‘biotechnology’ had just begun to appear frequently in the papers and in people’s vernacular; on this wave I created ‘Baoh’, which phonetically is very similar to the English pronunciation of ‘bio’, to which I combined elements referencing the growing success of hypermuscular characters like Rambo. This series was quite successful, and so I could afford my first trip abroad, to England. Unfortunately, not knowing English and being of purely Japanese culinary tastes, it all proved a bit difficult.
Then it was turn for Gorgeous Irene, which didn’t go on very long because female main characters never work out well for me. That’s also why not many girls appear in JoJo, and to my readers: I swear I’m still working on it, and I can’t promise that the next new main character of mine (in a new series) will be a woman in the future.
Next, I was struck by Nikola Tesla, a man who really existed, thanks to a book I had read about him. Such a strange yet brilliant character, on which I immediately decided to work on.
Tell us about the steps you take to create a manga chapter.
It all starts with a twelve-hour session dedicated to making storyboards to show to the editor. After it’s approved, I move on to penciling the manuscript. To effectively distribute the workload of my five assistants:
- On Sunday I create the storyboards and framing;
- From Monday to Wednesday, from 11am to midnight we work hard, with an hour and a half break for lunch;
- By 6pm on Thursday, if there are no hiccups, the chapter is complete, including inking, and until midnight I think about ideas for the following week;
- Friday and Saturday are usually dedicated to coloring illustrations or information gathering. During these days I spend a lot of my time giving out tasks to my assistants, so I can concentrate and keep working after 8pm by myself.
With a schedule like that, order is vital, or there’s a risk of missing the deadline… And then there’s trouble!
One last thing, before we say goodbye. Many of our readers are clamoring for the return of “retired” characters, such as Santana or (especially) Kars. Will we ever see them again?
No, for the simple reason that I consider their chapters closed. Their story ended with the last panel in which they appeared. I know that Kars was sent into space like a meteorite, and could return, but – as the caption told – his mind was reduced to the stage where it ceased to think. And I’m not going to resurrect a dead character. I was also asked to make a follow-up to Baoh, but the ending is final and will always remain the same. I’m sorry…
Do you have a farewell message for your readers?
Right now I consider my Italian audience very important for judging my work, precisely because the fifth series of JoJo is set (at least for now) in your country. Keep reading, and I promise I’ll make your beautiful land shine!
Uno Stand Per Amico - Intervista a Hirohiko Araki
a cura di Andrea Baricordi si ringraziano Naomi Okita e Tiziano Capelli
KM - Prima dell'inizio dell'intervista, ci può dire telegraficamente le sue generalità?
HA - Il mio nome è Hirohiko Araki e sono nato a Sendai, in provincia di Miyagi, il 7 giugno 1960.
KM - Molto bene. Partiamo da JoJo, allora. Possiamo tranquillamente dire che questa serie sia l'unica 'saga generazionale' nata in Giappone. Questo rientrava nei suoi progetti sin dall'inizio?
HA - Solo in parte. Mi spiego meglio: l'idea base contava solo le prime tre serie, che avrebbero avuto il loro epilogo nel combattimento finale contro Dio Brando. Questo significa che ero già conscio del fatto che avrei creato tre diversi 'JoJo', i quali sarebbero stati - in qualche modo - l'uno discendente dell'altro, e che le loro vite sarebbero state legate da un'unica comune maledizione. Comunque, devo dire che ai redattori non aggradava molto l'idea di cambiare il personaggio principale di una serie che funzionava bene: se i lettori non avessero accettato la novità, avrebbe potuto risolversi tutto in un clamoroso fiasco. Ma io insistetti per adottare questa soluzione, sia perché non desideravo fossilizzarmi per anni sullo stesso personaggio, sia perché volevo che la storia si evolvesse attraverso alcuni periodi storici ben precisi senza usare espedienti come la macchina del tempo. Fortunatamente ho avuto ragione io, e Le bizzarre avventure di JoJo sta continuando con successo dal 1987... L'anno prossimo festeggeremo il decennale!
KM - Oltre a questa idea rivoluzionaria, altri elementi sono risultati vincenti per il successo di JoJo. Stiamo naturalmente parlando del modo in cui i personaggi combattono, facendo uso delle Onde Concentriche prima e degli Stand poi...
HA - Questi elementi si sono aggiunti però solo in seguito. Devo dire che l'introduzione di due nuove tecniche di combattimento completamente inventate ha dato una piega molto particolare al fumetto: inizialmente doveva essere basato quasi esclusivamente su orrore, mistero e indagini archeologiche. Il combattimento ravviva sempre un manga seriale, ma non volevo impiegare gli standard usati da tutti. Mi ero impegnato per creare qualcosa di nuovo, e volevo che lo fosse completamente. Mi suggerirono di dotare i protagonisti di poteri ESP, ma la cosa non mi soddisfaceva, oltre a essere già stata abbondantemente sfruttata in decine di casi. I lettori avrebbero potuto annoiarsi, e io non lo volevo. Così ho inventato il combattimento basato sul ritmo di respirazione e sulle Onde Concentriche che, in maniera quasi scientifica, dotavano i personaggi di poteri ben precisi. Per quanto riguarda gli Stand, ho voluto mettere insieme varie teorie, fra cui quella dell'aura che circonda ogni essere vivente e la lettura dei tarocchi.
KM - Ma i tarocchi sono solo 22, mentre gli Stand, a un certo punto, hanno iniziato a prendere spunto da altro…
HA - Esattamente. L'idea era piaciuta molto, e io mi ero entusiasmato a tal punto da non rendermi conto che i nemici… stavano per finire! Ogni carta dei tarocchi donava un superpotere e un carattere ben preciso a ogni Stand, per cui non potevo inventarmi nuovi Arcani Maggiori: ho dovuto così ricorrere alle divinità egiziane. Basti pensare che inizialmente erano previsti solo 15 Stand, mentre ora siamo oltre il centinaio (Ndr: l'autore si riferisce all'edizione giapponese, non a quella italiana). Ho sempre cercato di infondere nell'aspetto grafico di ogni Stand un po' delle caratteristiche del paese da cui proveniva, ispirandomi a oggetti particolari come libri, bambole e così via, senza scadere nello scontato. La creazione dello Stand avviene sempre per gradi: prima le capacità, poi la forma; successivamente, doso le parti in modo da creare uno Stand che abbia un aspetto equilibrato ai propri poteri. Comunque, nonostante gli Stand siano la cosa più appariscente, devo dire che cerco di mettere molta più cura nella creazione e nella caratterizzazione dei personaggi umani.
KM - In Italia si sta attualmente concludendo la terza serie. Senza sbilanciarsi troppo sulla quinta, appena iniziata in Giappone, può spiegare ai nostri lettori cosa aspettarsi dalla quarta?
HA - La serie di Josuke Higashikata è ambientata nel 1999, un anno molto misterioso perché, oltre a chiudere un secolo, conclude anche il secondo millennio. L'uomo ha sempre avuto paura di certe date, e pensare che anche noi siamo vicini a quel momento di passaggio mi ha stuzzicato: è un futuro non troppo lontano, tale da essere considerato 'presente', realistico… Qualcosa di imminente e inevitabile che sta per accadere a tutti. Nella saga di JoJo il tempo ha una parte determinante. sia come filo conduttore, sia come conclusione della prima trilogia Ora il tempo è la cornice stessa entro cui si muovono i personaggi. Avrei voluto lanciarmi anche su altri argomenti - uno fra tutti, l'Aldilà - ma temo che per il momento sia prematuro. A differenza delle precedenti, in cui i personaggi viaggiavano per mezzo mondo, lo scenario della quarta serie è una città. Anzi, la città uno città ipotetica, senza per questo volerla rendere ideale o invivibile. Morio-cho diventa sempre più definita e reale man mano che la storia procede: ha i problemi di una città vera, come il traffico, la politica, lo smaltimento dei rifiuti, la sanità, Uno scenario molto complesso per rendere più avvincente e credibile la storia, in pratica. Jotaro Kujo e la sua compagnia hanno intrapreso un lungo viaggio con una meta specifica, e a ogni tappa i nemici li attaccano continuamente per fermarli. In questo caso, i nemici aspettano di essere scoperti in giro per u unico centro urbano: se ci pensate bene, in questo modo è molto più difficile combatterli…
KM - In tutte le serie di JoJo si riscontrano numerose citazioni musicali, soprattutto fra i nomi degli avversari e degli Stand. Ma il nome del protagonista a chi lo dobbiamo?
HA - JoJo? A un musicista straniero che conoscono veramente in pochi, ma che a me piace molto! II nome di Kakyoin, invece, non è una citazione musicale, ma si riferisce al luogo in cui sono nato, a Sendai. La musica mi accompagna sempre durante la creazione dei miei fumetti: devo molto ai Chicago, agli Yes, ai Led Zeppelin, a Jackson Browne, a Bob Dylan e a quasi tutta la musico anni Sessanta e Settanta. Mi piace molto anche Prince, e lo seguo tuttora. Sono sempre stato squattrinato, e per poter sentire un po' di musica dovevo 'appropriarmi' delle canzoni con un vecchio e scassatissimo registratore a cassette, avvicinando il microfono all'altoparlante della radio. Non avendo uno stereo, e dato che i dischi costavano troppo per le mie tasche, dovevo arrangiarmi cosi… Per quanto riguarda la musica giapponese, invece, devo dire la verità: non l'ho praticamente mai seguita in vita mia.
KM - Tornando al nome dei protagonisti, tutto quadra fino alla terza serie: Jonathan Joestar, Joseph Joestar, Jotaro Kujo... Ma nella quarta troviamo un Josuke Higashikata, che di 'jo' ne ha solo uno. Come la mettiamo?
AH - Con la quarta serie ho voluto iniziare alcuni di esperimenti narrativi, e così ho cercato di rendere più 'giocosa' la scelta dei nomi. Naturalmente, in Occidente è quasi impossibile comprendere perché anche il soprannome di Josuke sia JoJo e non - per esempio - JoHi, ma in realtà è molto semplice: entrambi gli ideogrammi che formano il nome Josuke possono essere letti 'jo'. Ho scelto apposta questo nome perché una volta scritto in kanji, qualsiasi lettore giapponese avrebbe potuto capire il gioco di parole. Mi dispiace per i lettori italiani, ma almeno ho riparato con la quinta serie.
KM - Perfetto, parliamo allora brevemente della quinta serie. E' ambientata in Italia e il protagonista è Giovanna Giorno…
HA - Già. E dato che il suo diminutivo 'GioGio’ si pronuncia esattamente come JoJo, i conti tornano: ho` richiesto alla Shueisha di cambiare anche la copertina, e ora nella fascetta in basso appare una sfilza di GIOGIO al posto del precedente JOJO. Comunque, sarebbe meglio chiamarlo Giorno Giovanna, dato che non è una…
KM - Non sveliamo troppo ai lettori italiani! Fra qualche tempo potranno leggerlo da soli, e in genere preferiamo non dare anticipazioni di questo tipo.
HA - Mi sembra giusto. Non tenevo conto del fatto che in Giappone la serie è in corso di pubblicazione, perciò alcuni 'segreti che sono già stati svelati da noi non lo sono in Italia…
KM - Parliamo di lei come autore. Quando e come è nata la passione per il fumetto?
HA - Be', da ragazzo divoravo letteralmente manga e film, che sono entrati a far parte del mio modo di vedere il mondo. Ho iniziato a disegnare a sette anni, copiando i fumetti di Tetsuya "Rocky Joe" Chiba e Sanpei "Ninja Kamui" Shirato. Più che altro ero un vero appassionato di manga sui samurai, e mì piacevano moltissimo gli horror di Kazuo Umezu. Oh, si, ero anche un grande fan dell'Uomo Tigre! Quando ho iniziato a disegnare fumetti.come dilettante, avevo preso come modello Mitsuteru Yokoyama, autore di Tetsujin 28 e Babil Nisei, ma anche Ikki Kajiwara, l'autore di Tiger Mask. A detta di tutti ero un bambino molto calmo, e mentre i miei coetanei si lasciavano trasportare dalla passione per l'aeromodellismo a radiocomando, io mi rifugiavo nei fumetti e nei film. Pensate che quando usci il primo numero della rivista "Shonen Jump", io ero già li a comprarlo ea leggerlo. Chi l'avrebbe mai detto che i miei fumetti sarebbero stati pubblicati proprio li, e per decine di anni consecutivamente?
KM - Ha detto che anche il cinema ê una delle sue fonti d'ispirazione…
HA - Soprattutto il cinema. A essere sincero, devo tutto al grande regista italiano Sergio Leone e ai suoi 'spaghetti western' con Clint Eastwood. Mio padre nutriva una passione smodata per quei film e quei personaggi, e io li guardavo assieme a lui. Peccato che mio padre non riesca a capire i miei fumetti! Ero anche un grandissimo fan di Godzilla e sono impazzito per L'avventura del Poseidon, anche se purtroppo non potevo andare al cinema troppo spesso a causa dei 'fondi' molto ridotti. Un'altra cosa che mi attraeva parecchio erano gli illusionisti, i prestigiatori. Mi esercitavo con le carte come loro, ed ero diventato anche piuttosto bravo. Gli sport, invece, non hanno influito molto: non amavo troppo quelli da fare in squadra, cosi frequentai per un po' una palestra di kendo.
KM - E per quanto riguarda il singolare abbigliamento dei personaggi?
HA - I vestiti e molti degli oggetti usati dai miei personaggi sono copiati direttamente dai cataloghi di moda francese e italiana, soprattutto da quelli di Versace e Moschino. Sono molto fantasiosi, certo, ma proprio per questo dopo un po' mi stanco di disegnarglieli addosso, e cerco di fare qualche cambiamento. D’altra parte, cosi è la moda. Per l'uniforme scolastica di Jotaro, invece, la questione è diversa. Come ho detto poco fa, uno dei miei personaggi preferiti è sempre stato Babil Nisei, che, come molti ricorderanno, se ne andava in giro per il deserto vestito proprio così. Molto bizzarro. E molto JoJesco, quindi.
KM - C'è qualcuno dei personaggi che ha creato che preferisce?
HA - In cima alla classifica metterei, a pari merito, Josuke, Jotaro, Dio, D'Arby e Nduul; il peggiore, invece, credo che sia Vanilla Ice: non sopportavo nemmeno l'idea di doverlo disegnare!
KM - Cos'ha fatto quando ha deciso di disegnare fumetti non solo per gioco?
HA - Ho cercato di tenere nascosto il tutto perché - a differenza di ciò che si pensa in Occidente - anche in Giappone i fumetti non sono considerati un granché, nonostante le altissime vendite. Ho sempre evitato le fanzine, ma in compenso ho frequentato una scuola di disegno. Durante il corso realizzai due storie western e due fantascientifiche, che feci partecipare al Premio Tezuka senza ottenere il minimo successo: In effetti ero ancora molto immaturo, ma il mio entusiasmo (come capita a molti ragazzi oggi) mi impediva di rendermene conto. E così la cosa si ripeté di nuovo: partii per Tokyo tutto orgoglioso per il nuovo fumetto che avevo disegnato, ma come lo sottoposi al giudizio di un editore, questi trovò un errore alla prima pagina, e si rifiutò di esaminare il resto. In quel momento capii che il fumetto non era una strada facile, e mi impegnai per la prima volta seriamente, completando in quattro mesi (Buso Poker, una storia di trenta pagine che, presentata a un successivo Premio Tezuka, riuscì finalmente a entrare in classifica e a essere pubblicata su "Shonen Jump".
KM - E da quel momento, cambiò tutto…
HA - Proprio cosi. Iniziò un periodo di duro lavoro, ma ero molto motivato. Tornai a Sendai per lavorare al western Outlawman e al fantascientifico Virginia ni Yoroshiku. La mia prima vera serie, pero, fu Mashonen Beetee, grazie alla quale iniziai a comprendere cosa significasse lavorare con scadenze e consegne fisse Spedivo le tavole tramite un corriere e mi confrontavo al telefono con l'editore, che molto spesso mi chiedeva di raggiungerlo Il giorno seguente a Tokyo dove, nello studio grafico della Shueisha, facevo le debite correzioni senza dormire fino al mattino successivo. Con l'inizio di Baoh Raiosha mi trasferii a Tokyo. Era l'estate del 1984, e il termine 'biotecnologia' aveva iniziato ad apparire di frequente sui giornali e nei discorsi della gente; su quest'onda creai il 'baoh', che foneticamente assomiglia molto alla pronuncia anglofona di 'bio' (bàioo), a cui abbinai elementi riferiti al crescente successo di personaggi ipermuscolosi come Rambo. Questa serie ebbe un discreto successo, e cosi potei permettermi il mio primo viaggio all'estero, in Inghilterra. Purtroppo, non conoscendo l'inglese ed essendo di gusti culinari prettamente nipponici, il tutto si rivelò un po' difficoltoso. Poi fu la volta di Gorgeous Irene, che non andò avanti molto a lungo perché i personaggi femminili non mi sono mai riusciti molto bene. E anche per questo che in JoJo non appaiono molte ragazze, e me ne scuso molto con i lettori: giuro che mi sto allenando, e non è detto che un mio nuovo personaggio in futuro (sto parlando di una nuova serie) non sia proprio una donna. Poi fui folgorato da Nikola Tesla, un uomo realmente esistito, grazie a un libro su di lui che avevo letto: un personaggio decisamente strano e geniale, su cui decisi subito di lavorare.
KM - Ci parli delle procedure da lei utilizzate per la nascita di un episodio a fumetti.
HA - Il tutto inizia con una seduta di dodici ore dedicata allo storyboard da mostrare all'editore. Dopo l'approvazione, passo al disegno a matita. Per distribuire efficacemente il lavoro ai miei cinque assistenti, la domenica realizzo lo storyboard e la squadratura; dal lunedì al mercoledì, dalle 11 di mattina a mezzanotte lavoriamo alacremente, con un'ora e mezza di intervallo per il pranzo. Alle 18 di giovedì, se non ci sono stati intoppi, l'episodio è completo, chine comprese, e fino a mezzanotte penso all'idea per la settimana successiva, venerdì e sabato sono in genere dedicati alle illustrazioni a colori oppure alla raccolta di informazioni. Durante queste giornate passo molto del mio tempo a dare istruzioni agli assistenti, e cosi riesco a concentrarmi e lavorare bene solo dopo le otto, quando resto solo. Con un ritmo del genere è di vitale importanza l'ordine, o c'è il rischio di non rispettare una scadenza… E allora si che sono guai!
KM - Un'ultima cosa, prima dei saluti. Molti lettori stanno chiedendo a gran voce il ritorno di personaggi 'sospesi', come Šantana o (soprattutto) Kars. Li rivedremo mai?
HA - No, per il semplice motivo che li considero veri e propri capitoli chiusi. La loro storia si è conclusa nell'ultima vignetta in cui sono apparsi. che stato Capisco Kars sia proiettato nello spazio come un meteorite, e quindi disperso, ma - come narrava la didascalia - ridotto in quello stato la sua mente ha cessato di funzionare. E io non ho intenzione di resuscitare personaggi morti. Mi era stato anche richiesto di creare una seconda serie di Baoh, ma il finale è e resterà sempre quello. Mi dispiace...
KM - Un saluto ai suoi lettori?
HA - In questo momento considero il pubblico italiano molto importante per un giudizio sui miei lavori, proprio perché la quinta serie di JoJo è ambientata (almeno per ora) nel vostro paese. Seguitemi, e vi prometto che farò fare faville alla vostra bellissima terra!
The ever evolving Jojo
Saitou: As a psychiatrist I have noticed in recent years a trend of manga and the like focusing on the characters’ pathological problems, like Evangelion or Yoshida Sensha’s work. On the other hand, I feel like your manga stands out thanks to a special kind of “healthiness”. Normal healthy comics are taken for granted and seen as completely dull and insignificant, but your writing portrays impulses with a unique balance of healthiness and peculiarity. Today, I would like to uncover this mystery as a simple fan. Well, this will come later, so please tell me about your debut first.
Araki: I come from Sendai and made my debut at around 20. I drew a serial named Cool Shock B.T. while I was in Sendai, and by the time I started my following series, Baoh the Visitor, I moved to Tokyo. This was during the 1984 Los Angeles Olympics. Jojo’s Bizarre Adventure started its serialisation in Shounen Jump in 1987.
Saitou: You debuted 16 years ago and we are now celebrating the tenth anniversary of Jojo. Your main work, the Jojo saga, is more than just one story – it would be better described as one big varied setting, or a succession of stories, each featuring a new generation. At this point, the only character the currently serialised part five has in common with the rest of the series is Hirose Koichi or so.
Araki: Yes, exactly. If the readers didn’t like the story, I would be able to stop anytime. Still, I did have something resembling a theme for the first three parts, up until the story reached the present. I also decided to have the protagonist evolve, even though that hadn’t really happened until then. These were the elements I more or less had in mind.
Saitou: Having the stories revolve around a lineage of protagonists named Jojo felt incredibly fresh. Giorno Giovana, protagonist of the fifth part, is the son of Dio, the enemy of the Jojos, and rounds up very nicely the friend and foe sides of the lineage.
Araki: The saga’s original theme is a praise to humanity, with both its good and its bad sides, as food for thought for the readers. This emphasies both blood ties and the characters’ way of life. When I write my protagonists, I always make sure to establish their lineage, the childhood environment that turned them into who they are now, and develop them from there. I kept that in mind and started building based on it.
Saitou: You originally only thought up the setting and story until the third generation, Kujou Jotarou.
Araki: I really sped up the story development at that point, since I knew I would get to a third part. On the other hand, I wrote the third part thinking I might end it there… But, how do I put it, the ideas kept flowing…
Saitou: You do not really have slumps, do you?
Araki: I believe it’s different for everyone, but in my case it is for rather short periods of time.
Saitou: There is this general image of manga artists having all nighters and stuffing themselves with health drinks before their deadlines, but you look like the type of craftsman who plans their working hours during daytime and keeps a light schedule.
Araki: You truly are perceptive. That’s exactly what I do.
Saitou: You have mentioned this before in an interview (Jojo6251, “The World of Araki Hirohiko”). You work out the plot on Sundays, Mondays, Tuesdays and Wednesdays are for drawing, while Fridays and Saturdays are spent gathering information. You have been doing this for a decade, yet, strangely enough, you are still not stuck in a rut. How come your art style keeps evolving?
Araki: Probably because I reflect on my past works and think about things I would have done a bit differently or what other artists do. That is when I decide to make some changes. I don’t truly do it on purpose though.
Saitou: Do you ever feel jealous of other artists? Are there other styles you admire?
Araki: I do. However, due to my own quirks, things don’t really go the way I want them to.
Saitou: Your quirks, or, better yet, particularities are strong indeed. It is interesting that I haven’t really seen artists who copy your style. There were, for example, a lot of Ootomo Katsuhiro imitators a while ago, but none for you.
Araki: My art style keeps changing, so it may be difficult to imitate me.
Saitou: Not just the art style, but also the lines, the hectic changes in points of view, the extreme composition and perspective, all are Araki style. Perhaps the lack of imitators also reflects a matter of technique.
Araki: I have this tendency of changing not just my art style, but also story development and character points of view, otherwise I probably wouldn’t be able to advance the story. I may also be that everything ends up looking hectic because of the 19-page limit.
Saitou: The passage of time in your stories is also unique. You do not show through just one line. You use numerous tricks, then go back in time and reveal what was actually going on. Well, you also introduced stands that could literally stop or rewind time too.
Araki: I put a lot of detail into every single second. Let’s take characters falling for example, I like showing how far they’re thinking while falling and that tends to last (laughs).
Saitou: The entire scene until Kira Yoshikage’s death in part 4 only lasts about 15 minutes, but you turned it into an entire volume: temporality, manga style.
Is it correct to say that your works feature a clear and logical entertainment value, especially if you take the existence of SF-like constant and precise explanations into account? I feel that you are not satisfied unless you reveal precise principles, either behind the existence of stands or simple tricks….
Araki: That is true. I can’t be satisfied unless I write a proper explanation, be it based on scientific or manga logic, even when I draw invisible or unclear concepts, like ghosts or paranormal phenomena. That is how stands were born.
Saitou: They feel so fresh and innovative, unlike anything I have seen before. Did you get this idea from somewhere?
Araki: No, they were simply the result of a request. I was basically told to make super powers that were easy to understand for the readers, like breaking something with your mind powers; have something appear and actually break an object. But only that. Take Ushiro no Hyakutarou, for example: even if guardian spirits show up, they don’t actually do anything (laughs). I figured they should also punch or beat up evil spirits, and ended up with what we know as stands.
Saitou: I believe there was this Otomo Katsuhiro boom, a tendency in the beginning of the 80s when everyone wanted to write stories featuring invisibile supernatural phenomena, like Domu. Did you incorporate a sort of rebellion to that in your own work?
Araki: I did. I wanted to do something about the almost incomprehensible way psychic abilities were portrayed. I learnt a lot thanks to Otomo’s technique though, like the way cups break and so on. It’s easy to see how much attention he pays to such things and how much care he pours into drawing them, how bases his style on theory, how he draws each part properly, like the pieces of a puzzle. Take scattered water for example, the way he draws it makes you think he takes photos of water and watches it fall in slow motion. It’s that accurate. I loved reading it, but the psychic powers parts were a bit difficult to understand; I just couldn’t agree with the way they were presented. We then figured we should have our characters beat up others. I think this is where the request came from.
Saitou: I have seen many readers talk about that particular way your characters speak, that it feels more like reading translations. Is that on purpose?
Araki: Ah, no, I’d say this might be the result of the books I’ve read. I also talk like that sometimes. Those are totally me (laughs).
Saitou: King is your favorite foreign writer, right?
Araki: He is, but that is perhaps because I haven’t paid attention to too many other suspense writers.
Saitou: What about the sound effects? Like the famous “zugyuuun” during the kiss scene in Part 1 (laughs). Are these unique sounds, like “baaaam” or “dododo”, what you hear in your head while drawing?
Araki: They are like a rhythm I wanted to give to certain scenes. I guess it’s the movie influence, like the music that starts playing all of a sudden when the murderer shows up behind the characters. Like “beep beep beep” or “dun dun dun” (laughs). There’s something special about them that I can’t help adding in my manga as well.
Saitou: I believe you want your manga to have a movie-like development, right?
Araki: I do. When I draw, I “see” the characters through cameras, like capturing that eerie feeling you get when the camera approaches something. Seeing the camera come closer like that makes you think even an ordinary glass of water might actually be filled with poison. Of course, manga panelling also has its limitations.
Saitou: It seems you love movies quite a lot.
Araki: I mostly watch famous movies. My favorite directors are Clint Eastwood, Coppola, De Palma, Spielberg. I’m not too fond of Lynch or Kubrick. The definitely have their good points, but I don’t really draw any inspiration from them.
Saitou: Your character, but especially your stand designs are outstanding. Tohl Narita, Ultraman’s designer, said that drawing monsters properly is difficult, and even experienced artists tend to turn them into into deformities or chimera at best. The monsters you draw have a certain consistency to their designs, coupled with a healthy and autonomous life force. That is why they don’t feel grotesque at all.
Araki: I think this might also be because I can’t draw grotesque things. Well, I don’t think I draw particularly brutal scenes in my manga either. Let’s take scenes covered in blood for example: I prefer making the bleeding look more stylised than realistic. I don’t find designing stands too difficult though, since they have parts in common with folk craft creations or puppets. I also add these elements to somehow complement stand abilities.
Saitou: Did Echoes (Hirose Koichi’s stand) come out just as easily too? It feels like you spent quite a bit of time designing it.
Araki: I may have spent a bit more time thinking about Echoes, since it was the first time I tried to write character growth. This was also reflected in the stand coming out of an egg and changing several times.
Saitou: Hirose Koichi is one of your favorite characters, right?
Araki: Well, perhaps it is his destiny to show up again and again, but I don’t actually plan this kind of thing in advance, although it may look like it. I used to plan out the story in the beginning too, but at some point figured it would be more interesting if I wrote it like a sort of diary instead, like putting together the things that came to mind on that very day. Still, I will always think up a definite direction for my stories.
Saitou: Could it be you are not particularly attached to past characters?
Araki: I don’t think about them in particular, but more fondly, like friends I’ve said good bye to. I have my mind full of the things I have to do for the following week, so I forget about them. You might say you don’t have the time to look back in this world.
Saitou: Some time ago, Buichi Terasawa said you are the type of writer who thinks up the entire story from beginning to end first and then starts drawing.
Araki: I don’t do that anymore. I don’t know the following week’s story anymore. I did do this for Baoh and the first part of Jojo, but I think doing that is a waste now.
It is easy to follow a character’s destiny as long as you have a clear image of them in mind. They have to move, just like real humans. I will always have the protagonist act based on the feelings he derives from his motivation, as long as that motivation is clear itself.
Saitou: Ah, so this relates to your non-existent slumps.
Araki: No, no, I do have slumps (laughs).
Saitou: I would have started worrying if had you said 100% no, but still, this is quite something compared to others. There is a certain pattern of manga artists improving their art, sometimes at the expense of their storytelling skills. You don’t have this problem at all. Both your art and storytelling evolve simultaneously at a great speed. Has any other manga artist maintained this same constant tension for an entire decade? Let’s say Jump’s Kochikame for 20 years and Dragon Ball for ten years, but not even Dragon Ball could avoid repeating the same pattern – the tournament formula, with enemies that get stronger and stronger. I have a feeling you are not too fond of the tournament formula.
Araki: I think it was a Bubble-like thing, followed by a period of uncertainty; I wasn’t too sure what to do when asked to write something of the sort. I do reject tournaments on some level.
Saitou: There seems to be a surprisingly high number of people mistaking Jojo for a tournament manga, among them even critics who fail to read it properly. The story being divided into several parts that feature only one ability, stands, shows that differences are based on value rather than strength. Did you use this setting in order to limit the inflation of strong enemies?
Araki: Sometimes the editor asks me to introduce a tournament arc because readers love that kind of thing, but I just reply with “Eh, ok. But what do I do when I’m done with this enemy?”. I originally wanted to end Jojo with part 4 and figured I would start drawing a different type of manga, but the editorial department told me I wasn’t allowed to take a break (laughs), so I forced myself to start a new part and make new characters. I did end up getting attached to them along the way though.
Saitou: It simply looked like Hirose Koichi passing the baton, so as a reader I didn’t feel any sort of discomfort, nothing felt contrived.
Araki: I felt I did a rather good job there, but I wonder if that feeling will last as I start introducing more characters.
The classic way of shounen manga
Saitou: I feel that you are following the classic way of shounen manga from several points of view.
Araki: Yet I am also misunderstood and wrongly perceived as a more obscure type of artist, even though I have always intended to inherit the spirit of certain shounen manga.
Saitou: True, true. Basically manga critics have nothing to say to you. I decided to talk to you today because I wanted to emphasize that. I believe you are being undeservedly underestimated. Small things, like your lines and sound effects, used to be praised in the beginning as “interesting”, but now they are criticised as repetitive, whereas to me they are constantly escalating the tension. Perhaps these persons either do not notice experimentation, or your way of experimenting is too difficult to understand for them. The only criticism I consider accurate at the moment is Taku Hachirou’s (included in “Ikasu! Otaku tengoku“) (laughs).
Araki: That is because he is a Jump reader and is perhaps used to this. But I think he might be overestimating me (laughs).
Saitou: Oh no, following this classical way while being experimental is actually a very rare occurence, and I came here today feeling it is my duty to turn around, even if a little, this unfair criticism.
Your works are like an ode to life, a bit different from the typical notion of “wholesome”, but with an extremely “healthy” feel to them. I have also talked about Yoshida Sensha’s manga, but his work has certain “pathological”, if I may say so, aspects, which conversely makes them easy to talk about. What do you think about that type of manga?
Araki: I love it. It’s interesting to see that abnormal part of humans brought to light. I do get some ideas while reading this type of manga, but my work is an ode to humanity, so I only touch on them a little. I do believe that if you turned my manga inside out you’d end up with the kind of work we were talking about .
My previous editor told me to write more about human sadness, but sometimes I feel that I am not really the type of person to write about something like this. It’s not really in my nature. These moments really give me a headache. But I do try my hand at it.
Speaking of novels, there is this “innate sadness” that permeates books like Stephen King’s, which for me is also an ode to humanity, although it is not a place I really want to go to. That is why I think that having your entire story focus on that will make you look like a poor writer. Too much focus on that one aspect. I don’t think ending a story in such a hellish point, like the movie Seven, is a good idea either. There needs to be some sort of salvation, somewhere, for me. But I’d say the other way is all right too. I’m thinking of challenging myself and trying it out one day, if it fits the theme.
Saitou: Your style changed a bit in part 4, which featured a psychopath, a character you would encounter in Silence of the Lambs or Seven.
Araki: That’s right. It was the times. Jojo’s third part leaned more towards the mythical angle, while part four, together with its protagonist, moved a little towards normal daily life.
Saitou: Was that kind of atmosphere an active choice? Or was it more of a necessity once you decided to draw about normal daily life?
Araki: I was inspired in part by the Tsutomu Miyazaki murders, among others. While thinking about something to represent the enemy, (as an aside, Dio also represented various things as well), I figured that the most frightening thing in your daily life would be not knowing what your next-door neighbor is doing. Now, the enemy of part five comes from your inner group, he’s your higher-up. He’s basically superimposed over the the people who are supposed to protect you, like statesmen or policemen.
Saitou: Are you thinking of creating an open world setting, with only part 4 as the exception? Having enemies that keep appearing in a closed setting does end up resembling a tournament.
Araki: I would do it if necessary. But while drawing week to week I can only think about the types of attack and defense that take place in a certain second, in a certain space, and this writing style of mine basically limits my options. Looking back though, the world does end up bigger than expected.
There’s also the fact that I only come up with one plot thread per week; if I introduce two, the readers won’t know what is going on anymore. This style of drawing manga one by one, according to editors. If you were to introduce two plot threads, they would say “Don’t think too much about that” or “Don’t introduce two plot threads, the readers won’t know what to focus on”. One is enough. Drawing one without feeling awkward is more than enough. There are also moments when I am told “These panels look awkward now” (laughs). If I am more daring I will receive encouragement, like being told everything will be ok when I feel a little anxious. These words coming from an editor mean a lot.
Saitou: This is a story about a lineage, so family is obviously involved, but fathers mostly die or end up frail and feeble. Many fights are motivated by the desire to protect or help a woman, mostly one’s mother, which to me is another brand of wholesome.
Araki: Well, I do my best to avoid having my readers think it a bit awkward, but it always ends up like this. It might feel a bit too noble for me if it were about protecting one’s lover… Sure, I can also include the hero’s own desires or advantages and disadvantages, but for that you have to write the beginning of the love story properly. You don’t need an actual incentive to protect your mother or a relative, but the story changes greatly if it is about protecting a romantic interest. You have to write why that girl needs to be protected and the story itself will end up digressing. Well, there is also the fact that I can’t write girls too well, although I have tried too many times.
I may be drawing a fighting manga, but the readers still need to be patient. There might be enthusiastic readers who want to see fights too, but drawing those endlessly is rather… That is why turning the mother into the hero’s purpose makes the story flow easily afterwards. I had some ideas that were considered too slow and sluggish and ended up rejected too. Sometimes I also write the story as a puzzle, taking into consideration what fits in where and what doesn’t, whether to save certain characters or what may feel too slow and irritating. Other times I go all out like James Cameron. I love how solid Cameron’s storytelling feels — he doesn’t introduce too many useless details, but will definitely have a background story.
Saitou: Have you thought about a live-action adaptation of your works?
Araki: I am not interested in directing my own live-action, but sometimes I think about movies and what an excellent communication method they are. I respect movies, but I have my doubts about manga becoming an art similar to movies. Not even going to talk about anime.
Saitou: A critic named Katou Mikirou identifies manga written by you or Terasawa Buichi by the general term of "mannerism", that is, manga drawn with incredibly high skill and peppered with brilliant references. Do you use this style on purpose?
Araki: I cannot help doing it.
Saitou: You include references, but not too many parodic moments. You have serious touches, but not silly anime-style moments. Am I right?
Araki: You see, my standard is that even though I find it a little silly myself, I will draw whatever it is without feeling embarrassed. I transcend that and use the technique of “I can do it!!!” (laughs). This is what I call determination.
Saitou: So you are tempted to joke around too.
Araki: Hahaha, I am. Sometimes I do think I may be crossing some lines, but if my readers saw through that, it would ruin the entire atmosphere. But this is also a Jump tradition. If you are wondering why artists like Masami Kurumada were able to get so far, well, it’s because they are great people.
Saitou: This is something unique to Jump.
Araki: Like one of those moments when you stop and think why a character jumps into space (laughs). However, that completely flies over the readers’ heads, so you just go “aaah”.
Saitou: Incidentally, the one shouting the name of the move is Kurumada Masami.
Araki: As expected (laughs).
Saitou: Kurumada’s punching panel composition is mainly the same, but you, on the other hand, draw them differently most of the time.
Araki: That is because the times advance as well. Yep. That is why, in the end, my manga follows conventions.
Saitou: Are there any manga artists that have caught your eye lately?
Araki: Hmmm. There are a lot, but there’s a part of me that does not want to admit it. I can’t really understand the otaku type of manga artists, but I won’t say they aren’t good; they simply have a particular charm, I guess. Everyone fervently endorses them and praises their style anyway. And yet, there are also parts I cannot understand, like why is it good to draw incessantly or if it’s all right to just draw the same face over and over again.
I love Minetarou Mochizuki. Currently reading Dragon Head. I didn’t really understand Batāshi Kingyo, but I started thinking he’s good around the time of Zashiki Onna. From Jump there’s Usuta Kyousuke’s Sexy Commando Gaiden. There’s also Fukumoto Nobuyuki’s Kaiji, serialised in Young Magazine. Don’t you feel that Kaiji is just my type of manga? The art style feels inspired by Chiba Tetsuya, but it’s not as good. But that’s a good thing. I was really into Kaiji last year. I hadn’t run to the bookstore like that in quite a while.
Saitou: Today’s conversation has convinced me that you come up very casually with the all the things we love so much. As expected (laughs). This, to me, is a sign of genius.
Araki: I am not a genius though (laughs). But it’s not that important anyway.
Saitou: Our points of view may differ, but there are certain aspects that pass unnoticed when it comes to other series, while attracting a lot of attention when featured in your manga. We may think you are doing this on purpose, but you truly aren’t. It’s something that comes to you naturally.
Araki: I cannot do it any other way.
Saitou: I hope you will keep doing it this way for ten, no, twenty more years.
Araki: Understood. I will do my best, even though it will be quite tough (laughs).
進化する『ジョジョ』
―― 私は本業は精神科医なんですが、精神病理的な視点から語りうる漫画は、『エヴァンゲリオン』や吉田戦車などを筆頭に近年たいへん多いのです。これに対して荒木さんの作品は一種「過剰な健康さ」が特徴と言えるのではないか。ふつう健全なコミックというのは、人畜無害のつまらないものと相場が決まっているのに、荒木さんのものは健全性と個人的な表現衝動が他に例を見ないバランスを維持しているように思います。今回は荒木ファンの一人として、そのあたりの謎に迫りたいと考えています。まあそれは後のお楽しみということで、まずはデビュー当時のお話をお聞かせください。
荒木 出身は仙台です。二〇歳の頃にデビューしました。『魔少年ビーティー』という連載を仙台で描いていて、次の『バオー来訪者』の時、一九八四年のロスアンゼルスオリンピックの時に上京しました。ジャンプの『ジョジョの奇妙な冒険』(以下『ジョジョ』)は一九八七年から連載がはじまったんです。
―― デビューされて一六年、ことしは『ジョジョ』一〇周年ということになります。代表作である『ジョジョ』サーガは単一の作品というよりは、いろんなものを詰め込むための物語装置というか、世代ごとに受け継がれて別の作品になってゆきますね。現在の第五部に至っては、シリーズで共通する登場人物は広瀬康一くらいですし。
荒木 そうですね。読者が気に入らなければ、いつでもやめなければいけないという宿命がありまして。それでも、三部くらいまではある程度テーマみたいなものがあって、現代まで来ようと。主人公も、それはあまりなかったことなんですが、変えてゆこうと。そういうことをおぼろげには考えていたんですよね。
―― 物語が「ジョジョ」という血筋＝固有名の連鎖で繋がっていく形式は、非常に新鮮でした。第五部の主人公「ジョルノ・ジョバァーナ」が、「ジョジョ」一族の宿敵「ディオ」の息子であるという設定のように、血筋の流れの中で、敵味方が渾然としてますね。
荒木 人間というのは良い人でも悪い人でも認め、賛美しよう、読者に元気を与えよう、そういうテーマから始まっているんです。そうすると血とか、生き方とかが重要になってくる。主人公を描く時に必ず、親の代とか、どういう境遇で育ってきてこの主人公が今あるかたちで存在しているのかということを確立し、固めていくんですよ。そういうところからやっていこうと思ったんです。
―― 最初の設定としてはだいたい三代目まで、つまり「空条承太郎」までですか。
荒木 あの辺は結構ストーリーの進行を急いでいるんですよね。三部までいくことはもうわかっているから。だけど、三部は最後だったし、これで終わりなのかなみたいな感じでやっていたんですけれど・・・・・・。描くことがガンガン出てくるというか・・・・・・。
―― 荒木さんにはあんまりスランプってないんじゃないですか。
荒木 人によって違うと思いますが、僕は割合に波が短いんですね。
―― 漫画家というと締め切り前にドリンク剤をガンガン飲んで徹夜して、みたいなイメージがあるんですけれど、荒木さんは割とクールに昼間に仕事時間を決めて、淡々と職人的にこなしてる感じがします。
荒木 するどいですね。その通りです。
―― 以前インタヴューで話されてますよね(JoJo6251「荒木飛呂彦の世界」所収)。日曜日に構想を練って、月火水とかけて描いて金土が取材。それが一〇年続いているわけで、なおかつマンネリにならないというのがすごく不思議なんです。いまだに絵柄まで進化し続けるということが、どうして可能なんでしょうか？
荒木 多分、反省じゃないでしょうか。読み返した時にちょっと違うなとか、他の作家さんの方がいいなぁとか。そうすると、やはりその点をちょっと変えていこうかと思っている。特に意図はしてないんですが。
―― 荒木さんでも他の作家の絵柄がいいとか、羨ましいとかあるんですか？
荒木 ありますね。ですが、クセがあったりして、なかなか自分の思う通りにはいかないんですけれど。
―― クセというか個性が強烈ですよね。面白いのは荒木さんの亜流ってあんまり見かけませんよね。たとえばひところ大友克洋の亜流っていっぱい出ましたけれども、荒木流って見たことない。
荒木 変化するから真似のしようがないかもしれないですね。
―― 絵柄だけ真似てもしょうがないし、セリフ回しや、めまぐるしい視点の切り替え、極端な構図やパースなどの総合されたものが荒木流ですから。亜流が出てこないというのは、そういう技術的な問題でもあるでしょうね。
荒木 絵もそうですが、ストーリー展開でも登場人物の視点が、私は自分ではずいぶん切り替わるなぁと思っているんです。そういう描き方じゃないとストーリーが進行しないというのもあるし。多分一回一九ページという制約のせいで、目まぐるしくならざるを得ない時はあるかもしれないですね。
―― それと時間の流れが独特ですよね。単線的には流れて行かない。手品的なトリックを多用されていて、時間が後戻りして実はこんなことをしていた、とか。まあ「スタンド」も実際に時を止めたり、戻したりできるわけだし。
荒木 一秒のことを綿密に描いたりするんです。登場人物が落ちていく間のことを、延々と描いて、落ちている間にここまで考えるか(笑)みたいな。
―― 第四部ラストの「吉良吉影」が死ぬところは、時間にして十五分くらいの出来事を、ほぼ単行本一冊を使って描いていますもんね。このあたりは漫画ならではの時間性ですね。 荒木さんの作品は、理詰めで明快な娯楽性といいますか、それこそＳＦ的な意味で常に説明がきちんと出来ているじゃないですか。「スタンド」にしてもトリックにしても原理がきちっとしていないと気がすまないみたいな・・・・・・。
荒木 それはあります。幽霊や超常現象にしても、目に見えないものを描いていく場合、それが科学的であろうが漫画的であろうが、ちゃんとした原理がないと満足出来ない。それで「スタンド」みたいなものが生まれたんですよね。
―― あれはすごく斬新な感じがしましたね。あれに似たアイデアって見たことないんですけれど、なにかヒントはあったんですか？
荒木 いえ、それも「願い」から出て来たことですから。つまり超能力というのはただ念じたらバーンって割れる感じを、まぁ、何か出てきて叩けば読者はわかりやすいなと。ただそれだけなんですけれど。『うしろの百太郎』を読んで、守護霊なんかが出てきても、ただ出てくるだけで何もしない(笑)。パンチでも繰り出して、悪霊をやっつけてくれればいいのにと思っていて、そういう発想で出て来たことだと思うんですね。
―― 八〇年代初頭には、一方で大友克洋ブームがあって『童夢』のような、それこそ目に見えない超常現象をみんな描きたがる傾向があったじゃないですか。あれに対するアンチというものを多少意識されたところはあるんですか？
荒木 そうですね。超能力のわかりにくさというのをなんとかしてやろうというのはありましたね。でも大友先生の空間の描き方にはすごい勉強させていただきましたよ。コップの割れ方とかね。よく見て描いていくとちゃんとわかるんですよ、理論的に描いていて。ちゃんとこう、パズルみたいに破片をきっちり描くんですよね。水の散り方も、写真に撮ったりしてスローモーションを見て描いているんじゃないかと思うような、そういうのがすごい緻密で。好きで読んでいましたが、ただ超能力の部分がちょっとわからない、納得いかないんですね。じゃあ、わしらは叩きに行くんだ！みたいなね。そのへんが願いとして出てきたということなんだと思うんですね。
―― 独特のセリフ回しというのはいろいろなところで指摘されていると思うんですけど、翻訳調というか、翻訳ものを読んでるような感じを持つことがあるんですが、それは意図してやっておられるんですか。
荒木 いや、本を読んだ影響が残っているんじゃないかと思うんです。そういうふうに喋っている時もありますね。なりきっちゃってね(笑)。
―― 海外の小説はやっぱりキングがいちばんお好きなんですか？
荒木 そうですね。他のサスペンス系の作家をあまり読んでいないだけかもしれないですけれど。
―― 擬音についてはどうでしょう。あの一部で有名になったキスシーンの背景音がありますね、「ズキュウゥーン」という(笑)。キメの場面では必ず「バーン」とか「ドドドド」とか、独特の効果音が出てきますが、あれも内面からほとばしってくるわけですか。
荒木 何かリズムみたいなもので「このシーンにちょっと欲しい」とか。映画の影響だと思いますよ、やっぱり。たとえば殺人鬼が後ろに立つと急に音楽が鳴るじゃないですか。「キュンキュンキュンキュン」とか、「ズンズンズンズン」とかさ(笑)。なんなんだろうね、あれは。あれが欲しいんですよ。
―― やはり映画的に展開しようというのはありますか？
荒木 ありますね。視点とか、カメラの目で想像しながら描いたりしますもん。カメラがモノに寄っていったりするのがちょっと恐いなとか。何の変哲もない水の入ったグラスでも、ゆっくりとカメラが寄っていくと、毒が入っているんじゃないかなと思うじゃないですか。もちろん漫画の画面という制約はありますけど。
―― 映画はかなりお好きのようですね。
荒木 だいたい話題作は観ていますね。監督ではクリント・イーストウッド、コッポラ、デ・パルマ、スピルバーグあたりが好きですね。リンチやキューブリックは、僕はちょっと駄目なんです。もちろんいいところはあるんですが、自分のものとして採り入れようという気にはならない。
―― キャラクターもですが、ともかくスタンドの造形が見事だと思うんですよ。ウルトラマンをデザインした成田享さんが書いてますが、化け物をきちんと描くのは難しくて、かなり技術のある作家でも、化け物だけは奇形やせいぜいキメラ的な造形になりがちなんです。 荒木さんの描く化け物は、デザイン的な整合性もさることながら、ちゃんと健康で自律した生命を持っていますね。だからぜんぜんグロテスクには感じられない。
荒木 グロテスクなものは、もしかしたら描けないかもしれない。まあ作品中でもあまり残酷なシーンは描いていないと思います。例え血まみれになるような場合でも、出血はあまりリアルじゃなくデザインするし。ただスタンドの造形にはそんなに苦労しないですね。民芸品や人形の使えそうな部分をちょっとずつ持ってきたりして。それにスタンドの能力を加味して考えます。
―― 「エコーズ(広瀬康一のスタンド)」なんかも無造作に出てきた感じですか？ちょっと工夫した感じもしますが。
荒木 「エコーズ」はちょっと考えたかもしれない。はじめて成長するタイプのキャラクターを試したので。スタンドも卵から孵って変化するという。
―― 広瀬康一は好きなキャラクターなんですよ。
荒木 まあ彼の運命いかんで再登場となるかもしれませんね。でも本当にあまり計算はしていないですね。一見計算しているように思われるみたいですが。ストーリーの計算も最初の頃はやっていたんですが、ある時ね、なんか日記みたいにして描いていてもいいんじゃないかなって、今日思ったことを綴っていこうかなという気になったことがあるんですよね。ただ、方向性をはっきりさせているんで。
―― 過去のキャラクターにはあまり思い入れはない？
荒木 考えもしませんね。別れた友達みたいな感じで、懐かしいなというだけで。次の週のことで頭がいっぱいで忘れるんですよ。この世界は振り返っている暇がないんじゃないかな。
―― 以前、寺沢武一さんが荒木さんのことを、最後までストーリーを練ってから描くタイプだと解説されていましたが。
荒木 いや、それはもうないです。もう来週のストーリーがわからないですから。『バオー』や『ジョジョ』の第一部の頃はそうでしたが、それをやっていると持たない。 ただキャラクターに対して明確なイメージがあれば、その人の「運命」で行くんです。人と同じで、動かざるを得ないというか。主人公の動機付けがはっきりしていれば、こういう気持ちだからこう行く、というのは必然的に決まってきます。
―― その辺がスランプのなさというものにつながるんでしょうかねぇ。
荒木 いや、スランプはありますよ(笑)。
―― ないと言い切ってしまうのも問題でしょうけれど、ほかの方との比較で。漫画家も絵が上達するにつれて、どんどんイラスト的な比重が高くなって、物語を動かせなくなってしまうというパターンもあると思うんですが、荒木さんの場合、全然それがないですね。絵柄の変化と物語の進行が相互に加速し合っている。このテンションで一〇年続いている漫画って他にありましたっけ？ 『ジャンプ』でも『こち亀』が二〇年で、『ドラゴンボール』が一〇年ぐらいでしたか。ただ『ドラゴンボール』ですらパターンの反復は避けられなかった。トーナメント方式で、どんどん強い敵が現われていく。荒木さんは、こういうトーナメント方式に対して、疑問を持っているように思うんですが。
荒木 バブル的だなと思うんですよ。あの後どうするのかなと不安になるというか、自分がそれをやれと言われる時は、えーっと思うんですよ。トーナメントは完全に否定しているところはありますからね。
―― 『ジョジョ』に関しては、どうもトーナメント式に誤解されている方がずいぶんいるみたいなんです。批評家までがちゃんと読まないで、あれはトーナメントだと断言したりするのは本当に残念です。物語が何部かに分かれているところや、あとスタンドの能力が一つしかないということで、強さよりも質で差別していますよね。こういう設定によって強敵のインフレーションを防ぐという意図はあったわけですか。
荒木 トーナメント方式は読者には受けるので、編集者がやっぱりやろうか、と言う時もあるんです。でもその時は「うーん。でもこの敵が終わったら、その時僕はどうすればいいんですか？」みたいなね。実は、第四部の杜王町の時に、これで終わりかな、と思ったことがあったんです。また違う漫画を描かなきゃいけないのかなぁと。ところが、編集部が「休みは駄目だよ」と言うから(笑)。それで仕方なく、無理やりキャラクターを作って始めましたが、でも描いているとキャラクターに情が移ってきて。
―― 広瀬康一がうまくバトンタッチをしたという感じで、読んでいるほうは何も違和感というか、本当に作為が感じられなかったですよ。
荒木 あそこは結構作ったなと自分では思っています。でもだんだんキャラクターに入っていくところから、そういう感じがなくなるのかな。
少年漫画の王道
―― 荒木さんはいろんな意味で、漫画の王道を行っている感じがしますね。
荒木 でも勘違いされて、マイナー系の人だなと思われているところもあるんです。自分では昔からある少年漫画の精神を受け継いでいるつもりなんですが。
―― それは本当にそうですね。要するに漫画の批評が荒木さんの作品について語る言葉を持っていない。私は今日、それを力説したくて来たようなものなんですけれど。これはあきらかに不当な過小評価だと思います。初期のころは「セリフや擬音が面白い」とか、そういう些細なところで持ち上げておいて、いまやマンネリとか言ってますけど、私はテンションはかえって高まっていると思います。実験性が目につかないせいでしょうかね。わかり易い実験をしないというか。いまのところ、正当な評価と思われるのは宅八郎の批評(『イカす！おたく天国』所収)だけですね(笑)。
荒木 読者が『ジャンプ』の読者ですから。そういうのに鍛えられているせいなのかもしれないですね。でも何かそれも過大評価じゃないかという(笑)。
―― いや、この王道を行きながら実験的であるというのはすごく稀有なことで、現在のあまりにも不当な評価を多少なりとも逆転させようという使命感を持って、今日は来たようなものです。 荒木さんの作品は生命賛歌といいますか、健全というのともちょっと違いますが、すごく健康的なんですよね。私は一方では吉田戦車の漫画について語ったりもしているんですが、あれはいろんな意味で病理的に語れるところがあって、逆に語り易いんですよ。ああいう漫画はどう思われます？
荒木 好きですね。ああいう人間の病的な部分をえぐり出す感じも面白いですよね。ああいう漫画を読んでアイデアが浮かんだりするけれども、僕の漫画のテーマの根本は、人間を賛美しようというところにあるんで、ちょっとそこに視点を移しちゃうだけなんですよね。ただ、僕の漫画も裏返せばああいう漫画になるとは思いますが。 前の編集者には、「もっと人間の悲しさを描こうよ」とかいうことも言われたんですよ。そうすると、うーん、描けないなという時があるんですよね。「わしの資質が違うかもしれん」とかね。そういう時はやっばり悩みます。描いてみたいと思うんですよね。 小説でいうとＳ・キングのホラーとか、ああいう”生まれてきた悲しさ”みたいなのもやっばり「人間賛歌」だと思うんですよ。だけど、それはちょっとなかなか行けない。だから、そこを中心に語ってしまうとへボな作家だなみたいな感じだと思うんですよね。あまりそこに焦点がいくとね。映画でいうと『セブン』のように地獄に突き落として終わるようなみたいな、あのへんは行けないと思いますね。どこかで救ってしまうんですよね、わしは。でもああいうのもいいんですよね。いいと思うんですよ。いずれは挑戦しようかなと、テーマがビシッと合った時にトライしてみたいとは思うんですが。
―― 第四部というのは少し流れが変わってサイコパスものというか、『羊たちの沈黙』とか『セブン』とか、あの辺のテイス トがちょっとあるんですね。
荒木 そうですね。時代ですかね。『ジョジョ』の第三部あたりは神話的なストーリーの様相があったんですけれど、四部あたりで少し日常のものに移ってきたというので、主人公がそういうふうになったんですよね。
―― それは積極的に採り入れた感じですか。それとも日常を描こうとしたら、必然的にそうなったという感じですか？
荒木 そうですね。宮崎の事件とか、ああいう感じで。敵の象徴が何かなと考えた時に、ディオもいろんなものの象徴として描いているんですけれど、やはり日常の、隣に住んでいる人が何をしているかわからないというのがいちばん恐いなと思ったので。で、いまの第五部の敵は内部にいる、自分の上司が敵ということになります。これは自分を守ってくれるはずの政治家や警官が敵かもしれないという意識に重なりますね。
―― 第四部の「杜王町」は例外として、あまり世界が箱庭的にならないようにということは考えますか？オタク的な閉じた空間のなかで敵が出てくると、それこそトーナメントみたいになってしまうということで。
荒木 必要とあればそれもやらないことはないと思います。でも一週間で描いている時は、本当にここだけなんですよ。一秒のあいだだけ、この空間だけでどういう攻防があるんだろうなということを考えています。そういう感じですので描いてる時は狭いですよね。あとから見るとその世界はでかくなっていますけれど。 それと毎週アイデアは一個しか出さないというのがあって、ニ個出すと読者はわからなくなるというのがあるんですよ。描くことは一個だという漫画の描き方があるんです。編集者がそういうことを言うんですよね。アイデアが二個あると、編集者は「そんなに考える必要はない」「ニ個あると駄目だよ、読者はどっちを読んでいいのかわからないだろ」と。一個でいい。
一個を照れずに描き切ると。「こういう照れたようなコマは駄目だよ」とか、あるんですよ(笑)。あえてやるんだと勇気づけられますね。こっちがちょっと不安になってくるところを「大丈夫だから」とかね。そういう編集者の言葉は大きいですね。
―― 血筋の話ですから家族が出てくるわけですが、だいたい父親が死んでしまったりとか、ヨボヨボになっちゃったりしますよね。女性を守るためといっても、それは母親を守るため、助けるために闘う場合が多いようですが、この辺も一種の健全さとして受け取ってしまうんですけれど。
荒木 うーん。読者がこれはちょっと変だなと思うようなことは避けようとすると、どうしてもそうなってしまうというか。恋人を守るためだったら、ちょっと気高くないかなという・・・・・・。もうちょっと欲望の部分、自分の損得の感じが入っていたりするけれど、それがちゃんと愛になるまでいろいろ描かなけりゃいけないですよね。だけどお母さんとか肉親だったら何の動機もいらないと思うんです。女性を守ったりすると違う話になってしまうんですよ。なぜその女性を守らなければいけないのかの話を描かなければいけなくなってしまう。話がずれていってしまうんですね。まあ女の子があまり描けないというのもありますが。何度か試してはみたんですけどね。 闘いの漫画を描きたいのに、読者はそれまでに我慢しなければいけないわけですよ。熱心な読者は読んでくれるかもしれないですけれど、『ジャンプ』の読者は闘いが見たいのに、そんなところを延々と描かれていたんじゃ……。だったらお母さんにして、そこのところはパーンと流すというやり方というのはあると思うんですよね、打ち合わせの時にまどろっこしいやり方は却下したりとかね。だからパズル的な作り方の時もありますね。ここにこうはまるとか、それは駄目だなぁとか。ここでちょっとあいつを助けようかとか、そんなのはかったるくないですかとか。ジェームズ・キャメロンのようにゴーンと行かなきゃ駄目だという時があるんですよ。キャメロンは骨太に行くところが好きですね。余計なところはあまり描きませんよね。でも背後に物語がある。
―― 実写映画が撮れたらなと思うことはありますか？
荒木 自分で撮れたらなという希望はありませんが、映画というのは芸術としてすぐれた伝達方法なんだなと思う時はありますね。映画は認めて尊敬してます。でも漫画が映画みたいな芸術になるのかなというところは疑問があったりもしますけれども。アニメはあんまり眼中にないし。
―― 加藤幹郎という評論家が、寺沢さんとか荒木さんなどの漫画を総称して、マニエリスム、つまりきわめて高度な技術で絢爛たる引用をちりばめた漫画だと指摘していますが、それは意図的になさっていることなんですか？
荒木 そうならざるを得ないというところですね。
―― 引用はされるけれどパロディはあまりされませんよね。シリアスなタッチでもアニメ的なおちゃらけがないといいますか。
荒木 あの、多少馬鹿馬鹿しいと思っても、照れずにやるというのは基本なんですよ。ちょっと照れはあるんだけれど、そこを突き破っていくんですよ。そういうテクニックってあるんですよ。あえてやる！みたいな(笑)。決心がいるんですよね、あれはね。
―― やっばりおちゃらけてしまいたいという誘惑はあるんですか。
荒木 ははは。あるんですよ。描いていてちょっと、なんかやばいんじゃないかなと思うこともあるけれど、それを見抜かれると読者がしらけるから。でもあれもジャンプの伝統なんですよね。車田正美先生とか、なんでここまでノレるかなという、すごい人がいますからね。
―― あれは『ジャンプ』ならではという感じですよねぇ。
荒木 よく考えると、なんで宇宙に飛んでいくみたいなね(笑)。だけど、完全に読者の上をいってしまうから、ああーってなると思うんですよね。
―― ちなみに技の名前を叫ぶのは車田正美先生ですね。
荒木 ですね(笑)。
―― 車田先生はパンチシーンの構図はだいたいいつも一緒でしたけれど、荒木さんはその辺は描き分けておられますよね。
荒木 だんだん時代も進化してくるわけですからね。うん。だから僕の漫画はやはり伝統に則っていると思います。
―― 最近こいつはいいと注目しておられる漫画家の方はいますか？
荒木 うーん。いっばいいるけれども認められないなという部分もあったりとか。オタク系の漫画家というのは、ちょっと理解できないけれども、うまいとは言わないけれども、やっばり独特の魅力があるのかなと思うんですよ。みんな熱狂的にその絵がいいといって支持しているわけでしょう。だけど自分にはわからない部分もあったりして。なんでこうペラペラに描いていいのかなとかね。同じ顔ばっかりでいいのかなとか。 望月峯太郎さんは好きですね。『ドラゴンへッド』は読んでます。『バタアシ金魚』はよく判らなかったけど、『座敷女』のころからいいなと思い始めて。『ジャンプ』では、うすた京介『すごいよ！マサルさん』。あとあの『カイジ』の福本伸行さん(『ヤングマガジン』連載)。『カイジ』はわし好みじゃないですか、そんな感じしませんか。絵はちばてつやを記号にしたみたいな感じで、そんなにうまくないけど。あれはいいんですよ。去年燃えたのはあれですね。本屋に走っていったのは久々ですね。
―― 今日のお話を聞いてますます確信しました。やっばり我々がすごいと思っている部分を全部軽い気持ちで出しておられるというのがわかりましたので(笑)。これはもう天才性の証ということで。
荒木 天才じゃないですけどね(笑)。でもあまり重要じゃないと思うんですけどね。
―― 我々の見方も間違っているのかもしれませんけれど、でも他の漫画と違うところに目がいってしまうんです。意図して違わせてるのかなと思うと、そうでもないわけですよね。自然に出てくるもので。
荒木 それしか行けないですね。
―― そのノリで今後も一〇年、二〇年と。
荒木 わかりました。頑張らせていただきます。つらいですけど(笑)。 [3]
Taku: There are some similarities between you and Kira, aren't there?
Araki: Yes, I suppose so.
Taku: What are they? Come on, tell me~.
Araki: Err, let's not......
Taku: (suddenly taking a serious tone) Did Mona Lisa give you an erection?
Araki: (laughs) That was just a gag.
Taku: Come on, Araki-san. Let's be honest today.
Araki: ......Well, there is one thing. My own experience with nudity is quite similar to his. Though instead of a photo, I was really into western paintings like the nude depiction of the goddess Venus.
Taku: So you like that type of thing [to the point of getting an erection].
Araki: When I saw it as a kid, I thought "Ah, so this is what a woman looks like naked." You could say I was greatly influenced by goddesses and the like.
Taku: Oh, so western paintings...[give you an erection].
Araki: Yes, the silhouette of a female body wrapped in silk really gets me.
Taku: Oh, so it really gets you [erect].
Araki: Actually, I had lots of other ideas for Kira, such as taking a bath and even going to the toilet with the severed hands of the women he murdered. However, they stopped me saying, "that's too much". I was going to make him use the woman's hand to wipe his butt on the toilet, for example.
[...]
Araki: You know, I don't really get series like Evangelion or Gundam, where the protagonist is psychologically forced to become the hero of the manga, despite not wanting to fight. (laughs) It just doesn't feel right to me! I want the protagonist to be able to push forward without a worry in the world. Doesn't that sound much better?
Note: Square brackets are Taku's inner thoughts.
ボクと荒木飛呂彦 文・宅八郎 荒木とはもう数年のつきあいになる。
ボクが荒木コミックにハマったのは、当時住んでいた杉並区のアパート近くにある喫茶店に置いてあった「少年ジャンプ」だった。その喫茶店には発売日前のジャンプが置いてあって、ボクはコーヒーを飲みながら、いち早くチェックを入れていたのである。
『魔少年ビーティ』、『バオー来訪者』、そして『ジョジョの奇妙な冒険』・・・・・・。
それらのあまりにもマジカルかつトリッキーな魅力に、ボクは引きつけられたのだ。
対談のなかで、荒木が力説し、またボクも認めているように、荒木コミックの世界は決してマイナー系のそれではない。確かにメジャー系の王道をいくものなのだ。
だが、それと同時にボクはマニアックな世界であるとは思う。でなければ、これほど「魅力的に病的」な世界は、あってはならないのかもしれない。
荒木の世界に魅了されたボクは、90年当時、週刊誌で連載していたコラムで『ジョジョの奇妙な冒険』を批評した。当時「ジョジョ」は第3部を展開し、スタンドという、超能力の特異な表現を開始していた。
そうしたボクの分析は、前号本誌特集でも執筆したとおりだ。今回、やや暴走ぎみの対談は前号をガイドに読んでいただきたい（のちに「ユリイカ」で精神科医・斉藤環氏は、もっとも的確な評論は宅八郎の文章だけだ、と荒木に語っている）。
そして、ボクの分析は作者にとっても「本望なもの」だったのだろうか。発表した直後に荒木とボクは出会い、荒木夫人をふくめて友人になった。
そして話してみて驚いたのは、性格はともかく、その感性の近さだった。かくしてボクらは互いの家を行き来し（ほとんど招かれることが多いのだが）、今日にいたっている。
ボクと荒木は、お互いに相手を「あんたは異常だ」と突っ込んでいるサイコな友人関係だという気もする（笑い）。
また、付記しておくと、荒木はともだちが異常に少なく、「知り合いじゃなくて友人というと、こせきこーじ（漫画家）と宅八郎（おたく評論家）の2人だけ」（証言・荒木夫人）だそうである。
荒木飛呂彦、不思議な人だ。
ここから対談（宅＝宅八郎、荒＝荒木飛呂彦）
～時代の罪・何がジョジョを生んだのか～
エヴァンゲリオンなんて苦手だ
宅 今日は荒木コミックの原点をたどりたいんだけど、昔はマンガは何を読んでたの？
荒 昔は梶原一騎とやはり、白土三平などですね。特に『柔道一直線』と『巨人の星』が好きでした。それに横山光輝先生の『バビル二世』。前に宅さんに指摘された通り、確かにあれに異常性を加えればもう『ジョジョ』だよな。
宅 異常性は認めるわけだ（笑）。横山マンガのいいところは主人公があんまり難しいこと考えてないところだよね。 荒 すごくストレートでいいですよね。
宅 一見ヒューマニズムの手塚治虫とちがって、横山光輝は始めからそういうの捨てているでしょ。『鉄腕アトム』と『鉄人28号』の差っていうか。ボクは横山派へいくわけ。
荒 かなりキているよね、横山マンガ。ハードボイルドっていうか。
宅 今のジョジョでもそうだけど、原形って横山光輝の『伊賀の影丸』とかでさ。たとえば、忍者と忍者が巻物争いで闘っている（七つの影法師編）のと同じじゃないですか。
荒 あれは基本だよね。あのマンガは『少年ジャンプ』の一時代の作家にとってバイブルみたいなものですよ。
宅 天才的でしょ。ボクは横山マンガの忍者や超能力、ロボットもの（『鉄人28号』『ジャイアントロボ』など）も大好き。横山さんって小難しい事を言わないし、ファンタジーを描こうとしてないでしょ。イジイジウジウジしてないというか。アニメの『新世紀エヴァンゲリオン』なんかとは全然違って。
荒 あの、エヴァンゲリオンとかガンダム系のさ、「ホントは戦いたくない心理の主人公がマンガの主人公になってる」ということがよくわかんないんですよ（笑）。だってスカッとしないじゃないですか！ 悩まずに突き進んで欲しいよね。スカッと。
宅 スカッといきたいよね！エヴァンゲリオンとか見ているとわからない。頭が痛いもん。だから、ボクら2人のエヴァ・シンクロ率はマイナス500だ！ 荒 あのアニメ、だめだよ・・・・・・。
宅 エヴァの主人公にしても「そういう性格だから、おまえはイジメられるんだ！」って感じで（笑）。ボクはイジケたものは見たくないという気持ちが強いから。女性キャラで大人気の綾波レイにしても、言ってみれば、陰気でタチの悪い女っぽいし（笑）。
荒 でも、あれがあれ程支持されているのも不思議ですよね。
宅 大ヒットしてますね。『ザンボット3』から『ガンダム』、『イデオン』の流れでしょ。イジケ系悩み系ダメ系の極致ですよね。横山作品にはそういう暗さって基本的に無いじゃない。
荒 オレは石ノ森章太郎先生の『仮面ライダー』とかにもその系統あると思う。
宅 たしかに。『人造人間キカイダー』とかもね。
荒 「自分は改造人間になってイヤだよー」みたいなね。オレだったら「うれしいんじゃないか」と思うんだけどね。うらやましいじゃない単純に。ラッキー、みたいな。 宅 そのとおり！あの世界はちょっとメソメソだよな。グズなメソメソ感覚。
荒 「戦いたくないー」とかね。
宅 『サイボーグ009』とかの最後に「やっぱり本当の敵は人類だった！」とかそういうのヤダもん。悪玉ブラックゴーストの首領なんか、最後にすごくイヤな事言うんですよね。「ブラックゴーストを殺すには地球上の人間全部を殺さねばならない。なぜならブラックゴーストは人間たちの心から生まれたものだからだ」（地下帝国ヨミ編）とか。捨てゼリフもいい加減にしてくれ（笑）。
荒 『ジョジョ』だと吉良吉影は、ある意味で＜肯定＞した上で殺人鬼になっている。悩むとしても「勝つ」ために悩むならいいですよ。だけど人生悩まれても困るよね、前向きに悩んで欲しいよね。
宅 吉良だったら、今度はどの女を殺して手首切り落とそうか、ってこと？
荒 そういうこと（笑）。
宅 スカッと行こうッ！
ジョナサンはもう描けない
宅 荒木さんはいつ頃から漫画家になりたいと思ってたわけ？
荒 子供のころから漠然となりたいとは思っていたけど、プロを目指したのは高校の頃かな。受験勉強とかが嫌いでさ、逃避もあったかもしれない。
宅 漫画家以外では、ファッションデザイナーも考えていたというのは（笑）？
荒 （爆笑）それはないですよ。デザイン学校でファッションを習っていたんです。一度はマネキンのメーキャップの仕事で就職しているんですよ。ラッキーな年で、そのとき同時にデビュー作が採用されて、マンガの方を選んだわけです。
宅 デビュー作の掲載が遅れたら、今ごろマネキンのメークしてたかもね。
荒 今は懐かしいけど、本当に新人時代は厳しかった。もう何回書き直ししたか解らない。書き直しが20ページ中10ページとかありましたね。徹夜でやっと上がって持っていくと、「このページ、ダメタメダメ・・・・・・」「明日までにやってこい！」って感じです。
宅 「迫力無い」とか「構図が悪い」とか言われるの？「無駄無駄無駄無駄！」とか（笑）？
荒 「主人公の顔が違う！」とかね。初めはなかなか安定しないんですよ、表情が。
宅 でも漫画家さんって安定しちゃうと、キャラクターは髪型しか変わらない（笑）。
荒 美しい顔は一種類なんですよ。美学は一つ。だんだん線が決まっちゃう。どんなに上手い先生でもそうですね。池上遼一先生だってそうでしょ。
宅 でも、絵はだんだん変わっていくよね。ジョジョにしても、この10年間でタッチは変わってきてる。『少年ジャンプ』での連載もう長いよね、だって古株で言えば『こちら葛飾区亀有公園前派出所』の次でしよ。
荒 やっばり歳を感じさせるよね。諦めちゃうときもあるよ、疲れちゃって。
宅 進行は徹夜徹夜でやっているの？
荒 いやー、さすがにもう無理ですね。連載当初ならともかく10年もやってると薬でも使わない限り（笑）。漫画家って一番クスリやりそうな人種じゃないですか（笑）。不思議にやんないね。みんなクスリ。やりそうなのに（笑）。
宅 荒木さんの場合はマンガを描く作業で、どこに時間がかかるの？
荒 僕の場合はやはり絵、ですね、ネームなどよりも。今は一日6ページが限度だけど、アシスタントばかり増やしても指示しきれないし。 宅 どこまで自分で描いて、どこからアシスタントなの？
荒 それは漫画家それぞれだけど、僕は人物は全部自分だね。これは譲れない。群衆は主な線だけで、服の柄とかはアシスタントに描いてもらうけど。
宅 絵を描き込んでいく感覚なんですけどね。ボクも似てるかなと思う面がある。ボクはひどい強迫神経症で完全主義なんですよ。単行本になると、一般読者じゃ気づかないようなところまで文章を手直ししたり。荒木さんは絵を描いてて、そういう自覚はありますか？
荒 うーん、わかる！描き直しはね、基本的にしないんだけどやろうと思えばいつまででもやっちゃいますね。それで、毎週の締め切りではいつも編集者には30分待ってもらっているんですよ。ほんとは来た時には終わっているんだけど、原稿渡す前に何かちょっとでも手を加えていたいんですよ。
宅 同じですね。ボクも原稿をなかなか渡せないの（編集者／苦笑）。
荒 だから、どこまでも描きこめるからついやりすぎちゃって（笑）。でもあれは無我の境地に入るんですよ。描いてるうちに気がつくと時間の感覚が飛んだりとか。 宅 第2部から第3部になった時、絵のタッチが変わりましたものね。今じゃ第1部の絵は描けないでしょ？
荒 そうそう。だから”ジョナサンでサインして下さい”とか言われると困るんです。「いやぁ、ジョナサンかけないよー」って（笑）。
宅 一度、ジョナサン・ジョースター（一代目ジョジョ）が誰だかわからなかったんですよ。折り込みポスターの絵かなんかで（笑）。
吉良吉影のリアリティ
荒 宅さんは第4部の吉良が好きなんでしょ。
宅 第3部でディオという最強の敵を描いちゃって、あれ以上行っちゃうと『北斗の拳』みたいに終わるしかないじゃないですか。宿命のライバル・ディオという最強キャラクターがいて、100年の時を越え世代を超えて闘ってきた。で、「ディオの次は一体どんな強い敵だろう？」って思っていたら、何と敵は変質者だった（笑）！しかも爆弾魔。それでボクは「バンザイ！」だったんだけど。
荒 確かにあれはトーナメント制の否定なんですよ。勝って勝ってまた勝って・・・・・・というインフレを繰り返した後、どうなるのかっていう。ある意味で『ジョジョ』って、タイトルだけ一緒で違う作品なんです。ホントは休んで新連載始めたいけど、編集部が休ませてくれなくて（笑）。
宅 だからボクは正直言って第4部は、苦しくて乗り切りつつ描いてるなあ、と思った。
荒 ああ、ありましたね、それは。でもオレはいつも迷っていて、初めは批判も受けるけど批判覚悟で気にせず描いていると、読者にも納得してもらえるみたい。
宅 逆にボクはもっと吉良の方で暴走して欲しかったんだよね。
荒 でもあれはかなりヤバイ領域だよね。
宅 吉良と自分が重なっているところってあるでしょ？
荒 ありますね、確かに。
宅 どこなの、教えてよ～。
荒 いや、それは・・・・・・。
宅 モナリザで勃起したんですかぁ？（急に真面目に）
荒 （爆笑）あれはギャグですよ。
宅 いや、荒木さん。今日は本当のこと言いましょうよ。
荒 ・・・・・・実は近いモノはあるよ。自分のヌード体験ってのは、実はああいうのだよ。写真とかじゃなくて。西洋画に描かれた裸のビーナスとかさ。
宅 そういうのが好きなんだ（勃起しちゃうんだ――内心の声）。
荒 「ああ、女の人の裸ってこうなんだ」という美しさを子供の頃に感じたね。だから、原体験が女神とかのほうなんですよ。
宅 西洋絵画にね（勃起しちゃうんだ）。
荒 そう、あとシルクをまとった女性の体のラインってのがこう、くるんですよ。
宅 くるんですね（勃起しちゃうんだ）。
荒 じつは吉良のアイデアはまだあってね、吉良が殺して切り落とした女の手と、お風呂もトイレも全部入るってのを考えてたんですよ。でもさすがに「それはヤバイ」と止められて。トイレで女の手にお尻拭かせたりしてるんです、本当はね。
宅 （爆笑）最高！ でも少年誌によく吉良なんかが載ったと思うよ。少年誌だと表現のコード（規制）があると思うんですよね。
荒 服を着ていてもちょっと男と女が抱き合ってたり、セックス想像させたりするとヤバイ。だから吉良が載ったのは不思議だよ（笑）。道徳性じゃないんだよね、読者の感情を逆なでして抗議がくるかの問題で。よくそういったシーンのカットとかさせられるんですよ。でも直接の抗議じゃないし、納得いかなかったりはしますね。 宅 別に「オラオラオラオラオラ」ってセックスしてる訳じゃないんでしょ（笑）
荒 そりゃそうですよ（笑）。でも体位の話を描いた時、マネキンみたいな絵だったのにダメだったんですよ。逆に描き直し覚悟で描いたヤバイ表現がすんなり通ったり、「モナリザで勃起」とか・・・・・・。吉良は青年誌だったらもっと描けたと思います。でも想像させておくのもまた、いいかと思いますけどね。
宅 寸止めってありますもんね。
荒 あと、宗教施設（寺院）を風景として描いた場合にも「マンガなんかに描かないで下さい」って抗議が来ちゃって、「場合によっては暴力的な人間を向かわせることもありますので」って話も聞いたことありますよ。
宅 宗教関係はラシュディの『悪魔の詩』の例もあったから怖いよね。いきなり半月刀とかで襲われたら。
荒 宅先生みたいに「明日向かうぞ」って（笑）
飛呂彦と八郎、二人は犯罪者？ 宅 よく互いに神経症じみた話するじゃない。
荒 オレはそれほどひどくないよ！ 多少あるけど（笑）。
宅 それでいうと、第3部に出てきたデス13（悪夢のスタンド）が好きなんですよ。だけどすごく怖い。悪夢とか見ない？ 神経症のせいかもしれないけど、ボクは悪夢や寝 言、そう絶叫がスゴイですね。
荒 あるある！ 寝言ある。絶叫。
宅 （笑）仮説ですけど、その絶叫が荒木さん特有の描き文字（擬音語・擬態語）なんじゃないですか（笑）。それで、どんな夢見てるか覚えてます？
荒 よくは覚えてないです。
宅 落っこちたりしません？
荒 ありますね。あと、よく人殺してるのあるな、オレ（笑）。
宅 ボクもよく人殺ししますよ。
荒 でも正当防衛ですよ（笑）。
宅 ボクはそうでもないな（笑）。
荒 戦って、相手をメッタ打ちにしたり。
宅 殺されるってのはないですか？ ボクは両方あるんですが。
荒 殺されるのはないですね。
宅 吉良みたいに手切ってたりして（笑）。それから醒めない悪夢といえば、例えば『サイボーグ009』とか『仮面ライダー』とか、人体改造のシーンを延々描いてたら怖いよね。
荒 ムムム。それは面白いかもしれん。
宅 人体改造手術ばっかり本気で描いて行ったら宮崎勤みたいなことになっちゃう。彼は幼女に対して「テレビで見た改造人間の、改造手術をした」って言ってるんだよ、供述で。仮面ライダーだと思うんだけど（笑）。
荒 あの事件まだ追ってるんですか？
宅 いや。とりあえず死刑判決出ちゃって。判決は法律解釈を考えると不合理だとおもうんですけどね。ところで凶悪犯罪といえば、オウム事件とか起きちゃうとマンガのリアリティが狂うっていうか、現実の事件のほうがすごいじゃないですか。報道見てました？
荒 というか、見ざるを得なかった。
宅 今のジョジョ、フーゴの「パープルヘイズ」（殺人ウイルスのスタンド）ってサリンぽいでしょ。究極の殺傷能力だもんね。
荒 そうだね。あれ収拾つかないんだよ。考えずに出しちゃったのはいいんだけど、展開を考えなきゃ（笑）。
宅 でも、地下鉄の中であの「パープルヘイズ」を登場させちゃったら、阿鼻叫喚のハルマゲドンで、少年誌じゃなくても「NO」と言われるだろうね（笑）。 荒 どうかな、載るかな（笑）。
宅 そういえば前、荒木さんやたらにルーズソックス気にしてたじゃない。女子高生の尾行とかしてたんじゃないの？ 荒 ちがうよ！ あれは見てただけ！ 人間観察だよ!!
宅 （笑）まあボクもわかるよ、昔は尾行が趣味だったから。ビデオカメラで人のこと録画してたこともあるもん。あ、いっしょにしちゃ悪いか？
荒 近いところはあるね。オレも近所の野良猫の通り道を確かめたりしてる。楽しいよね観察するのって。
宅 奥さんに聞いたよ、近所の猫に嫌われてるらしいじゃん。
荒 え、どういうこと？
宅 いや、荒木さんの顔見ると逃げ出すって。前に特注の空気銃を見せてもらったでしょ。猫を空気銃で撃ってるらしいじゃない。趣味が「猫撃ち」なんでしょ！
荒 ち、違うよ（あせる）！ あれは猫が庭でウンコして困ったからちょっと脅かしただけだよ。いつもやってるワケじゃない。ただハンター的に追って遊びたいんだよ。猫って毎日通るルートが決まっているワケよ。それを調べあげて猫が逃げたと思ってるところに先回りしてビビらせたりとか（笑）。
宅 で、撃ってるわけでしょ（笑）。前に、大藪春彦の犯罪小説みたいに、ボクが都内某所に作ったSM監禁拷問ルーム「ネズミ人間の部屋」を荒木さん、見たがってたじゃないですか。吉良がもっと続いたら、尾行とか監視、拷問で色々描けたでしょ。そこら辺をもっと期待しちゃうな。
荒 うん、尾行は今後、是非やってみたいテーマだね。
宅 ディテールだったら、協力しますよ。ボクはプロのストーカーだから（笑）
スタンドの文法
宅 第4部に登場する漫画家・岸辺露伴も元は危ない人でしょ。漫画家が作品中で漫画家を描きだすと、精神状態がヤバイっていう気がする（笑）。
荒 ああ・・・・・・、そうすか（笑）。
宅 後は荒木さんが鏡を描きだすと危ない感じがする。ラカンじゃないですけど。それから『バオー来訪者』でいうと、予知能力少女スミレがスケッチブックから飛び出る男を見たりするじゃないですか。あのあたりの表現って、結構サイコだと思うよ。
荒 確かにね。鏡といえばニセモノ・・・・・・例えばウルトラマンのニセモノとかでてくるとヤバイ時なんだよね。苦し紛れでやっていることもありますね。
宅 子供心に変だと思ったのが、手塚マンガとかよく自分が出てきたりするじゃない。ベレー帽かぶったまま風呂に入ってたりして。
荒 登場しておいて手塚治虫が殺されるのもありましたよね。
宅 マンガというフィクションの中に本人が出てくるのは、おかしな構造だよね。
荒 でも、今度の短編も（『岸辺露伴は動かない』）、原作・岸辺露伴、絵・荒木飛呂彦なの（笑）。
宅 前に新人賞の審査員やったでしょ、露伴の名前で。選考作品を露伴センセイが批評していたのがおかしかった。荒木さんが言えないことを代弁していて。新人にガタガタ言うの好きじゃないでしょ？
荒 うんうん、気が弱いし。
宅 だから、ここは露伴先生にビシッと言ってもらおう、でもこれは自分じゃないっていう（笑）。寸評見たら、新人に対して割合きびしいこと言ってたじゃない。「つまんないね！」とか（笑）。
荒 露伴ないいだろうって。自分の口じゃ言えないくせに（笑）
宅 しかし、危ないと言えば荒木さんの作品って、けっこう手とかブッ飛んでるでしょ。手フェチっぽいよ（笑）。吉良なんか手を集めてるわけじゃない。
荒 でもあの辺はグロテスクには描いていないつもり。デザインとしてですよ。血にしても勢いを絵にしている感じです。
宅 デザイン、ですかあ。本当かなあ。でも仗助の「体を治す」ことが出来るスタンド能力というアイディア入れればあとはいいんだ（笑）。
荒 治せないと収拾つかなくなる（笑）。ストーリーの流れで殺しちゃって困ったりとか。でもここで殺らないとダメな場合があって。絶体絶命にしないといけない時が。
宅 つい殺しちゃったりして。ところで、昔、石川賢さんの『風魔小太郎』って忍者マンガなんて、生きたままノコギリで切ってたりしたんだよね。どこが忍法なんだ（笑）。そんな描写を『少年サンデー』でやってた。ちょっと山田風太郎入ってるの。
荒 オレは本宮ひろしが刀で手切ってるほうが怖かったですね。「これがワシの証じゃあ！」みたいな感じで、ドスンと（笑）。
宅 何が「証」なんだ（笑）。
荒 心外なんだけど自分はマイナー系って見られているところがあるみたいなんです。自分としては正統派を行ってると思うんですけどね。マンガの王道、というか。
宅 王道でありたいのはわかるし、認めるんです。荒木さんのキライなマニアックなファンに引っ張られないほうがいいのも実に正しい判断だと思う。
荒 ええ、そうですね。
宅 ただ、荒木さんの独特の描写、ボクはバイオパンク感って呼んでいるんだけども、テイストは狂ってるよ。吉良はいわゆる「王道」じゃないですよ（笑）。超能力であるスタンドってアイディア自体も、いま初めて読み出した人はわかんないと思いますよ。何でもう一人、背後霊みたいなのがいるのかわからないよ。
荒 長いマンガの欠点といえばそこでしょうね。一話完結ならいいけど。
宅 スタンドという凄いアイディアを思いつき過ぎたのかもしれない。スタンドっていくらでも展開可能な特殊ジャンルだもんね。
荒 ねえ、何なんだろあれ（笑）。よくわからない。偶然の産物だな、もう。
宅 自分自身で、スタンドみたいな固有のリクツって途中で解らなくならない？
荒 ああ、正直わからなくなるね。
宅 例えば、4部の由花子さんの髪って、どこまでがスタンドでどこまでが本当の髪なのか解らないし、最初の設定ではスタンドは普通の人には見えないハズなのに「これ見えてんじゃねーか」とか。
荒 （笑）そういうの出てきちゃうよな。
宅 スタンドの概念も途中で暴走というか変化してますからね。遠距離型や複数タイプが出てきたり。スタンドの「文法」を他の人に伝えようよすると大変ですよ。
荒 でも、本当はものって一言で言えないとちょっとダメだと思うんだよね。例えば「恐竜の映画！」とか「宇宙人が襲ってくる！」とかね（笑）。
荒木コミックの演出論
宅 でも、あのアイディアはビックリした。爆弾魔・吉良のバイツァダストはすごい。時間を爆発させて時を戻しちゃうなんて。でもSF心の無い人があそこだけ読んでもわかんないだろうな。『ビーバップ・ハイ・スクール』とかの読者には（笑）。
荒 いや、わかってくれると思いますよ。オレはビーバップ好きだし。橫山光輝の世界が好きな一方で、梶原一騎の『愛と誠』も好きなんだよ。不良な世界がいいんだよ。『愛と誠』の純愛関係は実は屈折してるし。そしてあの不良な感じが、SFの一方で好きなんですよ。人間の汚いところ、本宮マンガ系の任侠ものにも燃えるんですよ。好きで読み込むマンガは別にあるんですけど、「来週どうなるのかな？」って気になって、本屋に駆け足で走っちやうのは「汚い系」のマンガのためなんですよね。横山光輝はカッコよくて大好きなんですけど、「明日楽しみだ」というのは本宮ひろ志なんですよ。
宅 わかるなあ、その感じ。ボクも『ヤングマガジン』の『代紋TAKE2』とか好きですよ。
荒 SFだと横山先生の演出、サスペンスの作り方とかがいいんですけど。あと『鉄人28号』の影のイメージっていいんですよ。
宅 あの「♪夜の街にガオー」ね。
荒 そう、暗闇で目がピカっと光ったりするあの感じ。
宅 じゃあ、『8マン』は？
荒 8マンはデザイン的にカッコ良かったと思います。演出はやっばり横山光輝だと思いますね。トリッキーな感じとでもいうのかな。「スッ」と急に後ろに立つシーンとかでドキッとするんですよね。
宅 あるある！ ボクも8マンはデザインがシャープで好きだし。それから、『影丸』では一回炎の中に消えた男が戻ってくる物語性とかあるでしょ。ああいう兄貴分が戻ってくるというのは『スターウォーズ』だとハン・ソロでもそうだよね。アクション映画にもよくあるパターンだけど、ものすごいピンチになった時に死んだはずの兄貴分が帰ってきたり・・・・・・。
荒 まるで守護精霊の様に・・・・・・。
宅 ・・・・・・でもゃっぱり助けたあと死んじゃったりするんだけどね（笑）。
荒 アニメだと、タツノコプロがそういうの好きだよね。お父さんが実は生きていた・・・・・・とか。タッノコの絵はいいですよね。良くできてますよね。 宅 荒木さんのマンガ見ていると、そういう「兄貴のいる原風景」をよく見たりするんですよ。実の兄弟の設定でなくてもね、「兄貴分」が犠牲になることで「弟分」を成長させていったりね。荒木マンガの一つの特徴だとも思う。
荒 なるほど。そうだね。
宅 ところで、荒木さんは今、アニメって見ないでしょう。
荒 ほとんど見ない。オレはアニメはダメなんだよ。子供の頃は見てたけど・・・・・・ちょっと離れてると、入れなくなるよね。
宅 そうそう。入れないね、もう。中にはスゴいマニア向けってあるから・・・・・・。
荒 エヴァンゲリオンなんかも最初から見ないとわかんないよね。オレのファンも、あんまりアニメとか見ないみたいなんだよな。
宅 わかるよ。だって荒木さんの固有のタッチが好きなんだもん。だから、荒木さんの世界をアニメで表現しようと思ったら、予算とかを何も考えなかったら出来なくもないと思いますよ、おそらく・・・キチガイみたいな人が演出やればね・・・・・・。ボクとか（笑）。
荒 アニメ人気っていうと、他の作家さんのファンって、そのマンガ作品のファンなのね。例えれば、『るろうに剣心』のファンなのね、その作者のファンじゃなく。
宅 ええ、それが荒木ファンっていうのは、荒木さんの絵とか描写とかが好きだからさ。ほら、手や首がフッ飛ぶじゃない。たとえばそういうのが好きだし。
荒 そういう変態チックなのが好きなのか（笑）。
宅 いやいや、変態チックな描写ばかりではないけど（笑）。
ジョジョの未来
宅 第4部に描かれていたのは「潜んでいる恐怖」ですね。
荒 あれはスティーブン・キングの影響です。第3部では描けなかった部分だね。
宅 第3部は目的ハッキリしちゃってますからね。「敵＝ディオ・行き先＝エジプト・じゃあ＝行く！」って。でも笑ったのが承太郎一行のとったルートと猿岩石がとったルートが近かったよね、あれはおかしかった。
荒 そうそう、テレビで見ていたら「このルートどっかで見たことあるな」って（笑）。でも政治的な問題であのルートを使わざるを得ないんですよ。いくらスタンドでも政治が相手じゃ、かなわない（笑）。
宅 第3部ではアジアから中東までワールドワイドな展開だったのに、いきなり第4部の杜王町って、じつは荒木さんの故郷の仙台でしょ。
荒 急に範囲が狭くなっちゃったんだけど、平和な街に「潜む恐怖」は、自分の住んでいる範囲だから描けるものだよね。
宅 キングみたいなお化け屋敷ものはね。スローな閉塞感が重要だから。
荒 それで杜王町にも疾走感が必要になった時に吉良を登場させたんだよ。タイミングを計ってて。週刊連載だと一番強い奴を出しちゃうと読者はそれしか見なくなっちゃうから。それで、第3部のディオでもそうなんだけど、真っ黒な影だけで描いたりするわけね。悩みましたよ、連載の難しさに。
宅 荒木流の週刊誌演出論だね。でも、第4部はうまくひっぱったじゃないですか。途中に吉良のエピソードも入れて。
荒 そういうテクニックを駆使しているんです。流れが止まっているように言われるのはそのせい。あの頃は『こち亀』みたいのを目指していた部分もあるんですよ（笑）。
宅 日常と非日常のゴッタ煮ですか。確かに4部の初めはあまり人が死なないように描いてましたね、最後にはいい人になったり。
荒 友人になったりとかね。
宅 あれは王道ですよ。桃太郎とか八犬伝みたいな物語の作り方ですよね。最初は敵なんだけど、意気投合して仲間ができていくという。
荒 ああいう話は好きです。
宅 ところで、今の第5部イタリア（ギャング）編って、一年以上やってるのにまだ導入感が強いんですよ。全体像が見えてこないでしょ、5部って。先が読めないんですよ。
荒 読めない・・・・・・か、オレも読めないよ（笑）。まあ、正直まだ考えていないところもありますよ（笑）。ジョジョは3部で終わるはずだったから、本当は。でもテーマがあるから安心してよ。
宅 最初は、主人公がボスを最終的にやっつけるって決意するじゃないですか。ただ、今はボスにとっての裏切り者を処刑しながら話進んでるじゃない。
荒 そうですね。会社組織の中でもあると思うんです。こいつはいつか消さなきゃって思っていても、この計画のなかでは、今は嫌いな上司を支持しとくのが有利だから、嫌いな奴とも手を組んでおく、とか。
宅 政治的判断（笑）。集団意志というか。
荒 そうですね。5部でやりたいのは「正義とは何か！」って奴。たとえばヤクザの理屈ね。『ゴッドファーザー』みたいな。
宅 ゴットファーザーは、何が正義か解らないもんね。メソメソしてないし。
荒 メソメソじゃないよ！前向き。吉良も自分の論理に忠実に生きてる人間じゃないですか、前向きに。ウジウジされると嫌なんだよな、読者もそうだと思うよ。それと、とにかくキャラクターを一人一人描き込んで行こうかと。
宅 第5部で嬉しいのはジョルノの能力（モノに生命を宿らせる）。へビとかピラニアとか、生き物いっぱい出せるでしょ。究極生物カーズ（第2部）とか、『バオー来訪者』から続く生物兵器の感じがいいんです。でも、ジョルノがロケットパンチみたいに自分の右手をブッ飛ばして、ピラニアに変形させて敵の体内を食い荒らすシーンがあったじゃないですか。ズボッ、ギャーッといくアレ。突然読んだ人は何がなんだかわからないですよ（笑）。作者が頭狂ったかと思うよ（爆笑）。
荒 それは確かにそうだけど。『少年ジャンプ』ではテレて書いちゃいけないんですよ。そう、これは車田正美先生の教えです（笑）。たとえば、『少年サンデー』なんかだと、欄外に「な～んちゃって」とか書くんですよ。
宅 ああ、テレ隠しで。
荒 でも『ジャンプ』ではそういう「言い訳」しないわけですよ。
宅 なるほど。ジョジョはいつまで続くの？
荒 ジョジョの血統が思いつかないね。第4部の仗助は浮気させて作ったけどさ。だから第6部はクローンしかないと思うんですよ。
宅 でも未来は描けないって、前にも言ってたよね。
荒 リアリティをまず作らなきゃいけないから、それだけで頭が痛くなってくるね。そういう意味で未来のイメージがわかない。
宅 架空では22世紀とか描けないんだな。その辺、手塚治虫ってスゴイよね。頭の中に未来の都市計画図があるんだからね。
荒 細かい描写も必要になってきますしね。ディテールを追求するとブレードランナー的になっちゃったり。その世界作るのはいいんですけど、肝心のテーマやサスペンスがおろそかになったりするじゃないですか。だからシンプルな方がいいんですよね。兵隊がジャングルに入っていくとか。
宅 で、ジャングルで困ってる話とか（笑）。なら別に未来じゃなくてもいいじゃない。そういう未来劇って脚色された時代劇だったりするでしょ。『スターウォーズ』だって原形は黒澤明の『隠し砦の三悪人』だし。
荒 スタイルが新しいだけなんですかね。でも、思想を発展させる未来の書き方もありますよね。ハードSFに多いんですけど。例えばフイリップ・K・ディックとかジャンキーだけの世界になったらいいとか。
宅 ディックはね（笑）。荒木さん、ハードSFも読むんだ。
荒 苦手ですけどね。ただ不思議だったのはファンタジーにある客層がいるじゃないですか。意外な感じですね。マイナーでマニアックな人たちの世界かと思ってたのに多いんですよ、今。
宅 社会現象アニメ、エヴァ人気にも通じるでしょうね。
荒 ファンタジー読みます？オレも読んでみるんですけど全くダメですね。
宅 魔法がかってるもの、宗教っぽいものは読めない。崇高な世界ってわかんない。
荒木飛呂彦は映画が大好き
荒 高級じゃなく、トリッキーな感じというのかな、映画でも、そういうトリックものってバカにされてる面があると思うんですよ。技巧に走るってのが。でも面白さの普遍性ってそこにあると思うんだよね。
宅 それはわかるよ。たとえば暴論を言うと「黒澤明ってB級」じゃないですか。少なくとも、あれが芸術作品なのか、と。
荒 演出方法がなんというか、トリックですよね。人をだますというか手品的な演出で。「なーんだ」って言われちゃうんだけどもそれが普遍の条件と思うんですよ。横山光輝にはその魅力があるんですよ。
宅 『伊賀の影丸』で忍者と忍者が催眠術のかけ合いをした時とか好きだよ。ボクあれ読んでて自分が催眠術にかかって寝込んだもん（笑）。そういう感覚もあるのかなあ。 荒 そうですね、それ。でも読者のなかにはそれを解ってくれない人もいるんですよ。バカにしたりとか。でもそれがないと本質には行かないとおもうんだよね。
宅 『ジョジョ』で第3部ダービー兄弟のあたり読んでいて思ったのが、荒木さん『12人の怒れる男たち』とかも好きでしょ。
荒 シャーロック＝ホームズ的なのね。あとトリッキーっていうと『ルパン三世』。名作中の名作ですね、私のなかの。
宅 トリックものは高級感が無いと言われるんだけど、映画なら黒澤明は天皇って言われるでしょ。でもよく見るとB級だという。
荒 外国に認められたから、みんな黙ってるのでしょうけど。
宅 アカデミー賞か。でも実は『火曜サスペンス劇場』みたいなもんでしょ（笑）
荒 それはちょっとないよ（笑）。
宅 そうか、火曜サスペンスはいくらなんででもないか（笑）。でも黒澤黄金期のさ、三船敏郎と仲代達矢のやりとりなんて超B級だよね。『椿三十郎』の血がドバーッとか。
荒 うん。例えばカメラがぐーっと顔に寄っていってそのまま口の中から胃袋まで入ったりとか、バカにされると思いますけど、それがマンガでは重要だと思うんですよ。
宅 そういう意味だとさ、ジョジョでも、映画だとたとえば『シャイニング』とか『スピード』とかの感じを使ったりしてるでしょ。
荒 ちゃんと見てますね（笑）。
宅 ところで、映画俳優では誰が好きですか？
荒 クリント・イーストウッドが昔から好きですね。作家、監督としても。
宅 吹き替えはルパンの山田康雄でしたね。
荒 だけど、オレは『大脱走』が映画の中で一番好きだな。スティーブ・マックィーンのあのへこたれない性格がジョジョの主人公の元だね。「なんで俺が戦わなくちゃいけないんだ」とかメソメソしないし。
宅 そうかジョジョ役はマックウィーンだったのか！
「宅さんには好かれたくない」荒木
宅 でも『大脱走』ってじつは暗いですよね。3人くらいしか助からないし。あと、ブルース・リーとかは見なかったの？
荒 見ましたけど、いまいちキャラクターがわからなかったな。
宅 そうか。塔を上がっていくとどんどん敵が強くなっていくってのは、マンガの王道パターンだけどね。
荒 そうですね。
宅 でもボクはまた吉良みたいなキャラを出して欲しいよね。キチ・・・・・・。
荒 ガイ（笑）
宅 ボクもスティーブン・キングが好きなんですよ。高校時代のあだ名がシャイニングだったし（笑）。それとキューブリックの「2001年宇宙の旅」は宗教的領域まで描いた、とか言われているけど・・・・・・。
荒 （受けて）じつは良く解らない、というところありますよね。
宅 うん。『スターウォーズ』の方が全然面白いけどね。それからボク、スピルバーグはあまり好きじゃない。『未知との遭遇』、『ET』とか。ボクはファンタジーだめだから。
荒 宅さんはもっと刺激がなくちゃだめなんですね。
宅 ボクはもっとシャブ、ガンガン来てるみたいのがOKっす。別にボクはドラッグやらないけど（笑）。そういうアッパー系のが。ジョジョとか。
荒 なんか宅さんに好かれるの嫌かもしんない。オレ・・・・・・（笑）。
宅 荒木マンガは大好きだよッ!
荒 ほめられてる感じしないなー（笑）。
宅 でも、『ビッグコミック・スピリッツ』の『いいひと。』みたいのも好きだよ。こう見えて『一杯のかけそば』で泣くような男だから。『一杯のかけそば』で泣いて、『シャイニング』でへラへラ笑ってる男。最近は『いいひと。』がいいっす。
荒 裏読みとかしてるんじゃないの？
宅 いや。ああいうのは単純に裏読みしないで、ほのぼの「いいな」と思ってる。よし、ボクも人に親切にするぞ、とか（笑）。
荒 だけど、宅先生は「いいひと」が急にさ、次の瞬間に「恐い人」になったら・・・・・・とか思わない？
宅 思う。確かにあれって一種のホラーな感じですよね。『いいひと。』って実際あんなやつが街歩いていると思うとホラーみたい。
荒 あいつ、そのうち何かやるんじゃないか、って思うよね。
宅 テレビドラマではSMAPの草彅クンが主人公だけど、いいキャスティングだよね。恐いもんキムタクとかより草彅クン。
荒 ああいうタイプってキレたりするよね、学校にいたけど。
宅 ジョジョ実写化の際は、吉良の役を是非、草彅クンに。
荒 いいですねー（一同爆笑）。
One question and one answer from Araki-sensei, "Feelin' JOJO" final episode special!!
JOJO Q&A!!
"JoJo's Bizarre Adventures is headed in to it's 12th year! And as it's the last episode of "Feelin JOJO", we've had Araki-sensei himself appear!! He'll point blank answer some of the questions in JoJos!!
Q: Who's the strongest in the Passione?
A: Abbacchio. (If we're talking about fist fighting...)
Q1: Who is the first character you came up with in the allies of part 5?
A: It's Giorno! By the way, the characters I'm most fond of is Giorno if we're talking about allies, and Pesci if we're talking about villains.
Q2: What is that thing on Abbachio's head?
A: It's a hat that acts like a hairband. The thing on Bucciarati's head is a hairpin brooch, and Mista keeps a lot of things in his hat. Mista is the kind of guy that wants to keep both hands open at all times, so he adds things to it pretty often. It also seems that he feels like it's a pain for him to carry things around too.
Side comment: The thing on Abbachio's head wasn't an eggshell after all...
Q3: Who spends the most money on their clothes?
A: Mista. His sweater is cashmere, and his pants are zebra striped leather pants! (it's suspected that it breaks the Washington Convention)
Q4: Before they met Giorno, how did Bucciarati's gang earn their livelihood?
A: They received money for protecting restaurants, controlled ports, and what you would call gang work. They didn't affiliate with gambling and drug business. Of course they didn't go to school.
Q5: Do all of them have girlfriends? Also, who is the most popular and the least popular in the gang?
A: They don't have girlfriends. They are so popular it seems like they're always running away from girls. However, it seems like all of them think that "I'm the most popular"...
Q6: When looking at Fugo's pants, it looks like there's no way he could be wearing underwear but.... Does he not have underwear on?
A: It can be assumed that he's wearing the t-back like sexy things that are popular now a days.
Side comment: When you look around his waist it really does look like he's not wearing any underwear.
Q7: When they're interrogating Zucchero, what was up with Narancia, Mista and Fugo starting to dance to the music that Narancia put on?
A: They are dancing to gangster rap. As they are a gang...
Side comment: Even though we know what they are dancing to, why they started dancing is still a mystery...
JoJo's Bizarre Adventures celebrating 11 years of being published.
Q: Who is riding in Aerosmith?
A: It's Smith-san.
Side comment: Check the cockpit! The person riding in here is Smith-san!!
Q8: What does Jotaro intend to do with Giorno?
A: I haven't thought of it yet. It might be that he's just simply curious about him...?
Q9: Is Trish based off of the super model Trish Goff?
A: Good job! I'm surprised that you know this. As you thought, I'm a big fan of hers.
Stand part
Q10: Will Fugo die from the abilities of Purple Haze?
A: He would die.
Q11: What is the name of the stand that you put the key in the turtle to activate? Also, what is the name of the turtle?
A: The turtle has no name. The name of the stand is "T-Rex"... or at least I think that's what it'll be.
Q12: Can the Sex Pistols only be used with the gun that Mista has?
A: Any gun that has been fired by Mista is OK! Also, Mista is able to always hit his target with one shot, and so he doesn't need machine guns and such.
Q13: Wasn't it a rule that there's only one stand per person? There's a few that have appeared since part 4 that are a number of stands such as Harvest and Sex Pistols...
A: No, these are still just one ability, and so they're counted as one stand.
Misc. part
Q14: "JOJO" has a lot of animals(a turtle, frogs, snakes, mice, spiders and such) that appear, but how do you pick what living creatures will appear?
A: For the most part I choose animals that "Look like they're not very intelligent and seem like they're not thinking of anything."
Q15: Do they really air "Captain Tsubasa" in Italy?
A: They do! At the very least I was it being aired 2~3 years back in Italy!!
Side comment: Tsubasa playing in the turtle! Of course this isn't in Japan, it's in Italy.
Q16: If you could pick one stand to have Araki-sensei, what would you pick?
A: Hmmm, maybe Harvest because I want money... No, I want Heaven's Door instead! I'm not very good with research interviews...
Q17: What's the meaning of the "Romance horror! The crimson secret legend!"?
A: It was something the first editor added, and there's no deep meaning to it. I actually feel like we can remove it after all this time...
「インタビュー＆グラフ 荒木飛呂彦」
僕は自分の作品を通じて、生命のすばらしさ、尊さを表現していきたい。今までも、これからも。
子供の頃からマンガは好きでした。マニアじゃないけれどね。 時代は手塚治虫先生の全盛で、もちろん手塚先生の作品も読んだけど、どちらかといえば、劇画が好きでしたね。劇画時代の始まりの頃でしたしね。特に梶原一騎先生の作品。白土三平先生の作品もよく読みました。
学校に行っていた頃といえば、ロックもよく聴きました。僕の一番のお気に入りはレッド・ツェッペリンですが、さまざまなバンドを聴いてましたよ。子供の頃はお金がないから、友達同士でアルバムの貸し借りをやって、テープにとっておくんです。僕のマンガに出てくるスタンドの名前は、昔好きだったグループの名前やアルバム名から取ったりしています。例えばローリングストーンズのアルバムでスティッキーフィンガーズというのがある。ジャケットがジーンズになっていて、中央にジッパーが付いているわけ。当時話題になったジャケットなんですが、そのジャケットを見ていて、いろんなところにジッパーを付けて開け閉めすることができたらおもしろいのにな、なんて思ったんです。そんな発想から生まれたのが『スティッキィ・フィンガーズ』というスタンドです。
'70年代、というのは今考えると凄い時代だった。時代そのものにもインパクトがあったし、活躍したアーティストの個性も光っていたと思います。マンガでいうところの「キャラクターが立っている」という感じ。これはミュージック・シーンに限らず、映像などにも感じますね。
マンガ家になろうと本気で作品に取り組み始めたのは高校になってから。初めて出版社に持ち込んだ原稿は「カウボーイもの」だったんですよ。だって、カウボーイマンガなんてマンガ本に載ってなかったから、目立つかなって（笑）。だけどね、編集の方からやっぱりいろいろ注意されましたよ。「枠線からはみ出した線はしっかり消さなきゃダメだよ」といった基本的なことから始まって、内容的なこともさんざん突っ込まれる。そこで降りちゃう人もいるようですが、僕は「次はがんばろう」って感じで。だからその次の持ち込みの時はもう、自分で考えられる限りカンペキにして持っていきましたね。質問や突っ込みに対する答えも含めて。それでももちろん言われることはたくさんあるわけですが、こっちが注意されたことを直そうとしていることは伝わって「ああ、この子は本気なんだな」と認められたんじゃないかな。
デビューまでが短かったせいもあって、僕にはアシスタントの経験がないんです。だから、アシスタントをやってれば誰でもすぐわかるようなことを知らなかったの。例えば黒いバックに星を描くなんていう時に、星の形に残してベタ塗ってたりとかね（笑）。他のマンガ家さんから教えてもらって「なんだ、そうか」と。
『ジョジョ・・・』の最初の単行本が出る時、週刊少年ジャンプの先輩、秋本治先生は『こちら葛飾区亀有公園前派出所』をすでに51巻も出しておられたんです。凄いですよね。そう思っていたら、『ジョジョの奇妙な冒険』ももう55巻を数えるまでになりました。とても秋本先生のようにギネスに挑戦、とはいかないと思うけど、感慨深いものがあります。
『ジョジョ・・・』に出てくるスタンドは、守護霊からヒントを得たものなんです。守護霊というのは人間を守ってくれるものでしょう。それがもう少しアクティブになって、守っている人間を襲ってくる者があったら、えいっと拳を出して攻撃してくれたらいいのにな…っていうところから生まれました。さまざまなスタンドを描いているうちに、もう強くなり過ぎちゃってカンペキなスタンド、みたいなのができちゃうことがある。「ああ、これじゃあ倒せないよ、困ったな」なんて（笑）。でも結局何かがどうかなって倒せるんですけど、それを理論的に説明するナレーションをコマの中に入れるんです。少々強引でも納得できちゃうような、ね。とても不可能なことを科学的に検証する、という本がありますけど、ああいうのが好きなんです。
僕自身が気に入っているスタンドは、第4部に出てきたクレージー・ダイヤモンドですね。破壊されたものを何でも直しちゃうの。そういうのがついててくれたら便利（笑）。
現在、連載は1本。マンガは週4日描いて、ネームに1日かけています。徹夜はできませんね。仕事は5日に収めるようにしています。 マンガ家というのは家ですわって仕事をしているから、楽に見えるかもしれませんが、実は非常に重労働。バトルシーンなんか描いている時って肩にもの凄い力が入ってます。若い時じゃなきゃできない仕事なのかな。他のジャンル、例えば青年誌なんかに描いてみないの？ なんていう声もあるんですが、僕にとって『ジョジョ・・・』は全身全霊で描いている作品。今、他のマンガを描いても、みんな『ジョジョ・・・』になっちゃいますよ、きっと。
オフの日は映画を観たり音楽を聴いたり、できるだけ自分の勉強に当てています。毎日進歩していかなければ、いくら人気のある作品でも2～3年で飽きられてしまう時代。常に前に進んでいくことを自分に課しているんです。
映画は趣味であると同時に、貴重な研究材料でもあるんです。僕はミステリーが好きなんですが、ミステリー映画というのには造り方のセオリーがあって、よくできた作品は、すべて緻密な計算の上に造られているものです。カメラの視点の位置、カメラワーク、場面構成など、作品を描いていく上で、何よりも参考になるんです。『ジョジョ・・・』の中に、ツメのアップのシーンを描いています。指の先から何かが出てくるといった場面の説明で、指先のアップを描くというのは、ミステリー映画にあった手法。映画のカメラワークを参考にして構図を決めることがよくあります。
でも最近は映画も作品が小粒になってきた印象を受けますね。びっくりするような作品が観たいなあ。
このところ、イタリアにはまっています。ルネッサンス美術には感性を刺激されますね。食べものもおいしいし。『ジョジョ・・・』も現在イタリアを舞台にドラマが進行中です。激しいバトルを通じて生命の尊さをテーマに作品を描いていきたい。それはずっと変わりません。
1日1日、進歩したい。変わり続けていきたい。
歴史ある国が好き。だからアメリカよりもヨーロッパに魅かれます。
バトルシーンを描くのにはとてもパワーが必要なんです。ペンを持つ手にぐぐっと力が入っています。
今の僕は全身全霊で『ジョジョの奇妙な冒険』を描いているんです。だからもしも他の作品を描こうとしても、みんな『ジョジョ・・・』になってしまうんじゃないかな。気に入っているスタンドはクレイジー・ダイヤモンド。壊したものを直してくれたら便利だから。
マンガを描くのは1日10時間。人物と書き文字は自分の手で。
これからも少年ジャンプで描いていきたい。ジャンプは僕のふるさとだから・・・。
一番好きな映画は『大脱走』、一番好きな俳優は、クリント・イーストウッド。 [6]
「日常」そして「運命」、その次は？
――今回の号の裏テーマが『2010』なんですよ。
荒木 西暦2010年て事ですか。
――そうなんです。「1999年でバカ騒ぎするな、一歩先の未来について考えろ！」と。
荒木 なるほど。
――それに無理矢理合わせて大好きな『ジョジョ』について考えたとき、「未来社会の『ジョジョ』は果たしてどうなるのかな」と思ったんです。
荒木 あのね、わしは「日常」っていうのを大切にしてるんですよ。生活の中でこう、コーヒー飲んだりとか、みんなに分かることってあるじゃないですか。 今、第五部ではイタリアを舞台にしてますけど、やっぱりイタリアって外国だから、日本人には馴染みが無いんだけども、 でも、ジョルノ達も御飯は日本と同じようなスパゲッティを食べてるとか、そういう読者の日常との接点を、マンガに取り入れてるんですよ。 全部作ったような世界は難しいんです。 日本人が食べたことが無いものを食べてる世界とか、日本人が使ったことが無いような機械を使ってる ○○星の人とかっていう、スターウォーズみたいなのはね、ちょっと『ジョジョ』では難しいんじゃないかな・・・といつも思ってるんですよ。
――へぇー。
荒木 九十三年の段階でマンガでは九十九年の世界が舞台だとか、そういう事もやってたんですけど、 未来で核戦争が起こったりだとか、そういうのを想像するのってあるじゃないですか。 だけど『ジョジョ』ではあんまりそういうのは想像しないんです。九十三年の日常を引きずりながら・・・
――やっぱり九十九年もそんな変わってないみたいな。
荒木 そう。殺人もやってるけど、「ちょっと殺人鬼は進化してるかなあ」みたいな、 そういう微妙なとこなんですよね。
――なるほど。やっぱり『奇妙な冒険』だから、設定からして奇妙だと、出来事が奇妙になんないですよね（笑）。
荒木 うん、そうですね。まさしくそうなんです。 でもマンガだから、「ちょっと未来が欲しいな」みたいなね。
――「日常」があるからこそ「奇妙」が際立ってくる。第四部の杜王町は、その典型ですね。
荒木 でも、読者は一方で話の盛り上がりも欲しいわけですよ。毎日同じように延々と続く『サザエさん』の世界みたいなのは、『ジョジョ』には求めてないので、「この辺で最終決闘にいかなきゃいけないのかな」っていう。四部の外伝はいっぱいあると思いますよ。
――あの日常は住んでたらちょっとヤですね。
荒木 住んでたらヤだよね（笑）。でも、あの当時は異常だったよね。 実際オウムとか起こっちゃったし。昔からね、新興住宅地は結構変なヤツがいるっていうのはあったんですよ。 「一見幸せそうできれいだけど・・・」みたいな。
――九十九年七月はどう思われます？
荒木 杜王町はたぶん普通に過ぎていくと思いますよ。
――荒木先生的に何か対策はありますか？
荒木 「ディープインパクト」ってあるじゃないですか。わし、ああいうのがいいと思うんですよ。 隕石が落ちてきて、地球の半分ぐらい死ぬじゃないですか。 全員滅亡するのはイヤだけれども、半分ぐらい壊滅して欲しいなあ、と（笑）。 別に地球を完璧には救ってないけれども、なんかスカっとするんですよ、そういうのはなんか必要なんじゃないですかねえ。
――で、今は第五部を描かれてるわけですが・・・
荒木 そうだね、第五部は「やっぱり人間って運命にしばられてるのかな」っていうのがあるんです。 マンガを描いてると分かってくるんですよ。 例えば主人公を設定するじゃないですか、で、その主人公が新宿に来たとすると、その後どうするのか、一見無限の可能性があるように思いがちですよね。 でも主人公に動機づけとか性格とかがあるとね、もう決まってくるんですよ。 例えば東京駅に敵がいたりとか、愛する人がいたら、もうその主人公は東京駅に行くしかない。 わしが考えるまでもなく、そういう風に動いてしまう。 そうすると「あ、運命ってあるんだな」って、創作してると分かるんです。
――それ逆説的ですね、なんか。
荒木 でも、「運命はやっぱり主人公が切り開いていくものなんだな」っていう。 死ぬかもしれないけど、切り開いていく。・・・キャラクター作って、過去とか細かいとこ決めていくと、やっぱり生まれた時が問題なんですよ。 生まれた時を決定すると、性格とか、後のことも自然に決まってくるんですよ。 わしはそんなの考えてないのに、「こうなるしかない」みたいな。 そうやって考えていくと、「運命とかあるのかなあ」って。
――「運命の五部」はどこに行き着くんですか。
荒木 もうすぐ終わるんですけど。ま、それは読んで頂ければいいと（笑）
――おぉー！ってことは六部の構想がもうあるわけですね。
荒木 まあ、朧気にですけどね。
――六部は未来にはしないわけですか。
荒木 いや、未来にいくんじゃないかな、微妙な未来に。
――ジョースターの血統は？
荒木 血統はどうなんだろう、まだそれは考えてないんですけどね。
――いや先生、そこ考えないと（笑）。
荒木 そっかあ。やっぱ重要ですかね。
――メチャ重要ですよ（笑）。 [7]
奇抜な発想と、奇妙な世界観で構成された大河ストーリーもテンションを落とすことなくついに第5部終結！ 次なる展開は？
12年前、連載が始まった『ジョジョの奇妙な冒険』。タッチ／ポーズ、セリフ／効果音、そして世界観は当時、飛びぬけて異彩を放っていた。唐突であり、尋常じゃないもの。異端と呼んでは失礼だろうか。以来、ずっと気になっていた。そんなちょっとヒネた期待を荒木飛呂彦は絶対に裏切ることなく、単行本は現在62巻にまでわたっている。第5部ギャング編がついにエピローグを迎えたが、次の構想は？ 休載期間を前に、今もっとも気になるマンガ家に話をうかがった。
「いやあ、なんか読者の興奮が止まるんじゃないか、と思うと、不安になっちゃうんですよ。勇気がいるんですよね、最後の敵と対決するヤマ場に挑む踏ん切りをつける勇気が。だから、どうしても毎週シツコイくらいにサスペンス的な駆け引きを織り込んでしまう」 連載13年目に突入した『週刊少年ジャンプ』の名物マンガ『ジョジョの奇妙な冒険』の作者、荒木飛呂彦さんは、こう言って頭をかいた。 『ジョジョ～』といえば、19世紀後半のイギリスを舞台に、呪われた石仮面をめぐって二人の若者の因縁が深まり、果てしのない戦いが100年以上にもわたって展開していく壮大なストーリー。その唯一無二の世界観とタッチ、超絶ポップな描き文字やセリフの数々、そして冒頭で荒木さんが述べていた、執拗なまでのサスペンスの導入で、12年以上にわたって読者を魅了し続けてきた。 いったいどのような精神構造、体力、パーソナリティの人物が、この作品を構築しているのだろうか。 インタビューの場所であるホテルの一室に現れた荒木さんは、12年前の著者近影と少しも変わらぬ雰囲気の、イタズラっぽい笑顔を絶やさない、少年のような人物だった。
絶対にズレないテーマ性が壮大な物語を決定した
「『ジョジョ～』という作品は、描く前からテーマは決めてあったんですよ。『人間は絶対に素晴らしいものだ』というものなんですけどね。これを疑ってはいけない、人間の存在を否定するようなマンガには絶対しない、と、自分に言い聞かせて始めました。そうなってくると人間なんだから、結婚して子供を生んで、ということも含めて素晴らしいということになる。だから舞台を古い時代に設定した時点で、これは現代までいくな、と。もちろん読者に嫌われなければの話ですけど」
壮大な物語のプロットは現代が舞台の第3部までは決めてあったという。だが、それ以降の未来を描くのは予定外だったそうだ。
「あまり未来には行きたくないんですよ、『火の鳥』のように。リアリティがないとちょっと・・・・・・。みんなが知らない食べ物を食べていたり、知らない機械を使っていたり、というような世界は、私には描けないと思いますから。だからリアリティのある世界・・・・・・というのが基本なんです」
しかしながら、92年から3年以上にわたって展開された第4部の舞台が、じつは今年（99年）なのである。
「あれは苦しかったんです。4部からは、ほんと何も決めてなくて。でも、描きたいこともまだまだあって、続けたい・・・・・・。だから遠い未来ではなくて、ちょっとだけ未来にならいいかな、と。でも、あの頃は、まだ先だと思っていたけど、あっと言う間に99年になってしまって（笑）」
荒木さんの描きたかったものというのは、なんだったんだろうか。
「そりゃあもう、サスペンスですよ！」
何を描いても、ジョジョになる ジョジョになる
荒木飛呂彦の作品の魅力のひとつに、その世界観がある。度肝を抜くようなセンスのファッションや髪形に身を包んだキャラクターたちがクネクネと不思議なポーズをとりながら、ブッとんだ会話をかわす様は、トランスしてしまうかのような、奇妙な感覚に読者を引きずり込む力がある。
「たしかに、意味ないよなあ。ブレイクダンスがはやれば、それをとり入れたり（笑）」
あの独特なタッチというのは、マンガを描き始めた頃からすでに確立されていたのだろうか。
「そうでもないですよ。高校時代から描き始めたんですが、初期は白土三平さんみたいな絵柄でしたね。それから、だんだんといろいろ取り入れ始めて。たとえば美術館なんか行ったりして、感動したら、そこで観た絵画や彫刻のポーズを取り入れたりとか」
マンガ家としては非常に特異な絵の勉強の仕方である。
「やっぱり普通は他のマンガの絵からの影響が強いもんですかね。私の場合はとくに彫刻から影響されることが多いんですよ。彫刻って、変なポーズとったりするじゃないですか、なんか不自然な（笑）。それでもなぜか生命力に満ち溢れていて、いいんですよねえ、あれが」
しかし、変なポーズを決めたり奇抜なファッションに身を包んだりしているキャラクターたちが暴れている舞台自体は、先ほども明言していたがリアリティのある街並。それは日本だろうがイタリアだろうが変わらない。びっしりと描き込まれた存在感のある風景が雄弁に物語っている。
「やっぱり取材旅行に行ったり、調べ物して裏づけをしないと。それとね、海外に行ったりするのは、もちろん取材のためでもあるんですけど、アイデアがわくんですよ。たとえば、エジプトに取材に行ったときに、もう、この国の人たちは全員が悪人なんじゃないだろかって思うくらいの目にあいまして（笑）。それで主人公をここへ放り込んだら面白いんじゃないかな、とか。こういうのって行かなきゃわからないでしょ。行く前は私もエジプトって単純に素晴らしい国なんだろうな、って思ってましたから。違う意味で、素晴らしいと今は思いますけど」
こうして、さまざまな取材や壮大なテーマ、サスペンスの織り込みによって、『ジョジョ～』のテンションは今なお落ちることなく連載が続いている。しかしながら『ジョジョ～』の連載開始は86年の暮れ。60年生まれの荒木飛呂彦はそのとき26歳。つまり、その後の12年、マンガ家としてもっとも脂の乗り切った時期をすべて『ジョジョ～』に費やしたことになるのだ。これは少しもったいないような気もする。荒木ファンとしては、現在の筆力で『バオー来訪者』の続編や、まったくべつのジャンルの作品も読んでみたいのだが・・・・・・。
「もうね、『ジョジョ～』しかないんですよ私には。なにしろ人間がテーマだから、人間がいる限り続きますよ（笑）。たしかに他の作品も読みたいという方もいるでしょうけど、すべてをこれにぶつけてるから、結局、タイトルを変えただけで同じなんですよね。今さら恋愛マンガとか描けないし、いろいろ手を出したらダメになるだけでしょ。だったらもうね、開き直るというか、覚悟を決めて『ジョジョ～』と心中ですね」 [8]
11月某日（晴れ）
カプコン東京支店で「ジョジョの奇妙な冒険」の原作者、〈荒木飛呂彦先生〉（以後「荒木先生」）とカプコン最新格闘ゲーム「ジョジョの奇妙な冒険」制作スタッフとの熱い対談が繰り広げられた。
今回はなんと完成間近のアーケードゲーム「ジョジョの奇妙な冒険」を荒木先生に遊んでもらい、大いに語ろうという企画だ。 対談会用の会議室にゲームを用意して待つこと1時間。
このゲームを気に入ってくれるだろうか？」「はたして、楽しんでもらえるだろうか？」などの様々な不安な気持ちが小心者の企画マンの心を何度となく駆けめぐる。（ちょっと大げさ？）
ゲームの完成を間近に控え、もう2日も寝ていない。家には6日も帰っていない。全てはこの日のためといっても過言ではないのだ。この日の…（かなり大げさ？） 世界で一番にこのゲームを気に入って欲しい人に遊んでもらうために…。そして…！
企画マンO 著書、「忘れられぬジョジョ日記」より抜粋］
さっそうと一同の待つ会議室に現れる荒木先生。さわやかな感じでかっこいい。
荒木先生： 「どうも！はじめまして荒木飛呂彦です。」
スタッフ一同： （かなり緊張して）「はじめまして…。」
……各自、軽い自己紹介が交わされる。
企画マンO： 「では早速ゲームを見ていただけますか？」
荒木先生： 「いやぁ、僕あまり格闘ゲームは得意じゃないんですよ。」「うまくできるかなぁー。」
……全員、真剣な眼差しで荒木先生のプレイを見守るッ！
スタッフ一同： （ドキドキ…）
荒木先生： 「オラオラッ！おぉ、すごい気持ちいいですねぇ！」「わぁぁぁ、やられるよ～！」
キャラマンH： 「だいじょうぶかな…？」
スタッフ一同： （ドキドキドキドキドキドキ…）
……とりあえず1プレイが終わる。
荒木先生： 「いやぁ、スゴイ楽しいですよッ！これは！」「次はアレッシー使っていいですか？」
……すかさずポルナレフを子供にする。
荒木先生： 「あはははっ！面白いッ、すごいなぁ原作通りだぁ！」「わぁ！To Be Continuedまで出てる！すごい凝ってますね！！」
企画マンO： 「ど、どうでしょうか？」
荒木先生： 「楽しいですよ、本当に！感動しますよコレは！！」「とにかく気持ちいいし、アレッシーなんか、すっごく面白い。」「このキャラも使ってみよう！」
スタッフ一同： （ホッ）
荒木先生： 「殴った感触が伝わってくるんですよね。」「やっぱりこのゲームは、承太郎のしかも〈オラオラ〉が一番重要だと思うんです。」「そしてそれがムチャクチャ気持ちいい。」
企画マンO： 「（う、うれしい～！）一番気をつけたところですし、かなり時間をかけたところですね。」
荒木先生：「格闘ゲームって言うことはやっぱり［ドカドカ殴ってスカッ！］っていうのが、一番大事なんだと思うんですよ。それがホントに良くできていますね。」「音もすごくいいです。」
企画マンO： 「担当者に伝えておきます、喜ぶだろうなー。」
荒木先生： 「あと遊んでいてすごく感じるのは［あぁ、このゲームを作った人たちは、本当にジョジョを愛してくれているな。］［本当に楽しんでこのゲームを作られたんだなぁ。］ということですね。」
企画マンO： 「やっぱり楽しんで作られたゲームかどうかというのは、ゲーム自体に出てしまいますね。」
荒木先生： 「ジョジョらしさがゲーム中の色々なところに込められてるのが、とてもうれしいです。」 G・プロデューサー：「そこは彼らが一番こだわったところなんですよ。」「もう制作者としてもジョジョファンとして、妥協はなかったですね。」
荒木先生： 「キャラクターにイギーがいるだけでもうれしいですね。思わず使いたくなっちゃう。」
G・プロデューサー： 「僕も企画書を見て［イギーも使えます！］って書いてあって単純に嬉しかった。」「よし、作れって！」（笑）
荒木先生： 「可愛いし良く出来ていますね。やっぱり弱いんですか？」
企画マンO： 「いやー、馬鹿にできないんですよこれが！」「イギーはギャップが楽しいキャラクターにしました。」「本体のときとスタンドのときと。」「いつもはか弱い小犬がスタンドを出すと…」
キャラマンF： 「恐ろしく強くなる！」
企画マンO： 「その変貌ぶりが面白いキャラクターにしました。」「もちろん本体でも闘えるように作ってますよ。」
G・プロデューサー： 「敵の攻撃当たらないしね、小さいから。」
荒木先生： 「なるほどなぁ！考えられてますね。」「やっぱりそういうギャップというものが非常に大事なんですよね、ゲームだけに限らないと思いますし。」「意外性がないと面白くないですよね。」
キャラマンH： 「あと、苦労したのは敵キャラたちの攻撃方法のアイデアですね。」
キャラマンF： 「そうそう、原作で1～2回しか出てこない奴なんかネタがないんですよ。」「ポルナレフやアブドゥルは、ネタに不自由しませんでしたが。」
荒木先生： 「なるほどそうかぁー。」
企画マンO： 「［コイツはこんな攻撃したらおかしいよね。］とかしょっちゅうミーティングして。」「［でもゲームとして必要だ！］［じゃあ、こうしよう！］みたいに。」
荒木先生： 「敵キャラはデーボとかも、スゴク個性が出ていてキャラクター選びとしても絶妙ですね。」「やっぱりゲームにはこういう陰険な奴も必要ですね！」
キャラマンF： 「やっぱりキャラクター選びは悩みましたね。」「原作が大好きなだけにあのキャラクターも出したい、このキャラクターも出したいってなっちゃう。」
キャラマンH： 「そうそう、気がついたら第3部のキャラ全員出そーみたいになっちゃって。」
企画マンO： 「そりゃ無理だぁー。」
荒木先生： 「でも、このセレクトはかなり絶妙ですよ。」「承太郎たちはお約束として、敵側が。」「うまく色々なタイプがそろっていますね。」
キャラマンH： 「先生に書き下ろしていただいた、ミドラーも紅一点としていますしね。」
荒木先生： 「そう、ミドラーがね、迷ったんですよ。」「［こんな風に］みたいな指定が特になかったんで、僕の方でいろいろ考えてデザインしました。」
企画マンO： 「どんな風にですか？」
荒木先生： 「やっぱりゲームのキャラクターなんで［選びたい！］、［どんな奴だろう？］と遊ぶ人に思わせるキャラクターにしないと…と。」
スタッフ一同： 「おおぉ！」
企画マンO： 「スゴイ！、いやぁそれは僕らも新しいキャラクターを作る上で、いつも一番神経を使うところなんですよ。」
キャラマンH： 「僕らとしては原作には顔が出ていなかったんで、みんなで［どんな顔なんだろう？］みたいな好奇心が強かったですね、そこは単純にファンとして。」
キャラマンF： 「イラストが届いてみんな［あぁ、こういう女の子だったんだ］って。」
荒木先生： 「じつは、ミドラーは原作では最初から顔は出すつもりはなくて…」
スタッフ一同： 「わぁ、やっぱり！！」（爆笑）
キャラマンH： 「やっぱり各キャラ毎に細かい設定は有るんですか？」「同じ敵側のキャラでもディオにたいして［忠誠心で行動する］［金で雇われている］などの。」
荒木先生： 「あります。ディオに惚れていたとかね。」
キャラマンF： 「やっぱりそうですか。」
荒木先生： 「でも漫画中ではあえて［そういう部分を］描かないこともあります。」「無理に入れるとかえって判りにくくなってしまうんですね。」
キャラマンH： 「今からでも［ゲームに］こんな風なアイデアも入れては？みたいな要望はありませんか？」
荒木先生： 「いえいえ、ここまで作り上げられているだけで、もう大満足ですよ！」「ましてやこれ以上要望なんて…」（笑）
キャラマンH： 「これから実は△△の計画があるんで、アイデアや要望を頂ければもうガンガン入れますよ！」
荒木先生： 「そうなんですか！すごいなぁ、いやぁ～どうしよう。」（笑）
キャラマンF： 「もう△△なんて全○○○ですから！」
荒木先生： 「へぇー、すごく楽しみですね！」
キャラマンH： 「ところで！コミックの［ジョジョ］の今後の展開なんですけど、ホントの所どうなるんですか？」
imageスタッフ一同： 「オイオイ！！」
荒木先生： 「えーっとですね……」
キャラマンH： 「やっぱり○○が××で△△ったりするんですか？」
荒木先生： 「あっ、それ考えました！」（笑）
キャラマンH： 「××が△△の□□という風になるのでは？？」
荒木先生： 「イヤイヤ！」（笑）
スタッフ一同： 「だめだ、もう完全に単なるジョジョファンになっちゃってるよ。」
キャラマンH： 「それとも□□の◇◇が……」
……こうして〈荒木比呂彦先生withファンの集い〉は永遠と続いていったのだった……。 [9]
Q - What was the reason for creating new episodes of the JoJo Series?
KN - We picked up the story from the latter half of the 3rd Generation, and there were comments that the story was difficult to follow without the former half of the story. This led us to create the first half of The 3rd Generation. After it's completed I would like to go back and animated the 1st Generation followed by The 2nd Generation.
Q - What's the difference between the original story and the animated version?
KN - In the original story, The Stands are apicated within a single frame, but in the animated version, The Stands play a large role because of their movement, complete with the sound effects.
Q - Is there anything specific that is added to the original story by having APPP do the animation?
KN - For one thing, there are no females in JoJo's Bizarre Adventure. But in the upcoming series, we decided to include one attractive female character. Also, when we created the 6 original episodes, the conclusion was that The 3rd Generation was not complete just from those 6 episodes. So we submitted a proposal for the upcoming 7 episode to complete the story, and Araki-san asked us to go ahead and animate the rest of the story.
Q - What is an ideal project for you?
KN - To work on something that will sell worldwide. Another is to gather together the very best of the Japanese animation techniques and create a superb piece of animation.
Q - In what ways have Japanese animation changed?
KN - It started with black and white TV animation, then color TV series, followed by OVA and theatricals and recently, computer graphics is now included in this list, and we are now facing a transition period, or the beginning of the CG age. There are some animation that are progressive, but even still, they haven't been able to fully incorporate computer graphics. So, the question is to what extent they can fully incorporate CG into animation.
Q - How did you get into the animation field?
NF - About 20 years ago, I went to a graphic design school. When I graduated from there and was wondering what to do at the time, I met this project's producer, Nomura-sen, for the first time, and it was his introduction that got me into this field. Q - What sort of work have you done?
NF - The first key animation I worked on was on the first theatrical of Lupin III. Last year, I worked on Initial D, a TV Series for Japan.
Q - How did you get involved in JoJo's Bizarre Adventure?
NF - Nomura-san, whom I mentioned previously, asked me whether I wanted to work on it. I was given the original story and I found it interesting, and decided to get involved.
Q - How much do you refer to the original story?
NF - Of course the storyline and characters all come from the manga. We're trying to pick up the most interesting parts.
Q - What do you think is the most difficult aspect of JoJo?
NF - The most difficult thing about this project is that the original story is based on a long story, and so we have to shorten it and pick out the most interesting portions.
Q - Who have you been influenced by?
NF - The biggest influence I receive is from the staff that I work with on every project
Q - How did you get involved in the animation industry?
JH - Simply because that was the only thing I could do.
Q - How long have you been in the industry?
JH - It's the 16th year now.
Q - You're now an art director. Could you give us some background into how you got to where you are now?
JH - I became an art director fairly quickly. I first became an art director two years into this field. It comes down to luck mainly but the project I was working on at the time was the TV series, Fist of the North Star. I did some work on the theatrical version of Fist of the North Star, and Masami Suda-san, and excellent and famous Japanese animator acknowledged my skills, and because of that, when I went back to start working on the TV series, they offered me the position of art director. And I've been working as an art director ever since.
Q - What are some titles that you've worked on?
JH - The first TV series would be Fist of the North Star. I also worked on Himitsu no Akko-chan. In terms of video I've worked on other titles, but perhaps the most representative would be JoJo.
Q - How did you get involved with JoJo's Bizarre Adventure?
JH - The director of the previous episodes, Hiroyuki Kitakubo-san, asked me to come on board.
Q - To what extent are you conscious of the previous episodes?
JH - Well, I want to make something that won't lose to the old episodes.
Q - How much do you reference the original story? (manga)
JH - We use the manga to a great extent. I'm personally a fan of JoJo, so I'm hoping to create something that won't go against the expectations of the fans of the manga. I personally like this project a lot and I'm giving it my best shot.
Q - You attended Anime Expo '98. What were your impressions?
JH - This was the first time I came into direct contact with American fans, but they struck me as being very enthusiastic and very mannerly. I felt that there were a lot of fans who made one feel good.
Q - Who were your influences?
JH - The person who influenced me the most is Masami Suda-san, as I mentioned previously.
Q - Japanese animation is being accepted and recognized all over the world. What are your views on that?
JH - In whatever age we're in, trends that are popular change and become accepted. I would like to work on projects that remain whatever the age, rather than what's popular at the time.
Q - How long has it been since you entered the animation industry?
HO - About 25 years.
Q - What sort of work have you done?
HO - A lot of it was film-related stuff, and some producing. For film, most of it was theatrical and TV series, and in the production end, it was mainly direct-to-video.
Q - I know you own a filming studio too, but what led you to create a studio for computer ink and paint?
HO - The biggest reason was based on the original 6 episodes of JoJo's Bizarre Adventure. Although we tried to be as creative as possible, there was a large amount that couldn't be done on film. The director was influenced by movies and US animation, and came to request effects that couldn't be delivered on film. So we felt the limitations imposed by film. Leaving quality aside, there's a lot more that can be done on computer in the descriptive end.
[Transcribed by Fr0stiFusionZ (JoJo's Bizarre Encyclopedia)]
Hirohiko Araki Goes to America! ~ A little trip to America by Hirohiko Araki ~
A vast swampy area! Can you imagine the end of the story (Stone Ocean)?
A 30-minute drive from Miami, a metropolis with a population of 3 million, and you're in a swampy area 35,000 square kilometers in size!
The beginning of Araki's new story takes place in Florida, a year-round warm peninsula with a large Latino population that is not only the most cheerful place in the country, but also one of the most beautiful. Not only is it one of the most cheerful places in the U.S., but it is also one of the most transformed areas in the U.S., having been cultivated from scratch by humans from what was once a swampy area. Miami, now a metropolis with a population of more than 3 million, was once a desolate place where only river grasses grew in the midst of water, alligators, many birds, and many more small animals lived. And even now, within a half hour drive from the coastal cities of Miami and Palm Beach, there are still wetlands as far as the eye can see, an overwhelming kingdom of wildness! It's a place where it's impossible for humans to casually set foot. The only place where ordinary people without any special training or equipment can go is Everglades National Park, which stretches over 6,570 square kilometers in the southwest part of the peninsula. Here, even in the swampy areas, paths are maintained and observation points are set up in various places so that people can experience a part of Florida's nature. However, an alligator walks in front of us like a loose cat. Or there is an alligator around the corner. That's what this place is. Some of them even attack humans, so you can't be too careful. What I have shown you this time is only a small part of Florida. Araki-sensei is enthusiastically taking pictures and doing research, but first of all, what will happen to this story that started in a "detention center"? Can you read it from these photos?
Is it good in America?
The hot dogs I ate in the real place were awesome! I was actually worried about the daily diet for Mr. Araki, who loves Italy, but he was so happy to eat hot dogs every day!
荒木飛呂彦 Goes to America! ～荒木飛呂彦のちょっとだけアメリカ取材紀行～
広大なる湿地帯!!キミは『物語（ストーンオーシャン）』の行く末を想像できるか？
人口300万の大都市マイアミから車で30分、そこは3万5千平方キロの大きさを持つ大湿原地帯であった
荒木先生の新たなる物語の始まりの舞台は『フロリダ』だった。1年を通して温暖で、多くのラテン系の住人が住むこの半島は、全米で最も陽気な土地柄であるだけではない。かつては一面の湿地帯だった場所が人間の力で一から開拓された、全米でも最も大きく変化を遂げた地域でもあったのである。今では人口300万以上を誇る大都市マイアミも、一面水浸しの中川草が生えるだけの、荒涼としたワニとたくさんの鳥やもっとたくさんの小動物が棲むだけの場所だった。そして、マイアミやパームビーチといった海沿いの都市から車に乗ってものの30分もすれば、今でもそこは、ただもう見渡す限りの湿地帯が続いて、圧倒的な野性の王国！気軽に人間が足を踏み入れる事は不可能な場所だったりする。特別な訓練も装備も持たない一般人がいけるのは、半島の南西部に6570平方キロに渡って拡がるエバーグレイス国立公園ぐらいだろう。ここでは湿地帯の中でも道が整備され、ところどころに観測ポイントが設けられているのでフロリダの自然の一端に触れる事ができる。ただし、人間の見ている前をのら猫のようにワニが平然と歩いていく。あるいは角をまがったところにワニがいる。そんな所だ、ここは。なかには人間を襲う種類もいるから、あまり油断はできない。今回読者のみなさんにお見せしたのはそんなフロリダのほんの一端だけ。荒木先生は何やら熱心に写真をとったり調べたりしているけど、まずは「留置所」から始まったこの物語が今後どんな展開を見せるのか？ キミはこの写真から読み取る事がデキルかな？
アメリカはおいしい？
本場で食った『ホットドッグ』はサイコー！イタリア好きの荒木先生には毎日の食事が実は心配だったけど、毎日『ホットドッグ』を食べてゴキゲンでした！ [10]
Baoh OVA
This is the first time your manga (Baoh) has been adapted into an anime. How do you feel about it?
I think the anime is really well made, especially considering the limitations on its production. However, it adapts the two manga volumes into a single VHS, so it feels like it ends too quickly and that's honestly a bit of a waste. Since the length of a single videotape is about as long as a short manga, if you were to adapt something like "Under Execution Under Jailbreak" into an anime, it would be about the perfect length. For the "Baoh" anime, I would have liked to see the two volumes adapted separately.
Stardust Crusaders OVA
The OVA version is peculiar in that it's structured around the confrontation with DIO.
Araki: There was originally talk of adapting the manga starting from Volume 1, however, we would have never been able to fit everything into six episodes had we done that. Instead, we opted to just focus on the climax of the story. This meant other aspects were left out but if you want to make something that's good to watch you can't cram too much in. I guess you could say we put all our eggs in one basket.
How involved were you in the anime's production?
I went over the script in great detail. I don't like it when the motives for a character's behavior are unclear, and by reading through the script I was able to check for that sort of thing. The part of the anime production process that interests me is the scriptwriting stage. It's the animators' jobs to make Jotaro look cool, so I had faith in them to do just that.
梶原一騎に心酔し、娘。に激怒！ 意外な熱血漢だったカルト作家の素顔。
前号「FREE BOX」のCOMIC欄、『ジョジョの奇妙な冒険』原稿が予想を遥かに超える大反響！ 来るわ来るわ読者からの邦楽スタンドの山！ そこで落とし前をつけるべく、「日本のロックをスタンドにしてくれ！」とお願いしに荒木飛呂彦先生に会ってきました。
最初の音楽体験はグループ・サウンズかなあ。1960年生まれなんで8歳ぐらいなんですが、タイガースだとかブルー・コメッツみたいなの？ あとはアニメソングとか。『巨人の星』が大好きで。 そう、梶原一騎が好きなんです！ 私の作風とは違うんですけど、魔球とか必殺技のクロスカウンターとか――大リーグボールとかエセ科学的だったりしますよね？ 無理矢理消したり無理矢理バットに当てたり（笑）。ああいうのとか、主人公がだんだん成長してく感じっていうんですか？ そういう話に燃えるのかな。だから手塚治虫とか石ノ森章太郎先生系のマンガと、梶原一騎系のマンガってあるんですけど、どっちかと言うと梶原一騎なんですよね
12歳の頃が72年なんですけど、ビートルズは解散してたんですが曲は何となく聴いてて。でその後に出てきたプログレッシヴ・ロックとかレッド・ツェッペリンからロックにハマって、一番最初に買ったレコードがイエスの『危機』、あと『海洋地形学の物語』。あのジャケットが綺麗で。絵がいいし。だから渋谷陽一さんの番組も――『若いこだま』って番組だったと思うんですけど、私実家が仙台なんで、情報がラジオだったんですよ。その時のラジオってやっぱり未知の世界なんですよ。大人の世界だし。外国だし。その時の渋谷陽一さんの話とかも『よくわかんないけども言ってるなあ！』って感じで（笑）。夜にラジオ聞くのってイメージが物凄い広がるんですよ。そうするとブリティッシュの寂しい感じの音楽っていうのが凄い良かったんですよ。ツェッペリンもハードロック系ですけどちょっとエスニックの感じがいたるところにあって、あの雰囲気がクるんですよね。あとエマーソン・レイク＆パーマーとか、ブリティッシュの愛国心というかキングダム何とかって歌ってるんだけど、何か孤独で切ない感じなんですよ。当時アメリカでもキッスみたいのもいいんですけど、どっちかって言ったらカーペンターズとかね。ちょっとノスタルジーな感じの音楽がいいんですよね。風がヒューって吹き抜けていくような気分にさせるような。やっぱり北国の人の方がいいのかなあって。南の明るいパワフルな感じよりは、心にクるのは冬のある土地の人っていうんですかね。
80年代以降はやっぱりMTVっぽいから、プリンスとかマイケル・ジャクソン。プリンスは全部聴いてますね。最初に聴いたのは4枚目の『戦慄の貴公子』だったかな。やっぱ異様な感じがするのがいいですよね。だから直球的なマドンナよりはプリンスの方がいいですね。『ただじゃ済まさないな』って感じが楽しいんですよ。やっぱり80年代はプリンスが一番デカいんですね。で、90年代になると混沌としてきますね。好きなものがいろんなものに移ってる。本物のギャングが歌ってるスヌープ・ドギー・ドッグは結構ショックでしたねえ。それまでのラップってランDMCとかウィル・スミスとかそういう感じだったんですけども、ドギー・ドッグは本物っていうか、あれマジにヤバいですよ（笑）。あの辺の人達って、実際2パックとか殺されてるし。で漫画家ってオタクっぽいイメージがあるんですけど、実はツッパリっていうか硬派な人間が描いてたりするんですよ。高校時代は剃り込み入れてたりとか。実際お会いした事ないんですけどマガジン系はそういう感じしますよね。『ビー・バップ・ハイスクール』とか『特攻の拓』とか。ジャンプだったら本宮先生系の宮下あきらとか車田正美先生とかね、あの辺っていうのはちょっとホンマモンに近い感じがあるんですよ（笑）。音楽にもそういう迫力ってあるんですよね。何か生き様っていうかさ あと音楽聴いてて思うのは、大ヒット・アルバムってあるじゃないですか。その１コ前っていいですよね。ノッてる時期っていうか上り調子っていうか。頂点に立っちゃうとどビジネスに入るからのような気がするんですよ。最近聴いてるのはレイジ・アゲインスト・ザ・マシーン。新作もいいですけど、旧作から来たから。日本のロックはですね、ほとんど聴かないんです。有線とかで日本のを仕事中に聴いてると、歌詞が頭に入ってきて『お前に言われたくない！』『何気取ってんだ！』とか仕事になんないですよ。だから英語がわかったら向こうのも嫌いになるのがいるかもしれない。モーニング娘。の”LOVEマシーン”？あれはちょっとヤだなあ。曲はいいんですけど、歌詞がふざけてますよ！ ”社長さん”って今どきいいます？ 紅白見ててチャンネル変えちゃったもん。まあ宇多田ヒカルは悪くないですよ。あの声とか凄くいいですよね。あ、イエローモンキーいいっすよ。2年ぐらい前に聴いたやつ、多分アルバムだったと思います。電気グルーヴも好き。あとはGLAYかな。あのスカッとしてる感じがいいかな。変に濃くないところ。GLAY、イエローモンキーは好意をもちました。ちょっと知的な感じがしますよね。無理にモーニング娘。まで行かないんです。彼らの知性がちょっと止めるところがあるんですよね。あ、読者から邦楽のスタンド出して欲しいって届いてるんですか（笑）。この間もどっかで『日本の音楽は一切聴かないんです、ちょっとムカっ腹立つんだよね』って言っちゃったんでねえ（笑）
たまには音楽畑以外にも、いろんな人に会って、いろんな話を聞いてみたい。だって、僕らは生きてるんだもん！ というわけで今回から始まった新コーナー。第1回目は漫画家の荒木飛呂彦先生です。
おそらくロック・ファンには既におなじみであろう『ジョジョの奇妙な冒険』。何世代にも亙る数奇な運命と血の物語を、緻密な構成と筆力で描き出す少年ジャンプ連載の傑作カルト漫画である。さらに登場人物が次々と繰り出す異能力＝「スタンド」に、ロックの名作や偉人の名前がガンガン出てくるのも人気の的。「レッド・ホット・チリ・ペッパー！」「スティッキィ・フィンガーズ！」「セックス・ピストルズ！」という雄叫びと共に発現する奇怪なフォルムの能力達。現在シリーズ第6部「ストーンオーシャン」での新展開を見せている『ジョジョ』ですが、大のロック・ファンである荒木先生にその作家性の根拠と、今回の特集にちなんだ「あなたにとってのヘヴィ・ロックの名盤5枚は？」を尋ねに会ってきました。
●今日は荒木さんの奇妙な作風がどのように生まれたかというのをお聞きしたいなと。
「どういう感じかなあ。梶原一騎のスポーツ根性――『巨人の星』とか『柔道一直線』の主人公がどんどん成長していくストーリー、それが子供ん時に凄い好きだったですね。と同時に横山光輝と白土三平の忍者マンガというのがあって。白土三平だと『カムイ外伝』とか。横山光輝は『仮面の忍者赤影』『バビル2世』とか。その2つが好きだったんですけど、梶原一騎の方は主人公がどんどん成長していくタイプのストーリーっていう。横山光輝タイプの作品というのはサスペンスとトリックっていうか。子供ながらにも、『こういう2つのタイプみたいなのがあるんだな』みたいなね」
●漫画好きの内向的な少年だったんですか。
「いや、普通です。私は剣道やってたんですけど、試合が凄いヤで。もう相手の気迫みたいなのが嫌なんですよ」 ●じゃあ何で剣道やってたんですか。
「なんか、『おれは鉄兵』読んでて」
●ははははは！
「自己鍛錬ですね。自分の成長の為に試合してるっていう感じで、自分は闘いを描いてるんですけども。弱かった自分がね、相手に勝つっていうよりも己に勝つ為に戦うっていう。あと闘う時も、根性とかで勝つのはね、あんまり自分は嫌なんですよ。やっぱりワンランク精神がアップして、それを手に入れて倒すとかね」 ●「スタンド」って発想もそういう事だと。
「そうです。今まで念力っていうと『うん』って念じてバカッて石が割れたりするんだけど、守護霊みたいなのが後ろから出てきて、本当は見えない心が出てきてそれを割るっていう、そういう発想なんですよ」
●僕は最初『ジョジョ』読んだ時「面白いけど変な漫画だなあ」と思って。アンケートの結果にシビアであるとされてるジャンプだったら、あと何回で終わっちゃうんだろうと思って読んでたとこあったんですよ。
「そうですねえ。その辺もギリギリのところでやってたかもしんないですね。でもとにかく描きたい事はいっぱいあったから、自分では終わる気全然ないですよ。やっぱり善の象徴と悪の象徴の闘い・・・その精神性ですね。1話目の辺りはちょっと肉体的なんですよ。当時シュワルツネッガーとかスタローンとか、映画でマッチョな男が出てきて闘う話が大ヒットするんで、それにあやかったのか何だか自分もその方向に行ってたんですけど、やっぱりその精神性みたいなのが頭にもたげてきまして、第3部のような感じになったんですけど。だから最初はマッチョの肉体を追及してたんですよ。肉体の極限ていうか『どこまで人間は肉体的にいけるか』みたいなね。それが精神性になった時にかなり広がってったっていうか。で、第3部の空条承太郎の時に苦労したのは――ディオっていう敵が最後にいるんですけど、そのディオを見せるとね、読者は空条承太郎対ディオの闘いを期待しちゃうわけですよ。その間どうでもいいわけ、その手下は。だからディオをなるべくとにかく出さないっていう。あれはかなり苦労したんですよ。いろんなマンガ見てても――ラオウが出るともうラオウなんですよ」
●はははは。
「ケンシロウ対ラオウで。その間に出てくる敵はね、あんま興味ないわけ。だから出しちゃダメなんだなと思って。私はむしろ道中記を描きたいのに、それなのに最後の敵を出しちゃうんじゃもうとにかくダメ。ダメっていうか、ストーリーはかなり苦しくなるっていうのは思いましたけどね。あとトーナメント式にしなかったっていうのかな。どんどん上に上がってくってタイプにしないで、すごろく的な――水戸黄門的な『ここではこの敵、ここではこの敵』っていう。で、強さは関係ないっていうか」
●強さは関係ない？
「キャラクターなんですよ。敵の強さで描くと、前より強くなきゃいけないんですよ。そうするとバブリーな話じゃないですか。最初の敵より強い敵、強い敵って、最後はこんな膨らんじゃって収拾つかなくなるんで。強いキャラクターもあれば、ちょっと弱めでずる賢い奴もいて。まあそれにスタンドっていうアイデアがハマったっていうところがあるんじゃないですかね」
●スタンドのネーミングとは別に、作品そのものに自分のロック観っていうのが影響与えてるなあって気はします？
「あのねえ、マンガを読むテンポってあるんですよ。ページをめくってトントントントントンみたいな。リズムっていうのが。そういうのがロックのリズムで。だからトトトトトトトトトトンッとかね。ドドドドドドバコッとかね。ゴゴゴゴゴゴゴゴドーンとかね。バキューン！とかね」
●ははははは。
「あとはまあミュージシャンの伝記とか読んで、『この人はこういう事考えてんのか』っていうのがキャラクターに反映されてたりするのはあるかもしんないですけど。ジミ・ヘンドリックスとかね。ロックじゃないけどモーツァルトとか
●そう言えば、荒木先生の描くキャラクターって何となくみんな悲しげですよね。ハッピーなキャラっていうのは――。 「あんまないかもね。やっぱそれじゃないと面白くないんですかね。編集者でね、『生きてるのがつらくなるような作品読みてえよな』とか言った人がいてね。例えば、スティーヴン・キングっていうキャラクターっていうのは、なんか生きてるだけでその存在が悲しいやないかみたいな。その人がそこにいるだけで悲しいんですよ」 ●そういう影とか悲しさとかを必ず抱えてるキャラクターを描いてると同時に、少年の成長みたいなのを前提にしてると。じゃあ成長していきながらも、最終的なハッピーにはならないのかな、みたいな。
「うーん、でもまあ一応何かを掴んでると思いますけどね。あんまり不幸になって終わってるっていうのはないと思いますけども。一応これからも課題を抱えながらも、一つの敵はクリアしていくんだろうなっていう、そういう感じですね。でも物悲しい感じは絶対いいですね。音楽もそうですけども。『切ないなあ』みたいな」
●実は荒木さんの作品って、いたるところにユーモアがあるじゃないですか。あんまりそういう笑いの点って指摘されてないんじゃないかなと思うんですけど。
「ギャグっていうか、あれはヘヴィになり過ぎないようにっていうのもありますよね。描いててつらくなる時があるんですよ。読者もつらくなるとヤなんじゃないかなとか思って。だからそういうつらいののちょっと裏を返すっていうのかな。ブラックなユーモアとかで、本当はヤバい事なんだけど、ブラックな味つけにする事によって、ちょっと救いがあるっていうんですか。例えば具体的に言うと、この前のジョルノっていう主人公の時の作品で、1人仲間が消えるんですよ、途中で。それね、最初仲間を裏切って逃げるっていう考えだったんですよ。だけどいざ描こうとしたら、凄いヤバいと思ったんですよ。裏切るって物凄い描いててヤだなあと思ったんですよ。勇気がちょっとなかったですね。読者にも絶対これは許されねえと思ったもん。裏切りって少年誌のタブーじゃないかなと思いますね」
●それって少年誌だからって言うより、荒木さんの一貫した何かじゃないんですかね。
「うーん、でもね、悪の方にも私、感情移入してて好きなんですよ。ディオとか吉良っていう奴とかね。だからそいつの視点で描いたりしてるんですよ。悪には悪の気持ちがあるんだろうなって。だから読者もそれに感情移入するように描いたり。悪いことをするなりのね、動機っていうか」
●変な言い方ですけど、「悪を為す事においての正義感」みたいな？
「そうですね。その価値観のぶつかり合いで正義と悪に分けてますけど」
●主人公が女性って、今連載してる『ストーンオーシャン』が初めてですよね。
「女性もね、前は課題だったんですよ。やっぱりパンチとか、顔に受けられないじゃないですか、女の人って」
●そうなんですか？（笑）。
「だから今は時代が良くなったんですよ。80年代はあんな女の子出したらダメですよ。可愛い女の子じゃなきゃ漫画はダメ。どっちかって言うとロリコン系っていうのかな。だけど1人の人間として描けば、女の人も大丈夫だなあって。鼻血ぐらい出してても絵になるなって思ったんですよ」
●（笑）。
「まあ第1回目のあの辺はちょっと苦労しましたね。読者に可愛い子ちゃん路線で行くんだなっていう意識をさせないようにっていう。あえて汚い言葉使ったりとか、ちょっと肉体的な表現したりとか。可愛い子ちゃんが殴られたら、読者は『ええー!!』って思いますよ。殴られるぐらいじゃないと思うんですよね。『ジョジョ』って下手したら腕の1本も吹っ飛びますから（笑）」
●（笑）『ストーンオーシャン』は物語の展開って結構できてるんですよね。JAPANの方でお会いした時にチラッと聞いたんですが、ネタをバラすと読者に悪いからってあえて活字にはしなかったんですけど。
「（笑）もういいんじゃないですか。刑務所内だけの話になるっていう事は言いましたよね。物語は刑務所の中だけで行われます。道中もんじゃなくて、渦巻き型っていうか。中心に向かってくように」
●じゃあ最後に、今回BUZZの方でヘヴィ・ロック特集っていうのをやるんですよ。で、荒木さんのお薦めのヘヴィ・ロックの名盤5枚っていうのを――。 「ヘヴィ・ロックの概念がちょっと分かんないんですけども。レッチリもヘヴィ系に入るんですか」
●今回ウチの雑誌ではそういう事にしました（笑）。
「まずレイジの『イーヴィル・エンパイア』が入ってますね。あとリンプ・ビズキットの『シグニフィカント・アザー』。あとこれが私のNo.1なんですけど、バックチェリーの1枚目。ジャケットがいいんですよ。あとメタリカの『S＆M』を入れとこうかな。最新ライヴですね。で、ボストンの『ウォーク・オン』」
●ボストン（笑）。ヘヴィ・ロックとして？
「ヘヴィ・メタじゃないの、あれ？ 音はヘヴィ・ロックだけどね。あと私レッチリとか大好きですよ。あとはスキッド・ロウ、ガンズ・アンド・ローゼスでしょ。で、エアロスミスとニルヴァーナ。嫌いなのはパール・ジャムですね」
●へえ。そうなんですか。
「ハードロックってね、ちょっとエコロジカルな感じがあると思うんですよ。聴いてて気持ちいいっていうか。クラシックより全然精神的にいいと思うんですよね。強弱あんまないし。ずっとガンガンいってくれるから。で、パール・ジャムってちょっと神経に触るんですよね。音がなんかねえ」
●ふーん。面白い意見ですね。ボストンをヘヴィ・メタルと呼び、パール・ジャムの音はニルヴァーナより神経に触ると。
「ニルヴァーナは良い」
About each other’s beginnings
Araki: Shall we begin by talking about each other’s beginnings?
Kaneko: Yes.
Araki: The first question will be related to work: are you also involved in storywriting?
Kaneko: Officially not, but I contribute as well.
Araki: Ah, I knew it! Looking at the illustration books, I believe that you can’t simply draw without being involved in the story. Nevertheless, even though you only do the designs, it’s amazing how many you create. There are also a lot of descriptions about the characters’ backgrounds and so on, aren’t there? I design Stands combining those characteristics. For example, it would be strange if I didn’t give a water Stand a certain type of design.
Kaneko: Of course, I think about the way the characters are and I draw them according to their personality type.
Araki: I see. For example, if something releases poisonous gas from its shoulders, it will definitely need a hole. Now the question is, what kind of hole would fit the best?
Kaneko: But when Jojo is in front of the Stand, there will also be strange poses and things like that, right? How does that work?
Araki: I’ll eventually get to that too. Just in a little while (laughs).
Kaneko: Oh, is it still your turn?
Araki: Yes, yes (laughs). I have things I want to ask.
Kaneko: Understood. Then please ask me (laughs).
Araki: First, my parents used to read to me all kinds of books when I was a wee little boy, like “The Adventures of Tom Sawyer” or Jules Verne’s “Twenty Thousand Leagues Under the Sea”.Tthis kind of books only and no Japanese ones at all. That’s why I grew up very attracted to foreign countries, including their food and music. And that’s also why I don’t really like Japanese food.
Kaneko: I’m not too fond of Japanese food either, but you see, my parents owned a sushi shop (laughs).
Araki: Hahaha. Really?
Kaneko: I really came to hate it when I saw eels getting skewered after their eyes were removed (laughs). Anyway, back to the main question, I was more into Disney than Jules Verne. What about music? I can see from reading your works that you love Western music. I love it as well, but you know Takenoko-zoku* right? I used to do that before.
Araki: That’s not Western music, is it (laughs).
Kaneko: But what about Dschinghis Khan? (laughs). They were very interesting. I stopped watching Yoru Hit, and quickly got into Western music and came to love funk and other styles.
Araki: I like progressive rock.
Kaneko: Eh, progressive rock? (laughs)
Araki: From the ‘70s. Bands like Yes or Emerson, Lake & Palmer.
Kaneko: Almost all your Stand names come from progressive rock bands, huh.
Araki: Well, yes but…(laughs)
Kaneko: I liked Esidisi [AC/DC] (laughs). It fit really well.
Araki: Using foreign bands’ names is ok, but it’s completely different for Japanese bands. That’s no good. Or maybe I should say, it’s empathy. It’s a bit strange, like “What kind of silly things is this guy talking about?” (laughs)
Kaneko: Well, Western bands also sing about rather silly things, right?
Araki: If I knew what they were saying, I’d get too embarrassed to continue listening (laughs). That’s why for me it’s all about the rhythm, the propagation of sound. There’s a sort of space between the sounds. Like the subtlety of the strings, the pauses, the way the air vibrates. That’s why I’m fine with whatever they sing.
Kaneko: Do you get motivated to work during times like this?
Araki: Yes, yes, I get motivated and I start crying.
Kaneko: Wait, you start crying? (laughs)
Araki: That’s right. “Oh〜, this is so sad〜” (laughs). Don’t you get sad even if the lyrics have nothing to do with it?
Kaneko: Oh, I do, I do. Similarly to diabolus in musica, making your emotions fluctuate, right? If you used it well, you’d even be able to manipulate people, don’t you think? (laughs)
Where do you collect data from?
Araki: Do you travel abroad to collect data?
Kaneko: No, not really.
Araki: Soo, you are the type to admire foreign countries from afar?
Kaneko: Well, I guess so. I read the books I have with utmost attention and absorb all the information the writers provide, but that’s pretty sly, isn’t it (laughs). I’d love to travel if I had the time though. You travel a lot, don’t you?
Araki: I only travel to certain places; I’ve been to Italy many times, for example, and I love how it’s the “real deal”. Other countries just look like imitations in comparison – when I see sculptures or other works of art, I can only think “Oh, this is an imitation of that one sculpture.”.
Kaneko: I want to look more into Japan’s underground, like the lifestyle of the people around Shinokubo or drug routes.
Araki: So you can include them in games?
Kaneko: Exactly. There are a lot of games that take place in our current times, so I inevitably got interested in current Tokyo. It’s not limited to the city, but the places where people gather look different depending on the time of the day; it makes me want to convey the impact of the contrast between noon and the darkness night brings. I simply like clubs and the like as well…
Araki: What kind of clubs do you visit?
Kaneko: I don’t really, but now I go to a lot of spacious establishments. When I was young, I used to go to hobby shops quite a lot, but now… Before, there was no automatic water in clubs, so the toilets would be filled with ice and once it melted it would turn into automatic water. And then, if you went to the toilet at 4 a.m., you’d find the whole place drenched in blood.
Araki: Huh, why?
Kaneko: Group scuffles, it seems. Well, both scary and painful things used to happen, but looking and hearing about those rowdy times has become very important to me now.
Araki: It’s all right if Tokyo is the main setting. I first came up with the concept of “Stands” when I was in Egypt, since the people over there looked really suspicious. So I thought they were all bad guys.
Kaneko: Hahahaha.
Araki: It wouldn’t have been odd if anyone there had turned against me. No matter how kind they were to me, I just couldn’t trust them.
Kaneko: Sounds like something you won’t be able to let go of.
Araki: And that’s how I created Stands, the power of evil, or should I say, a different kind of power.
Kaneko: Ooh, is that why the manga takes place in Egypt?!
Araki: Exactly. Well, the editor loved Egypt as well; the locals’ power was truly great.
Kaneko: As I thought, you need to be there to actually know what it’s like.
Araki: That’s why people closeby have great power, but the further they are, the weaker their power gets. I made all kinds of rules.
Kaneko: It would be boring if they were all-powerful. It’s good that the characters in your manga also have weak points they can overcome. We use demons in our games, but we thought of adding a slightly different nuance to it – “What if we used them as guardian spirits?”. That’s how the concept of Persona was born. We call them guardian spirits, but they are actually great Indian gods or all other kinds of demons. Just as the name suggests, doesn’t Persona mean someone’s “personality”? One’s other self. So, how should I put it, there are all kinds of “other selves”, from the characters’ current appearance, to their manner of speech and even their job. I thought I’d combine them all. That’s how the characters in the game became more natural. The impetus to start drawing
Araki: What made you become a graphic designer?
Kaneko: I’d been drawing for a long time, but I wanted to become a manga artist at first. Later, in middle school, when I wanted to be popular with girls, I tried to look like a badass, but failed (laughs). When I reached a certain age, I asked myself what job I’d take; I couldn’t become a musician, I couldn’t become anything. And the last option I had was drawing. Getting into a company was a good idea, but I realized I didn’t have much strength by myself, so after that I decided to do my best.
Araki: You see, I went to the kendo club in school, but I wasn’t praised even once, whether I won or lost. However, when drew manga, everyone would tell me how good I was. Those were my beginnings. My friends would get really enthusiastic about it, like “This is the greatest thing ever!”
Kaneko: Hahaha. It looks like you already had editors by that time.
Araki: Yes, yes, they really sounded like editors (laughs). So I really got into this and would tell myself I’d keep drawing the entire following night as well. These designs [are influenced] by Go Nagai, right?
Kaneko: That’s right, Go Nagai’s influence is strong. Also, Kamen Rider, kaijuu…
Araki: Yes, the kaijuu effect is definitely there!
Kaneko: It’s impossible to say the name of all kaijuu, but if someone shows me Rider cards, I can tell everyone’s names. You know what’s interesting though? When you look into the designs and discover the original source of inspiration, like Ultra Seven’s monsters being the spitting image of clay figures (dogu).
Araki: Ah, yes, you’re right.
Kaneko: I realised this when I was wondering whether armor should have a (Western) clothes motif, but then saw that if you left out the armor it would have looked just like Ultraman’s costume; the outline makes it look like Western armor.
Araki: An extremely abstract image. Didn’t Picasso, after seeing African masks, want to see how simple he could make his own paintings? Same here. Ultraman’s form is indeed extreme. The type of design you simply can’t imitate, just like Snoopy. You generally can’t draw that sort of thing.
Kaneko: You start thinking why it is actually like that (laughs).
Araki: If you make Ultraman’s design simpler than this, he won’t look cool anymore.
Kaneko: Besides, anyone will be able to draw him. That’s why adding one thing after another is easy. Simplifying things, on the other hand, is really difficult.
Finally talking about fashion
Kaneko: What do you usually wear? Neatly fitted clothes?
Araki: I rarely wear ties and the like. And even then, I don’t even know whether there is a brand that actually suits me. There are brands that don’t fit me at all, that make me feel like I’m anything but myself. Prada, for example, or Gucci.
Kaneko: This does tend to happen indeed. I have a lot of Gaultier suits, but I do go shopping often too, so when I’m asked “So, manga artists are coming?”, it seems they are pretty familiar with Jump authors like K.M. or T.B. Apparently, Mr. K.M once spent several tens of thousands of yen on clothes. “That’s so awesome!”, I thought. It looks like Mr. T.B’s goes shopping together with his friends or his girlfriend though. In the end I realised that there are all kinds of manga artists as well! (laughs)
Araki: I don’t really go shopping. My brand picks are Versace or Dolce & Gabbana, but I’m not too crazy about them. I love looking at models though. Don’t you think models have this kind of spectre quality to them? The way they tilt their head or their mouths look oddly big. That kind of stuff captivates me. And so, by reproducing them, they gradually turn into Jojo-like characters (laughs) – like bending their hips back or forth. This kind of bending is also because of Italy.
Kaneko: So this is how they turn into Jojo poses! Like, “ズキューン！!” or grabbing a blood vessel and going “You should be still” (laughs). There’s a fairy named Trish in Persona who helps characters recover their health whose name comes from the fashion model Trish Goff. Back when she wasn’t that famous I used to think she was very cute and had such an interesting name. But then she became super famous not long after and I thought “Oh no, this isn’t good!” (laughs).
Araki: I find it amazing that you knew about her since back then. She was already popular by the time I had created Trish Una.
Kaneko: All models have really cool names, don’t they? Like Shalom Harlow.
Araki: Her huge eyes are cool as well.
Kaneko: Lately, thin models have become more numerous than bigger ones, huh. Like Devon Aoki.
Araki: Devon Aoki has got a strange air about her too.
Kaneko: Did you know she is Rocky Aoki’s daughter?
Araki: Eh, is that so? Who is Rocky Aoki anyway (laughs).
Kaneko: Do you know the restaurants Benihana?
Araki: Oh, yes, yes.
Kaneko: He is the owner. Incidentally, isn’t there someone in Jojo part 4 who likes Ferré*? I wondered if you liked him.
Araki: Truth is, I write about such things even if I’m sure almost no one knows about them anyway.
Kaneko: Moschino is the same, right?
Araki: Oh, oh, Moschino was good too! I was surprised when it appeared. The peace sign* design came from there.
Kaneko: Double suits are characteristic of them too. The buttons are in the place of the eyes, forming a face. I’ve seen new designs from John Galliano or Alexander McQueen as well. They’d make good Stands (laughs).
Araki: I like Roberto Cavalli too. Quite a lot of people have been debuting these days, but don’t have shops in Tokyo. They remind of the style worn by dangerous ladies which is really great.
What flows from the root of your work
Kaneko: Your works are referenced in a lot of things, right? It’s kind of like Shakespeare, or, how should I put it, something I haven’t seen with other Japanese drama, literature or manga.
Araki: But you know, there’s also Kajiwara Ikki’s “If you are small and want to beat someone big, then you mustn’t think of yourself as small!”…or something like this (laughs). I still find this kind of thought pattern moving, even though I read that in my fourth year of elementary school. Like, “Wow, that was so cool…!”.
Kaneko: I’m a bit startled that you’ve read Kajiwara Ikki’s works. Quite different from what I expected.
Araki: Truth is, I started with “Star of the Giants”.
Kaneko: No way?!
Araki: I think it was during my first year of elementary school…I don’t usually mention this, but “Magazine” was the first publication I talked to when I wanted to publish my first manga. Incidentally, back then Kajiwara Ikki stopped serializing in “Magazine” so I switched over to “Jump” (laughs).
Kaneko: That’s seriously unexpected (laughs).
Araki: I love foreign countries, but I also love stories where poor people rise in the world.
Kaneko: Whenever I see the photos at the back of the tankoubon, it’s kind of rude of me to say, but I think you look like you had a good upbringing (laughs).
Araki: Hahahaha.
Kaneko: So when you write about Kishibe Rohan and those kind of stories, all the more I wonder “Is this really all right?” (laughs)
Araki: But you are surprising as well. You had a more frightening image.
Kaneko: I’m often told that I seem to have an actor’s personality. Truth is, I’m a pretty easy-going guy. Speaking of manga, I was into “The Genius Bakabon”.
Araki: Oh, Akatsuka Fujio (laughs). It was quite a thing (laughs). Great stuff.
Kaneko: I simply loved the surrealistic setting, couldn’t get enough of it. After all, it’s the person who discovered Tamori*! In a way, he raised him and turned him into who he is today.
Araki: Speaking of settings, I went to a Christian school, where I read the Bible every day, so that particular way of thinking got ingrained in my brain.
Kaneko: Is that so! Was it a Catholic school?
Araki: No, it was a Protestant one. As a kid, I thought “What the…?” at the disciple’s betrayal, but as an adult I understood how important it was. Different kinds of literary works also have their roots in it, and I’ve come to understand numerous other allusions. However, in my case, rather than believing in God, I believe something exists. It’s difficult to pinpoint what it is, but it also includes destiny. That is why, if my works aren’t based on something of the sort, the end result is scary and I end up asking myself why I am drawing manga in the first place. Am I doing it to earn money or to impress women? The more time passes, the more horrible this would all feel. But I can keep going as long as I have fairness and humanity.
Kaneko: Indeed, you wouldn’t be able to draw if you didn’t have human love. Getting money out of all this too is obviously fine though (laughs). But doing it just for money isn’t right.
Araki: You definitely need it in order to go on, don’t you think?
Kaneko: It also gets difficult when you start thinking why people exist.
Araki: You reach this question when you draw about things like destiny – “Why is this person here?”. If you’re attached to the protagonist, the question becomes even more important. The people who make RPGs feel that to an even higher degree, right?
Kaneko: That’s right. We think about the inevitable fate of the characters. Animals are part of the cycle of life on earth, aren’t they. Earthworms exist to clean the soil and their purpose to leave descendants. Only humans are different.
Araki: But it’s not good if that kind of world comes to the surface.There are several layers we shouldn’t see beyond and it would be even worse if they didn’t exist. This isn’t only about manga, but also about music and just about everything.
二大人気クリエイター対談
週刊少年ジャンプにて長きに渡り連載が続いている『ジョジョの奇妙な冒険』の作者、荒木飛呂彦。そしてファンのあいだでは悪魔絵師という異名を持つ『真・女神転生』シリーズのアート・ディレクター、金子一馬。日常においてもファッションに多大な関心を持つこの二人は、ファッションの要素を自分の作品にどのように取り入れ、そして進化させているのか？ また、二人の作品のルーツとは何なのか？ 今だからこそ明かされる二大人気クリエイターの秘密に迫ろう！
★お互いのルーツについて荒木 まずお互いのルーツなんかについてお話しましょうか。
金子 そうですね。
荒木 まず仕事の内容なんですけど、ストーリーまで関わっているんですか？
金子 はっきりとは公表していないんですが、僕も考えています。
荒木 あっ、やっぱり！だってグラフィック集を見ていて、ストーリーに関わっていないと描けないデザインだと思ったんです。 ただデザインしているだけで、こんなに多くのデザインができるのかと不思議だったんですよ。キャラクターとかの状況とかいろいろとあるじゃないですか。 スタンドっていうのは、その技の特徴に合わせてデザインしていくんです。 例えば水の中で活躍するスタンドであったら、こういうデザインにしなきゃおかしいみたいな。
金子 やはりキャラクターの行動原理みたいなところを考えていくと、こういうタイプのキャラクターだから、こういう格好をしている、そういうのがありますからね。 荒木 そうですよね。肩から毒ガスが吹き出すから穴がなきゃとか。それじゃあどういう穴がいいかな、みたいな。
金子 でも、スタンドの前にジョジョだったら、怪しいポーズとかほかにもいろいろとあるじゃないですか。あのへんはどうなんですか？
荒木 それはそのうち語りますよ……チョットあとで（笑）。
金子 あ、順番があるんだ？
荒木 そうそう（笑）。お聞きしたい順番があるんですよ。
金子 分かりました。じゃあ僕が聞かれちゃうんですね（笑）。
荒木 まず、自分のほうから言うと、ウチの両親がちっちゃい頃、本をいろいろと読んでくれたんですよ。 『トム・ソーヤの冒険』とか、あとジュール・ヴェルヌの『海底二万里』とか。 そういうのばっかでね、日本のじゃないんですよ。だから、なんか異常に外国へ対する憧れが強かったんですよ。で、食べ物や音楽にいたるまでそういうふうになっちゃって。だから日本食とかもあんまり好きじゃないんですよ。
金子 僕も和食あんまりなんですけど、でも寿司屋の息子なんですよね（笑）。
荒木 ハハハハ。ほんとに？
金子 それで目の前でアナゴとかの目玉にザクッ！とか串刺しているのを見て、イヤになっちゃった（笑）。 でも、本に関しては僕はジュール・ベルヌとかよりは、ディズニーっぽいほうが多かったですね。音楽はどうですか？荒木さんの作品読んでいたら分かりますが、洋楽好きそうじゃないですか。 僕も洋楽大好きなんですけど、タケノコ族とか昔流行りましたよね？僕、タケノコ族やってたんですよ。
荒木 あれ洋楽じゃないじゃん（笑）。
金子 でも、ジンギスカンとか（笑）。ああいうの聴いちゃうとおもしろいじゃないですか。そうしたら夜ヒットとか観れなくなっちゃって、そのまま洋楽にどんどん入っちゃって、ブラックとかファンク系が好きでしたね。
荒木 僕はプログレです。
金子 えっ、プログレ（笑）？
荒木 もろ’７０年代ですよ。イエスとかエマーソン、レイク＆パーマーとか。
金子 スタンド使いの名前はプログレばっかりじゃないですよね。
荒木 まぁ、全部ありなんですけど（笑）。
金子 僕が気になったのが”エシディシ（ＡＣ／ＤＣ）”（笑）。結構親近感ありましたよ。
荒木 バンド名は何でもオッケーですよ、外国のものであれば。日本語がダメなんですよ。拒否反応が出ちゃって。仕事中にね、感情移入しちゃうというか。ちょっとピクってきちゃう。「何こいつスカシたこと言ってんだ？」みたいな（笑）。
金子 まぁ、洋楽もかなりスカシたこと言っているんですけどね。
荒木 理解したらこっ恥ずかしくて聴けないことばっかでしょ（笑）。だから私の場合はリズムとか、音の広がりですよね。なんか空間があるんですよ、音と音の隙間の中に。なんかね、そこにグワッと入れるんですよ。ストリングスとかの微妙なところでね、待ちがあったりとか、風が吹いたりとかさ。だから、その人が何歌っていてもいいんですよ。
金子 そういうときはもう仕事がノリノリになったり？
荒木 そうそう、ノリノリになったり泣いたり。
金子 えっ、泣いちゃうんですか（笑）。
荒木 そう。「うわぁ～、切ないなぁ～」って（笑）。歌詞とか関係なく切なくなったりしません？
金子 いや、ありますあります。悪魔音階っぽいっていうんですか、なんか気持ちを上下させるものってありますよね。あれを上手く開発すれば人を操ることができるんじゃないですかね（笑）。
★取材にはどこへ行く？
荒木 よく取材で海外とかには行かれるんですか？
金子 いえ、僕はあんまり行かないです。
荒木 じゃあオタク系の外国マニアですか？
金子 まぁそうです。人が一生懸命書いた本を一生懸命読んで、その人の情報をすべていただくというズルいやり方です（笑）。でも、時間があれば行きたいですけどね。荒木さんはよく行ってますよね？
荒木 私は場所限定ですけどね。イタリアとかが多いですね。イタリアは本物っぽいところがなんか好きなんですよ。他の国はその物真似みたく見えちゃうんですよ。彫刻とかを見ていても、「あ、これはあの彫刻のイミテーションだ」とか思ってしまうんですよ。
金子 僕はどっちかと言うともっと日本のアンダーグラウンドな場所を探索したいですね。新大久保で立っている人たちの生活をもっと見てみたいし、薬物とかもどういったルートで動いているのかとか知りたいですね。
荒木 それもゲームに関係します？
金子 そうですね。ゲームの世界観として現代モノが多いので、必然的に東京の今に興味があります。都会に限ったことではないけど、人の集まる場所には昼の顔と夜の顔がありますから、昼はともかくとして夜というか”闇”の部分のリアルさを描くことで、よりインパクトのあるメッセージを発信できるのかな、と思います。単純にクラブとかが好きというのもありますけど・・・・・・。
荒木 クラブはどこらへんに行くんですか？
金子 どこということもないんですが、今は大箱が多いですね。若いときはマニアックな店にもよく行ったんですが、今はちょっと・・・・・・。昔のクラブって自動で水が流れなくて、その代わりに便器に氷が置いてあったんですよ。それが解けて水が流れる仕組みになっていて。で、朝の４時頃トイレに行くとそれがすべて血だらけになっていて。
荒木 えっ、なんで？
金子 要はケンカですよね。グループ抗争みたいな。まぁ怖い思いとか痛い思いもしたけど、ヤンチャな時期にそういうものを見たり聞いたりしたことは、今の自分にとって大事な要素になってますよね。
荒木 でも東京が舞台なら東京がいいですよね。私が”スタンド”という概念を思いついたのは、エジプトなんですよ。というのは、向こうの人達ってすごく怪しいじゃないですか、見てくれが。それで全員悪党だと思って。
金子 ウハハハハハ。
荒木 こん中の誰が敵でもおかしくないなと。で、その人間を信用できないというか、いくら親切にされても、なんか怪しいんですよ。
金子 なんか腹に持っているんじゃないかと。
荒木 それで悪の力というか、もうひとつの力というか、スタンドを思いついたんです。
金子 ああ、だからマンガは最初エジプトから始まったんですか！？
荒木 そうなんですよ。まぁ、編集担当さんがエジプト好きだったというのもあったんですが。住んでいる人達のパワーがホントすごかった。
金子 やっぱ行ってみないと分からないことありますよね。
荒木 そこから近くの人は力が強いだろうけれど、遠くにいる人は力が弱いとか。いろいろとルールを作ったんです。
金子 何でもできちゃうとつまらないんですよね。荒木さんのマンガは弱いところがいいんですよ。弱点を克服していくとか。ウチのゲームは悪魔を使役するものですから、そこでちょっと違うニュアンスというか、悪魔を守護霊として付けたらどうだろう？ってなったんです。そこからペルソナが生まれたんです。で、守護霊なんだけれど、その属性はインドの偉い神様だったり、どこそこの妖怪だったりしたわけです。ただ名前が示すとおり、ペルソナって”個性”じゃないですか。もうひとつの化身ですよね。そのキャラクターの、なんていうんですか、今の格好や、しゃべり方、やっている仕事までいろいろとあるわけですよ。そういうのをすべてそこに集約してみようと思って。そういった意味ではゲームで自然とキャラクターが動いてくれましたね。
★絵を描くようになったキッカケ
荒木 金子さんがグラフィック・デザイナーになろうとしたキッカケはなんだったんですか？
金子 昔っから絵は描いていたんですけど、最初は漫画家になりたかったんですよ。でも、中学時代に女のコにもてたいなってなってきたときに、服装とかもちょっと悪ぶってみるとか、そっちにいこうとしちゃって失敗したんです（笑）。で、ある一定の年齢になったときに仕事何をやろうかなってなって、ミュージシャンにもなれないし、なんにもなれない。そして最後に残ったのが絵だったんですよ。で、会社に入ってみたはいいですけど、自分の力がたいしたことがないなってまたまた判明して、そこから努力した感じですかね（笑）。
荒木 私はね、学校のクラブで剣道とかやっていたんですが、一回も誉めてもらったことがなくて。勝っても負けても。でも漫画描いたときはね、「上手いね！」ってみんなに言われたんですよ。だからその気になりましたね。あと友達にね、すげぇ喜ぶヤツがいたんですよ。「これ最高じゃん！」みたいな。
金子 ハハハハ。既にその頃から編集者みたいなのが側にいたんですね。
荒木 そうそう編集者みたいなのが（笑）。で、ほんとその気になってきてさ、じゃあ明日もちょっと徹夜して頑張ろうかなって。この絵柄だとやはり永井豪さんですか？ 金子 そうですね、永井先生の影響は強いですね。あと仮面ライダーとか、怪獣とか・・・・・・。
荒木 あ、怪獣の影響はあるね、絶対！
金子 怪獣の名前とか全部言えるんじゃないですかね。ライダーカード見せられても、怪人の名前全部言えますからね。でもおもしろいのが、デザインしていくうえで資料とか調べていると、その元ネタが分かってくるとこですね。ウルトラセブンの怪獣とソックリの土偶を発見したりとか。
荒木 ああ、あるある。
金子 鎧をモチーフに服のデザインをしようかなって思ったときに気付いたんですけど、鎧を省略していくとウルトラマンのコスチュームになるんですよね。西洋甲冑を線だけで模様にしていったりするとなるんですよ。
荒木 究極の抽象画ですね。ピカソとかもアフリカの仮面とかを見て、どこまで簡単に描けるかと試していたそうじゃないですか。同じですよ。確かにウルトラマンの形は究極ですよ。スヌーピーとかも絶対真似できない形なんですよ。あんなの描けない、普通。
金子 どうしてああしようと思ったんだって思いますよね（笑）。
荒木 ウルトラマンもこれ以上簡単にしてカッコイイのはできないですよ。
金子 それに誰にでも描けますからね。だからあとからあとから増やしていくのは簡単なんですよ。でも削ぎ落としていく作業はホント難しい。
★いよいよファッションについて
金子 普段はどういう格好をしているんですか？もっとキチッとしているんですか？
荒木 めったにネクタイとかする格好はしないですよね。でも、なんか自分にしっくりくるブランドとかってないですか？ブランドでも絶対に似合わないっていうのがあるんですよ。プラダとかは着ても合わないんです。自分じゃないというか。あとグッチもダメ。
金子 確かにそういうのはあるかもしれませんね。僕はゴルチエが多いんですけど、よく買いに行くんです。それで結構馴染みなんで、「マンガ家さんとか来る？」なんて聞くとジャンプ系のＫ・Ｍさんとか、Ｔ・Ｂさんとか来ているらしいですよ。Ｋ・Ｍさんなんかは一度にウン十万くらい買っていくそうで。「すげぇーな！」とか思いますよね。Ｔ・Ｂさんは友人とか彼女に買っていくそうですけど。「なんかマンガ家もいろいろやってるなー！」とか思いましたね（笑）。
荒木 僕は買い物自体あまり行かないですね。ブランドではベルサーチとかドルチェ＆ガバーナとかですね。でもそんなにドカッといかないですけど。でも、ファッションといえば、モデルとか眺めているのが好きですね。モデルってなんか妖怪っぽいじゃないですか。首をひねっていたり、口が異様にでかかったりとか。そこらへんがクルときがあるんですよ、ビビッと。で、模写していくと次第にジョジョのキャラクターっぽくなってくる（笑）。腰をくねらせて立っていたりとかね。ねじらせるのは、もうイタリアの定番なんだけど。
金子 そういうのがジョジョとかの謎のポーズと化していくんですね。「ズキューン！」とか、血管つかんで「コリコリしてるぞぉ～！」とか（笑）。ペルソナで体力を回復してくれる妖精が登場するんですが、その妖精の名前がトリッシュっていうんですよ。名前はファッションモデルのトリッシュ・ゴフからとったんですよ。まだ彼女がそんなに有名じゃなかったときに、「あ、このコ可愛いな！」って思って。名前もおもしろいし。でも、しばらくしたら超有名になっちゃって「ヤベぇー！」とか思って（笑）。
荒木 でもその頃から彼女のことを知っていたのはスゴイですよね。私がトリッシュ・ウナを考えたときは超売れていたときだから。
金子 モデルの名前ってみんなカッコイイじゃないですか。シャローム・ハーローとか。
荒木 彼女もでっかいつり目でカッコイイですよね。
金子 最近大ぶりな人よりも細身のモデルのほうが多いですよね。デボン青木とか。
荒木 デボン青木も不思議な感じだよね。
金子 彼女、ロッキー青木の娘だって知ってました？
荒木 え、そうなんですか？誰ですか、ロッキー青木って（笑）。
金子 レストランのベニハナって知ってます？
荒木 あー、ハイハイ。
金子 あそこのオーナーなんですよ。それはそうと仗助（ジョジョの奇妙な冒険四代目主人公）あたりがフェレがどうのとかあったじゃないですか。だから荒木さん好きなのかな？って思って。
荒木 でもホントはこれ描いても分かんねーだろうなって思いながら描くんですけどね。
金子 モスキーノとかね。
荒木 ああ～、モスキーノも良かったね！あれが出たときはびっくりしたよ。ピース・マークのデザインとかになるんだよね。
金子 ダブルのスーツとかもスゴク特徴的で。ボタンが目の代わりになっていたりして、顔になっちゃうんですよね。最近のデザイナーではジョン・ガリアーノとか。アレキサンダー・マックイーンとか。スタンド使いにもいるけど（笑）。
荒木 あと僕はロベルト・カバーニですよね。いるんですよ、最近出てきた人が。東京にはお店がないんですけど。危な系のお姉さんの格好なんですよ。ああいうのは「いいなぁ！」とか思いますね。
★作品の根底に流れるもの
金子 荒木さんの作品って、ものごとを例えて言うじゃないですか。それってなんかシェイクスピアっぽいというか、日本の文学やドラマ、マンガにもあまりないですよね。 荒木 でもね、梶原一騎さんとかがやっているんですよ。「小さい人間が大きい人間を投げるには、自分はチビだと思わなければいけない！」みたいな（笑）。そういう概念にクッと感動するんですよ。「うまいこと言うなぁ！」って。読んでいたのは小学校４年生くらいなのに、なんか感じるものがあったんですよ。
金子 僕は荒木さんが梶原一騎を読んでいたこと自体ドキッとしましたよ（笑）。なんかかなりイメージと違いますよね。
荒木 じつは『巨人の星』から入っているんです。
金子 ウソ、マジっすか！？
荒木 小学校１年くらいだと思うんですが、その頃から・・・・・・。これはあまり言っていないことなんだけれど、最初マンガを持ち込もうとしたのは『マガジン』だったの。でも、たまたまそのときに梶原一騎が『マガジン』で連載してなくて、じゃあ『ジャンプ』のほうがいいやって（笑）。
金子 えっ、スッゲェ意外（笑）。
荒木 外国好きっていうわりには、貧乏人がのしあがっていく話も好きなんですよ。
金子 単行本に出ている写真とか見させてもらうと、こう言っちゃあ失礼ですけど、なんか育ち良さそうだなって思うんです（笑）。
荒木 ハハハハ。
金子 それでまた、岸辺露伴の話なんか書いてしまうもんだから、なおさら「大丈夫なのかな？」なんて思われちゃっているかもしれませんよ（笑）。
荒木 でも、金子さんもなんか意外ですよ。もっと怖そうなイメージがありましたから。
金子 よくそう言われるんですけどね。性格俳優ぽいって。ホントは気さくなやつなんですよ、こう見えて。僕はマンガといえば『天才バカボン』ですね。
荒木 あ、赤塚先生（笑）。それもそれで何かあれですね～（笑）。スゴイですよね。
金子 なんかあの、シュールな世界観がたまらなく好きなんですよ。だってタモリを育てた人ですよ！ある意味タモリを飼っていたんだから、個人用として。それでプロデュースしたんですよね。
荒木 世界観といえば、私はキリスト教の学校へ行っていたんです。だから毎日聖書を読んでて、自然とそういう考え方っていうのは染みついていますよね。
金子 ホントですか？カトリックですか？
荒木 いえ、プロテスタントだったんですけど。聖書で弟子が裏切る場面とか、子供の頃は「なんだろう？」とか思っていたんですが、大人になるとね、重いものがあるんですよ。いろんな文学のルーツもそこに含まれていて、いろいろとネタが分かってきて。でも、僕の場合は神様を信じているというよりも、いるって感じですね。具体的に言うことは難しいんだけど、運命とかも含めてね。それで作品の根っこのところにそういうのがないと、怖いことになるんですよ。「自分は何で漫画を描いているんだろう？」ってね。ただお金を稼ぐためなのかとか、女のコにもてたいだけなのかとかね。なんかね、それがいつかヤバイことに感じるようになってくるんですよ。でも、そこに正義だとか、人間愛だとかがあれば頑張れるっていうか。
金子 確かに人間愛とかがないと描けないですよね。お金とかがついてくるのはもちろんいいんだけど（笑）。でも、ただそれだけのためにやっているんじゃない。
荒木 やり続けるためには、そういうのが必要なんじゃないですかね。
金子 人間生きていくのはなぜ？って考え始めると、それはそれで難しいものがあるし。
荒木 こういうね、運命とかを描いていると「何でこの人ここにいるんだろう？」ってなってくるんですよ。それは主人公に思い入れがあればあるだけ強くなる。ＲＰＧなんか作っている人はもっとそういうのがあるんじゃないですかね。
金子 そうですね。キャラクターの必然性なんかについて考えてしまいますよね。動物とかって地球上に循環として存在しているじゃないですか。ミミズだって土を浄化するために生きているし、子孫を残すことが目的じゃないですか。でも人間だけは別のことをやっている。
荒木 でも、そういう世界が前面に出てくるとダメなんですよね。下の下のほうにあって、見えちゃダメなんですよ。無いともっとダメなんですけど。マンガだけじゃなくてね、音楽も何もかも。
―今回はテーマが「快感」なんですが、「ジョジョの奇妙な冒険」というと謎解きや敵を倒す時の爽快感があって、そこには物語も描写も含めて面白い！という快感があると思うんです。お描きになってる立場として意識してらっしゃいますか？
やっぱりね、善とか悪ってあいまいじゃないですか。ある視点から見れば、悪も良い人かも知れないし。それは青年誌にいくとあいまいなんだけど、少年誌だとハッキリ分けないとダメなんですよ。例えば殺人鬼にも、生い立ちとか生活があったりして、その人を知れば知るほど味方したくなってきたりする。そうすると可哀想な人に思えてくるんですけど、そこを少年誌で描いちゃダメなんです。その人が敵じゃなくなってくるから。キャラは「主人公と比べたら完全に悪い人だ」っていう確実な線引きがあるから快感になるんじゃないかと思うんですよね。
―でも作品中にはそういう生い立ち的な部分も多く描かれてませんか？
だから、そういう部分を描くと快感みたいなものはなくなるかなと思うんですけど、大人の味わいとして「哀しいな」みたいなのは出てくると思うんです。でも最初はとにかく悪いヤツだっていう風に決めつけて描いていかないとダメなんですよ。で、戦いが終わってから味方にしたりとか、バックボーンを描いたり、いろいろしますけど。
―そういう意味では少年誌で悪役の人生を描くと、物語のスピードが止まっちゃうところがある、と。
そうでしょうね。大人のマンガと子供のマンガの区別っていうのは多分そこだと思うんですけど。善と悪がわかりやすいというか。
―子供にはこう、善と悪がハッキリして、たたみかけるようなのが。
でも、「あんまりいつまでも子供でいちゃいけないよ」とか思うんですけど。単純なもんじゃないよ、あとあとの人生は、と（笑）。
―それから画面描写！特に肉体の破壊される描写がすごくて、快感に繋がっていると思うんですよ。
あれはただ、グロく見せようとかそういうものじゃなく、肉体を破壊するってことを絵の楽しさとして描いてるんですよ。例えば、大友克洋先生の破壊って、コップがパズルのように壊れるじゃないですか。部品がハッキリと描かれてますよね。それを人間の体で描くのが面白いんですよ。古い人ですけど、レオナルド・ダ・ヴィンチは人間を描きたいために、「体の中はどうなっているんだろう」って解剖して筋肉のつき方まで見たっていいますけど、そういう気持ちなんじゃないかなと思うんですよね。
―なるほど・・・・・・。でもたまに、重力に反した曲がり方も描きますよね・・・・・・。
（笑）。そこがまた面白いんですけど。
―逆にわざとそういのを描くことが面白い？
そうですね。そういうところ快感かも知れない。絵を描かない人は、大変なんじゃないかとか、一体何時間かかるんだろうなとか考えるんでしょうけど、描いてる人はそういうことをあんまり恐れなくてもいいと思うんです。やってると楽しいですから。実は絵を描いてるところでそういうパズル的な面白さがあって、その辺は気持ちいいという感じがありますけど。
―確かにマンガ全体で感じるんですが、キャラが写実的に立ってるというより、変な格好でこう・・・・・・（と「ジョジョ」ポーズを取る）。
それもね、イタリア美術の影響がすごくあると思うんだよね。彫刻とかを見るのが好きなんですけど、ねじってたりするんですよ。妙なドラマチックなポーズっていうのかな？あれなんですね。こうね、腕の片方が上がるともう片方がグッと入るとか（と体をねじる）、一つのキマリ、流れがあるんですよ。なんか見てると分かるんですけど、そういうのが面白いんだよ。ねじるとさらに面白くなってくるというか。
―きちんと立つものじゃなく、ねじったりする方に魅力を感じるという。
普通じゃないっていうんですかね。普通に描いてたら普通の絵だけど、絵ってちょっと変な感じを取り入れるともっと面白くなると思うんですよ。ちょっと気持ち悪いとかね。まるっきり美しいよりちょっとケガしてるとか。
―純粋な造形美よりも、そこになんらかのドラマ性だとか、別な何かがある方がいいという感じですか？
そうでしょうね。写真とかでも完全な美人よりちょっとニキビがある方が面白いと思うんですよね。どうしちゃったんだろう？みたいな（笑）。だから、ちょっと変なものがやっぱ面白いと思うんですよ。その辺はまだ子供には分からないところもあるかも知れないんで、ツライとこではある（笑）。でも、中学とか高校になってきたら分かるんじゃないかな、って思うし。今のうちから教育しておけば（笑）。
―それから、コマ割りについてお聞きしたいんですけど、あの・・・・・・昔より変型ゴマ増えてますよね？ナナメに切ったりしてて、自在に操れるようになってるというか。
そうですか？まっすぐのコマもあると思うんですけど（笑）。ナナメになってたりするのはね、指が切れたりするからなんですよ。まっすぐにしてると小指が入んなかったりするので、コマの方を動かしてる、というか。
―じゃあ、重要な絵のためにコマの形を変えるという？
そうですね。あと、フキダシが入んないから、フキダシを作るためにずらすっていう（笑）。
―でもそれだけじゃないような気が・・・・・・。たまに丸いのとかありますよね。
ありますね。あれはほとんど表情ですね。目の動きとか。ただそれだけですね。
―それはご自分でパターンみたいなものがあるんですか？
そうですね。ちょっと欲しいと思うんですよ。主人公が何を考えてるかわかんないなと思ったときとか、ネームの後で足りないなと思ったときとか。で、丸いからどこにでも入るんですよ、アレ。
―ああ、逆に四角いコマ入れると一コマ割り直すことになっちゃうからですか。じゃあ、変形ゴマを使った見開きで迷宮的な空間を創ろう、ということではないんですね。
そういうのはないですね。構図のためですね、あくまでも。あとやっぱりアクションの時はナナメになっちゃいますね。意識は全くしてないです。でもあんまり重要じゃないと思うんですけど。
―でもあれは一ページ単位でバランスを考えてやってるのではないんですか？
一ページ単位というか全体で見たりはしますけど、ちょっと暗くしてから明るくとか。黒っぽいコマにしてからちょっと明るい広めの構図取ったりとか、そういうのは前後見てかないと分かんないので。
―だから読者としては結構ビックリするコマ割り・ページ割りが多いんですよ。それはどこをポイントにして描いてるのかなと。
つまり、「ここは」っていう見せたいコマが絶対あるんですよ。ストーリーはそれに付属してるじゃないですか。だからだと思うんですよ。最初にネームの段階でそのコマがあって、説明的な人物のセリフなんかは次の重要度だから小さくして、というか。だから、絵で見てる人はここだけ見ればだいたいの話は分かる、細かいところはそこのセリフを読んでくれ、と。
―じゃあ、パッと見てもストーリーが分かるという構造になってる、と。
そうですね。絵を描いてる仕事なんだから絵を見て面白くなきゃマンガじゃないと思うんですね。ネームも重要ですけど、絵に魅力がないと。基本は絵描きじゃないですかね。作家とか、映画監督とかよりも自分的には重要だと思うんですけど。
―では、キャラクター造形でいうとどんなところを一番重視してます？
まず動機ですね。何で闘ってるのか、何で銀行強盗するのか、とか。そういうところをきちっと決めてくというのが大切だと思うんですよ。だから、ロボットマンガ描きたいな、と思ったら、何でロボットに乗ってるのかが一番。いきなり乗ってて闘うのは、なんだかわけわかんないですから。
―なるほど。背景が読めないと物語に信憑性がなくなりますからね。
そう。だから、そこが一番大切じゃないかと思うんですよ。で、動機が決まるとね、いろんなものが決まってくるんですよ。関連して決まってくる。こういう性格で、ちょっと勝ち気で、でも虫には弱くて、弱点はこうだとかね。どんどん面白くなってくるんですよ。だから、動機が基本で、徐倫とか、ジョルノとか仗助とかジョセフもそうだったんじゃないですかね。そうしていくと、その動機は親だったり、先祖からの因縁だったりするんですよ（笑）。「ジョジョ」の場合はそういうところですね。あと社会の圧力だったりとか、そういうのが多いじゃないですか。それに対して自分はどういう風に思ってるのか、という風に決定されていくと思うんです。
―確かに「ジョジョ」では闘う動機とか性格などを血として受け継いでいってますよね。
そうですね。やっぱり、因縁というのはあるんじゃないかと。あとね、マンガを描いてると哲学的な境地にまで考えが及んだりすることがあるんです。そもそも主人公は何でここにいるんだろうな、と思うわけ。描いてると、どうしてこの人は生まれてきたのかなという所まで考えちゃうんですよね。そうすると人間って何でいるんだろうなというところまでいくんですよ（笑）。神様っているのかなとか、何で人間は地球にいっぱいいるのかな、みたいなさ。そういうとこまでつい考えてしまうんですよね。描けば描くほどそういう風になってくるんですよ。で、動機にに戻りますけど、マンガ描く人はまず動機を決めるべきだと思うんですね。そうするといろんなものがとにかく不思議にできてくると思うんですよね。拡がってくるというか。あと、人とちょっと違ったものにしようという意識が必要というか。なんか見たことあるヤツだな、っていうのはちょっとやめたり。
―じゃあ、キャラデザインも生き方や動機の設定という部分とリンクさせた方がいいんですか？
そうそう。それも一致するというのが基本ですよ。で、動機というのはやっぱりね、その作家のものの考え方、一人一人の見てきたもの、経験なんじゃないかと思うんですよね。
―なるほど。それから、すごく巧妙な物語のトリックについてお聞きしたいんですが。
それはまず、何を描くかを一個決めて、それに合わせていくっていう感じです。先週からの続きっていうのもありますけど。例えば、岸辺露伴だったらマンガのためならクモでも喰う、みたいなことを決めて、その週は彼がどういうヤツかっていうのだけ描く。だから、二個も三個もあるのは絶対ダメです。二個も三個もある時は次の回にまわして、一つだけでいいんですよね。
―その一つを展開させるためにエピソードを作るという感じで？
ええ。クモまで喰うのは面白いなと思ったら、その前から何か変なヤツだなって風に展開させていって、「あ、やっぱり変なヤツだったよ」っていう流れにするんです。で、「こいつが敵かよ？ちょっとやばいんじゃないの？」って思わせたりとか。主人公としてもどうしていいかわかんなくて、「どうやって闘うんだよ？」って思うじゃないですか。
―確かに！そういうのはすごくスリリングで怖いですよね。
あと、物語の進行の基本がサスペンスにあるっていうのかな。そこが人と違うのかなといつも思ってるんですけど。ナゾとかが基本というか。サスペンス映画が好きだから、始まって何分後にナゾが出てきたとか、人が死んだとか、そういう風な起承転結やテクニックをすごい勉強しましたね。とにかく起承転結が好きなんですよ。やっぱ四コママンガ的な基本というか。食事とかも前菜、スープ、メイン、デザートみたいなのが好きなんで（笑）。
―最後に、少年誌っていうのは人が初めて見る物語の媒体の一つだと思うんですけど、それに関して意識してることはあります？
いや、それはほとんどないですね。でも、例えば子供を殴っちゃいけないとか、最近ちょっと規制が増えたので、逆に描きづらいかも知れないですね。でも、少年誌という意識は自分では全然してないです。だってそれを意識してたら、外人を主人公にしちゃダメだよとか、主人公殺しちゃダメだよとか（笑）、さんざん言われてきたことをやってるわけで。でもそういうのは打ち破っていかないと。意識してたら逆にダメかも知れない。「やるな」っていうことをやるのは人間好きだから（笑）。でも、タバコを吸うシーンとかは描かないようにしてますね。直接クスリやったりするシーンとか。
―そういう状況があっても、シーンとしては描かない、と。
そう。暴力シーンやエッチなシーンとかはあんまり意識してないと思いますけど。
―そうすると今までわりと自由に描いてきた、っていう感じですか？
それはそうですね。描き直しも何回かはありましたけど。でもやっぱりマンガ家になる人はそういうことをちょっと考えてからやらないと。表現としてはどうなのかな、と思うことはありますから、自分で基準みたいの決めた方がいいと思いますよね。
イラストラフスケッチ
つねに時代のムードを反映させている「ジョジョ」の世界、荒木さんとしては、映画やテレビ、小説などで今流行ってるということは、もう古いということだから描かないようにしているとか。「仗助とか承太郎にピアス入れるとき勇気いったよね。あの時代は一般的じゃなかったから、マンガの主人公がやっていいのか？って思って」。また、最近は入れ墨やタトゥーの模様、グラフィティなどに関心があり、写真集を見ているという。「グラフィティはストリート技術というんですかね。描いてみるとなかなか描けないんですよ。アシスタントにやらせても何か違うんだよね。抽象画っぽいというか、このかっこよさ、悪そうな感じが出なくて。環境が出てくんのかもしれないですね」。
少年誌には珍しくピンクや水色などカラフルな色を使う荒木さん。色味に関しては、聞いてみたところゴーギャンの影響があるとか。「ゴーギャンって、浜辺をピンク色に塗ってバカにされたっていう画家なんですよ。でも、そこがいいなと思うんです。その水色とピンクの対比というか。色の組み合わせにはパワーがあると信じてます。この色とこの色が並んだときに出すパワーとか。力のある組み合わせがあると思うんですよ。地味なヤツもいいですけど。色は古典的なところから学んでたりしてますね」。ちなみにキャラ造形についてはこんな逸話が。「誕生日や血液型、好きな映画を決めるのはプロフィール考えるときの基本で、やらないとダメだと思うんですよ。あと、前は相性占いまで調べてたんですけど、当たってないな、と思ってやめたんです（笑）。動物占いが流行ったらそれもかな、と考えてたんですけどね（笑）」。
これがカラー原稿用のラフ案。左二つは扉ベージの試案で、右は隣のイラストのラフ。ラフ案に関しては机の周りに置かれた『イタリアン・ヴォーグ』などの海外ファッション誌を見ながら、流線で構図のアタリを取っていくという荒木さん。なんと男性を描くときも女性のファッション写真を参考にしているという。「男性の写真って普通に立ってるのが多いから、面白くないんです。例えばスティーブン・マイゼルの写真とかって、体のどの部分なんだコレ？みたいなのあって面白いと思うんですよね。それに印象に残るのはこっちの方じゃないですか」。扉のラフに関しては、このままだとお尻が入らないからずらし、肩や首の角度も直したそうだ。また、注意して描いてる部分は「肩のボリューム、ウエストライン、あと膝下が長い人が好きだね。膝下長いっていうのはカッコイイ条件だから厚底サンダル履く気持ちが分かる（笑）」とのこと。
プロット
肉体派キャラのルーツについて聞いたところ、キリシャなどの古典西洋絵画の伝統にあるという。「昔は肉体美に生命力というかそういう意味を感じてて。シュワルツェネガーとかの全盛期で、面白い作品いっぱいあったから。でも今は女性の方がバキバキになってるから、男性よりそっちの方に変わってきてるかもしれないですね」。ただ、キャラを描くときの意識としては、「女性とか男性の区別はなくて、人間として捉えてます。これからのマンガだとは特に区別しない方がいいかも知れないですね」とアドバイスをしてくれた。
「ジョジョ」においては男女問わずキャラがセクシーなのは有名だが、そのヒミツが分かるワンショット。F・F（エフ・エフ）の目元、眉毛に注目。目の縁取りはペンで描かれたものだが、外側、いわゆる化粧でいうアイラインを黒のマーカーで太めに描いているのだ！ ちなみに男性キャラの眉毛についてはこんな逸話が。「少年マンガには、絶対眉が太くなければいけないっていうキマリみたいなのがあってね、私もそれを克服するのに何年かかったことか（笑）。それは川崎のぼるさんの「巨人の星」の呪縛で、それがとれてきたのが仗助の頃です」。
上は画集用に描き下ろされたイラストからスタンドが集合している一枚。左はスタンドのラフ案など。スタント造形に関してもデザイン的に奇妙で印象に残る方を重要視するという。「テーマがあるんですよ。闘う形とかね。肉体派でパンチを繰り出すな、と思ったらそうするし。例えばザ・グレイトフル・デッド（カラー図版右端の緑のスタンド）、あれはパンチがいらなから手をとって全部足にしたんです。要するに彼は機能を100%どう活かすかという、機能性のために形ができてる代表選手かもしれないですね」。ちなみに、第三部に出てくるマジシャンズレッドはエンキ・ビラル「ニコポル三部作」のホルスからとったんですと笑顔で教えてくれた。
洋楽しか聞かない理由
洋楽しか聞かない理由 最後にちゃんと聞いた邦楽は、たぶんシーナ＆ザ・ロケッツの『ユー・メイ・ドリーム』だと思う。紅白歌合戦はまず25年以上は見てないし、桑田佳佑だとか松任谷由実、宇多田ヒカル、浜崎あゆみ。名前は雑誌でみてすごい有名らしいってのは知ってるけど、どうゆう歌を歌ってる人なのかまったく知らない。 家にある邦楽アーティストのCDはたった一人、渡辺貞夫。
どうしてわたしはこんな人間になっちゃったのか？邦楽は本当にまったく聞かない。
人と邦楽の話がまったくできない。すぐ話題を「浜崎あゆみのマツゲは本物ですか？」などと違う方向へ、持っていってしまう。音楽誌のインタビューで「邦楽ベスト5」をあげてと言われて、教師の前で九九を忘れた小学生のようにこおりついてしまった。
なぜこんなんなっちゃったのか？
答えはたぶん自分がマンガ家だからじゃあないかと思う。
仕事をする時はBGMにあらゆる音楽はずっと流して聞いているのだが、仕事中の自分の意識はマンガの中の登場人物の心情に集中されている。キャラクターの喜怒哀楽を考慮しながら絵を描いてるわけだ。そこにBGMが日本語の歌詞で「わたしは天使なの」とか「寂しさには負けない」だとか「胸が痛い」とか言われると。今そーゆーシーン描いてんじゃあないんだけどなーと、気分的にジャマなのだ。時にはなぜか怒りとかわいてくる歌詞とかあるし、おまえにそんな事言われたくないよ、なんてムキに思ってしまうものもあって、日本語は感情がストレートすぎる、仕事中には向いてない。・・・というわけで、だんだん邦楽は聞かなくなってしまったのだ。と自分で分析する。 で・・・ずーっと聞いてないとどうなるのか？タクシーとかに乗ったりして、運転手が聞いてるラジオからたまたま半強制的に邦楽を耳にしたりするのだが、これが全部同じ歌手同じ曲に聞こえるような感覚に自分がなってる事に気づいた。
明らかに感覚の衰退だと思った。音楽は勉強し続けなくてはならないものであるのは確かなようだ。
・・・で、わたしは「洋楽だけ聞いてよ」っと思ったのだ。
Did you think Polnareff would appear in "Golden Wind"?
First of all, Polnareff and Jotaro's personalities were always meant to be opposites. Jotaro has an imposing, cool personality and doesn't really move around that much, so to contrast that I wanted an impulsive character that would run around like crazy. It's like the difference between being 'static' and being 'dynamic' you know? Polnareff was also quite fun to draw and it was easy to manipulate his movements, so I ended up using him quite a lot.
His hairstyle also turned out pretty good. The other characters all have fairly flat heads, so if Polnareff is also in the panel, it ends up creating a perfect balance overall. During Part 4: Diamond is Unbreakable, I got a ton of letters from fans asking where Polnareff was and what he was doing. And so, a part of the reason why Polnareff ended up showing up in Golden Wind was because I wanted to answer that question, of what he had been up to after Stardust Crusaders. I wanted to say that just like Jotaro, he has been fighting hard this whole time.
エジプトを目指す旅にしたのはどうして？
当時の担当が、エジプトにものすごく詳しかったんですよ。エジプトの古文書とか遺跡とかの文字も読めるくらい。「これはいい！」と。それと、やっぱりエジプトって神秘的な感じがしたからですね。最終目的地はエジプトというのを先に決めて、それからルートを決めていきました。『スターダスト・クルセイダース』の後に､『電波少年』で猿岩石が旅したルートも大体同じでしたね。だから、間違ってはいなかったのかな？取材でエジプトやアジアの国なんかにも行ったけど、あまり好きじゃあないんです(笑)。マンガにも描きましたけど､エジプト人は見るからに怪しいし。ホントにスタンド使いみたいでした(笑)。 う～ん、好きな国はやっぱりイタリアなんですよ。イタリアにさえ行ければ、他の国にはもう金輪際、行けなくてもいいくらいです。イタリアは、やっぱり美術館にいけるのがいいんです。印刷物とは違って、有名な絵画の実物がある！これは何度でも足を運ぶ価値がありますね。他の人が､演劇とかに行くのと同じ感覚だと思います。でも演劇は、そのときどきに違ったりするけど、美術館はもう､絵画の究極の姿があるわけだから、何度でも行きたくなります。ダ・ヴィンチとか、ロダンとかが好きですね。 よく自分の絵柄は独特だといわれるんですけど、自分からすると基本に忠実な絵だと思っています。ルネッサンスが絵画のオリジナルですから、僕はそれに忠実に描いているだけです。自分からすると、他のマンガ家さんのほうが異端だなぁと思いますね。
どうして承太郎を学ランにしようと思ったのか？
何度も行ってますけど、やはり『バビル２世』のイメージが強い。学生服で砂漠に立っているというインパクト。今考えても、『バビル２世』のあのコマはすごい。もしあの絵をリトグラフとかで売ってるんだったら、ぜひとも部屋に飾りたいですね。日常と非日常が同時に存在している､というところがいいんですよ。 承太郎のは、普通の学生服だとつまらないんで、いろいろアクセサリーを付けたりしてみました。ホントはあんな学生服ありませんけどね。僕も中学高校は学ランでした。でも、承太郎みたいなあんな長ランは着てません(笑)。
ジョセフはどうして連続登場した？
ジョセフは第２部『戦闘潮流』との橋渡し役なんですよ。毎回、部が変わるごとに、橋渡し役と出すようにしています。『戦闘潮流』の頭にはスピードワゴン、そしてジョセフ、承太郎、康一・・・というようにね。それに、ジョースター家は短命で、一生涯一人の女性しか愛さないと言われてるけど、ジョセフだけは例外だという設定にもしたかったんですよ。性格的にもジョースター家の中では異端ですしね。
アブドゥルはいったいどんな役割？
アブドゥルは参謀役ですね。本当は､一番年のいったジョセフがそんな役回りをやるんだろうけど、ジョセフの性格じゃあできないだろうと思ったから登場させました。スタンドという新しい概念も登場させたので、スタンドの事について詳しい解説役でもあります。
花京院の死の直前に生い立ちが明らかになったのは？
花京院には戦う動機というのを、ちゃんと考えてあげたかった。花京院が仲間になってからずっと、それは考えていたんですよ。承太郎、ジョセフはホリィを助けるためだし、ポルナレフは妹の件があったりする。でも花京院には何もなかったから､その理由をつけてやりたかった。命を賭けてまで戦う理由を・・・死ぬ間際にそれを描く事が出来てよかったです。このことは、第５部『黄金の風』の仲間たちも同じなんですよ。ブチャラティやナランチャたちの戦う理由をちゃんとつけてあげたかった。だから、それぞれ過去の話、どうしてギャングになったのかをちゃんと考えたんです。
ポルナレフは『黄金の風』に登場すると思っていた？
まずポルナレフは、承太郎と対称的なキャラクターにしたかったんですよ。承太郎はクールでどっしり構えていて、あまり走らせたりもしないと決めていたので、走りまくる､直情的なキャラクターが欲しかった。静と動ですね。ポルナレフは、かなり描いてて楽しかったし、動かしやすかったですね。だから結果的に、かなり活躍してます。あと、髪形もよかった。他の仲間たちがぺしゃんこな頭ばかりだったので、コマの中にポルナレフがいるとメリハリも効いて絵になるんですよ。『スターダスト・クルセイダース』が終って､第４部『ダイヤモンドは砕けない』になってから､ポルナレフはどうしているのという読者からのはがきがとても多かったんです。だから『黄金の風』ではポルナレフが『スターダスト･クルセイダース』の後、どうしているかも描く意味で登場させました。承太郎と同じように、彼も戦っていたんだよ、というのを描いてあげたかった。
犬をどうしてスタンド使いに？
僕は､弱そうなヤツが実は強いというのが好きなんですね、基本的に。ちっちゃくてブサイクな犬が強いというのは面白いんじゃないか？と思って、イギーを登場させました。助っ人として現れて､人間だったら普通じゃないですか。それが犬だったら面白いな､とも思いましたね。『ダイヤモンドは砕けない』では、さらにそこにこだわりました。本体は弱そうでも、スタンドは強い。ドブネズミのスタンドとか、重ちーとかもそうですね。
ホル･ホースを仲間にする気はあった？
ホル･ホースは、仲間にしようかと思ったりもしました。でも、仲間になるヤツばっかりだと面白くないなと思い直して・・・仲間になりそうでならないヤツがいてもいいんじゃないかと。ホル･ホースの性格を考えると、仲間にはならないですよ。けっこういいかげんな性格で、あっちへふらふらこっちへふらふら。コウモリみたいなヤツ。でも、ホル･ホースはもっと登場させたかったですね。ポルナレフと同じくらい､動かしやすいキャラだったし、描いてて面白かった。あと何回か、登場させてあげたかったですね。
DIOはいったいどんな存在？
『ファントムブラッド』の頃から､３部構成で・・・ということは考えていて「３部の最後はDIOを倒すんだろう」とは漠然と思っていたんですよ。『警察署長』というTVドラマにもなった小説があって、代々警察署長の家系の話なんですよ。それでも、最初におきた事件を子孫が解決したりしている。それをやりたかったんです。善のジョースター家に対して、シリーズ全て通して悪の存在がDIO。圧倒的な悪。『スターダスト･クルセイダース』でDIOは倒されましたけど、その後の物語でも、DIOの悪の精神は残っていて・・・ジョースター家は代々、その邪悪な精神と戦っているんです。『ストーン･オーシャン』でも、DIOは出てきませんが､DIOが残した邪悪な精神と徐倫は戦っています。DIOを描く時は、いつも気合が入りましたね。DIOが出てくると、雰囲気もなんか変わるんですよね。マンガの中の空気がこう、張りつめるというか・・・。生き物本来の弱肉強食の世界からすると、DIOのやってることは正しいことなんです。人間が生き延びていきやすくするために作った 、社会の常識ということからは外れてますけどね。弱肉強食の世界から考えると、DIOは普通の行動をしている。DIOを描く時は､自分もDIOの気持ちになってます。・・・こんなこというと、反社会的だっていわれるかもしれないけど、ある意味DIOは自分の憧れの存在です(笑)。
Childhood
People are often surprised by this, but I used to play little-league baseball. Although, there was one absurd aspect of the team I didn’t like. I used to think, “Why does that kid keep getting put in when I’m the better player?” Maybe I was being selfish, but it meant that I didn’t have a space where I was able to be myself. Despite that, I still kept playing, but I still don’t even know why I suppressed those feelings to do so. Starting in middle school, I began doing Kendo. I decided, “I’ll never take part in another team sport like baseball ever again” (haha). Around that time, I noticed that my personality wasn’t really meant for groups. I read books by myself, looked at art, drew, and I noticed that doing these things alone made me feel pleasant. Being immersed in that world by myself was fun.
Twin Sisters
Now that I think about it, the fact that I liked being alone was probably in part because of my family. I have two little twin sisters that are 4 years younger than me, but their presence is considerably large. This is when we were children, but if I were to give you an example, there was one time that my mother was preparing for us three pieces of cake as an afternoon snack. Since my sisters usually get back home faster than I, they usually eat first. So, they must’ve been thinking, “(If we eat big brother’s piece) He won’t know, right?” My sisters conspired to eat my piece of cake. Well, if they would’ve just asked I wouldn’t have minded (haha). I wonder how many times they tried to trick me like this. We fought, but they would both start crying at the same time, and, even though I wasn’t a bad kid, it made me feel bad. I always felt like I was getting blamed for something I didn’t do, so I ended up not liking coming back home. I saw this strong bond between my sisters, and it made me a feel a strange sort of alienation. Mentally I was an only child (haha). That’s why I think I ended up liking doing things by myself. Nowadays our relationship is normal, my sisters and I (haha).
Manga and stories you were passionate about
Those days I was really into Star of the Giants and other manga by Ikki Kajiwara. They taught me more about life, I think. A little bit later I got into things like Ashita no Joe. Of course, I loved Tezuka-Sensei’s manga too, but the manga I ran to buy every week was Kajiwara-Sensei’s. Now that I’m thinking about it, I think Kajiwara’s manga had an influence on me wanting to start Kendo in middle school. Besides manga, I read a lot of Edogawa Ranpo’s book series and the Sherlock Holmes series. I wonder if I was already starting to draw stuff like manga around that time. I might’ve been trying to reproduce the coolest and most popular characters from those series, but I don’t remember. From the beginning, this was the world I drew from.
High School Days
During one’s high school days*, your path in life and your future start to gradually feel more real. Due to my personality, I thought that the lifestyle of working in someplace would be impossible. Around that time, I started thinking about the power of manga. It had the power to make readers keep flipping pages, the power to make the reader anxious for new developments in the story, the power to make readers run and buy the newest chapter on the very day it’s released… I think the power of manga is incredible. From that point on, I had a strong feeling that I wanted to become a mangaka. In terms of manga I was reading at that time, I really got into Yokoyama Mitsuteru-Sensei’s suspense manga. It was a lot different than Kajiwara-Sensei’s fiery “I’m gonna rise in this world!” type of manga. This was more focused on character motives and strategy, with the criminals being more dry and business-like. At the same time, kids wearing school uniforms were hanging around ancient ruins, it was both a comforting and discomforting feeling. “So, manga like this exist too” I used to think; it felt fresh. Besides that, the Lord of the Flies short story left an impression on me. It made me think. It had a similar theme to Jules Verne’s Two Years’ Vacation, where a group of young boys wash up on a deserted island. However, in Lord of the Flies, there’s a factional dispute among the boys, all the way until the end where they end up wanting to kill each other. I really think Lord of the Flies was the more realistic of the two books. Those days were when my first contribution to Jump was selected for an honorable mention. My name was printed in the small corner of one of the pages. That made me extremely happy. Even to this day, it might be the happiest moment of my life.
- In high school, I was part of the cycling team. My best subjects were science and mathematics, while my worst was English.
Vocational School Days
I submitted my work several times, but I was criticized for a lack of artistic ability. I thought, "Well, I'm going to need to get better at drawing," so I enrolled in a vocational design school in my hometown of Sendai after graduating high school. I had a friend at the time who excessively praised my work. Thinking about it now, it wasn't really a great manga, but he would constantly say, "Oooh, I like this, this is so cool... let me read some more." Look at that, being encouraged by people makes you feel good and it helps you get motivated, doesn't it? (haha). Those words really did encourage me and helped me out. As I continued to submit my work, I had the idea of bringing it directly to the editing department in Tokyo. The editors who looked over my work gave me several hints. Things like "this part is no good" or "put this scene here." They also pointed out all the inconsistencies and problems with my drawings. Even at that time, I had a tendency to draw the characters very differently at the end compared to the beginning (haha). But the works where I implemented those fixes ended up being better than the ones where I didn't. Even I was able to feel that. This work, which I fixed up based on the advice I received, ended up being my first work to win an award.
少年時代
意外だっていわれるんですけど、少年野球をやってたんですよ。でもね、団体スポーツの不条理な部分が嫌で。「オレのほうがうまいのに、なんであいつがレギュラーなんだ」とか思ったり。わがままだったのかもしれないけど、居場所がないなと思ってましたね。自分を抑えてまでやる意味もわからなかった。それで中学から剣道を始めたんです。「もう野球みたいなチームスポーツは絶対やらんぞ」と心に決めて（笑）。そのころからですね、自分は集団に合わない性格なんだって気づきだして。ひとりで本を読んだり、絵を見たり、描いたりしてる時間の心地よさに目覚めた感じですね。ひとりでその世界に浸ってる状態が楽しかった。
双子の妹
今にして思えば、ひとりの世界が好きっていうのは、家族関係も影響してると思うんです。僕には4つ年下の双子の妹がいるんですけど、彼女たちの存在は相当大きい。小さいころの話ですけど、例えばおふくろがおやつにケーキを3つ用意してくれていたとするじゃないですか。たいてい、僕より妹たちのほうが帰宅するのが早いから、先に食べてますよね。そうすると、「（お兄ちゃんの分も）食べちゃえばわかんないんじゃない？」とか思うんでしょうね。妹どうし、結託して僕の分も食べちゃうんですよ。僕だって、くれって言われれば別にあげるんだけど（笑）、なんかこう、知らないところでよくだまされてたっていうのかなぁ。ケンカしたりしても、僕は悪くないのに、2人いっぺんに泣かれたりすると、こっちが悪い気になってきちゃう。もうね、常に無実の罪を着せられてるような気持ち。だから家に帰るのがだんだん好きじゃなくなってきちゃった。妹どうしの絆の強さを目にしてたから、妙な疎外感を感じちゃってて。精神的なひとりっ子ですね（笑）。そういうわけでよけいにひとりで何かを楽しむことが好きになったんだと思う。別に今はふつうの仲ですよ、妹たちとは（笑）。
熱中していた漫画・小説
当時は『巨人の星』とか梶原一騎の漫画にはまってましたね。もう人生まで教えてもらったと思ってます。もう少し経つと『あしたのジョー』とかにはまってました。もちろん手塚先生の漫画も大好きだったんですけど、毎週発売日に走ったのは、梶原先生の漫画だったな。中学に入って剣道を始めたのも、今思えば梶原漫画の影響だったと思います。漫画以外だと、江戸川乱歩シリーズとか、シャーロック・ホームズシリーズはよく読みましたね。そのころはすでに漫画のようなものを描きだしてたのかな。でも不思議と、人気キャラクターを模写してたって記憶はないんですよね。最初から、こう自分の世界で描いてたというか。
高校時代
高校時代（※）って、だんだん自分の進路とか将来がリアルに感じられてくるじゃないですか？ 僕の性格上、どこかに勤めるという生き方はできないなって思ってましたね。ちょうどこのころ、漫画の力というものをね、考えたりしたことがあって。読む人にページをめくらせる力、次の展開を待ち遠しいと思わせる力、発売日と同時に走って買いにいかせてしまう力・・・・・・。やっぱり漫画の力はすごいあるなと思って。このころからですね、漫画家になりたいって強く思うようになったのは。 漫画では、横山光輝先生のサスペンスものにもはまってましたね。梶原先生の熱くて「のし上がっていくぜ」的な漫画とは全然違うんですけどね。こう、もっと動機とか駆け引き、事件性をドライに追っていくという感じ。その一方で、学生服を着た少年が古代遺跡で活躍したりするような、心地よい違和感もあった。こういう漫画もあるんだなって新鮮でしたね。 ほかに印象的だったのは『蠅の王』という小説。これも考えさせられた。『十五少年漂流記』とモチーフは似てるんですよ、少年たちが無人島に流れ着いて、っていう。だけど『蠅の王』では、子どもたちの間で派閥争いが起こったり、しまいには殺し合いみたいなことになってしまうんです。僕には、断然『蠅の王』のほうがリアルだったな。 初めて投稿した作品がジャンプの選外佳作に選ばれたのもこのころでした。ページの下の角のほうに小さく名前が載ったりして。それはすごいうれしかったなぁ。今までの人生でいちばんうれしかった出来事かもしれませんね。 ※高校時代はロードレース部に所属。得意科目は理数系、苦手なのは英語だったとのこと。
専門学校時代
何回目かに投稿した作品で、画力が不足って批評されて。じゃぁ、絵がうまくならなくちゃいけないと思って、高校卒業後、地元の仙台のデザイン専門学校に通うことにしたんです。 当時、仲のいい友達のなかに、やたらと僕の作品を誉めてくれるやつがいたんですよ。今思えば、たいした漫画じゃなかったと思うんだけど、「おお、いいなぁ、すげーなぁ。また読ませてくれよ」っていつも言ってくれてて。ほら、人間のせられると気分もいいし、やる気がでるじゃないですか（笑）。その言葉にはだいぶ励まされたし、助けられましたね。 そうこうしながら投稿を続けてるうちに、ふと東京の編集部まで直接持っていこうと思い立って。そのとき見てくれた編集の人には、ホントいろいろ言われましたね。「ここはダメだ。ここにはこういうエピソードを入れて」とか。絵の矛盾や歪みも全部指摘されて。当時はまだ作品の最初と最後で、キャラクターの絵が違ってきちゃうようなこともありましたから（笑）。でもそうやって直しを入れた作品のほうが全然よくなってるんですよ。それは自分でも実感できるほど。アドバイスを受けて直しを入れたこの作品が、僕の初めての入選作になりました。
『魔少年ビーティー』
僕の連載デビュー作ですね。まだ仙台で描いているころです。この作品は当時、編集部で猛反発を受けたんですよ。いじめの描写もでてくるし、主人公もちょっとダークな側面を持ってましたからね。タイトルからして”魔少年”だし（笑）。清く、正しく、美しくじゃないけど、当時の風潮とは完全に逆を行く作品だったから、あやうくボツになるところだったんです。それを当時の編集の人が編集長を説得して救ってくれたという。何年か経ったあとに当時の編集長が「こういう時代になるとは思わなかったなぁ」と言ってたというのは聞きました。 『魔少年ビーティー』は、小さいころに読んだシャーロック・ホームズの裏返しという意味合いも強かったですね。ビーティーがホームズで、友人の公一がワトソン。公一の語りで話が進行していくとか、ビーティーのセリフすべてにいちいち意味があるというのも影響のひとつですね。あとは白土三平先生の『カムイ伝』『サスケ』かな。どちらも僕の好きな作品です。トリックの種明かしにページを割くっていう構成でも影響を受けてる。絵もそういうところあるかな。ビーティーがどこかカムイに似てるような（笑）。
『バオー来訪者』
『魔少年ビーティー』でトリックやテクニックを使ったいわば知的な作品をやったので、なんとなく次は肉体がテーマかなと思っていたんです。スタローンやシュワルツェネッガーが人気の時代だったし。それともうひとつ、世界的に遺伝子操作が騒がれだした時代だったんですよね。『バオー来訪者』は、そうした流れのなかで生まれた作品です。遺伝子操作で作り上げられた究極の生命体の話ですね。人間の本質とか、本当に強い人っていうのはどんな人なんだろうということもテーマにありました。自分の絵をいちばん模索してたのもこのころですね。
『ジョジョの奇妙な冒険』①
究極の生命体という、いわば“バオー”を発展させた考えの先にあったのが吸血鬼。不老不死というのもぴったりだし、相手の血を吸う、生命を取り込んで生きているというのも、究極の生命体にはまってた。吸血鬼ってダンディーなイメージもあるでしょう。それもよかったんです。 それでいよいよ、担当の編集の人に「次は吸血鬼を敵にした作品にします」ってことを伝えたんですよ。そしたら、彼がまたそういうダークな世界が好きな人で。僕がその話をしたときに、妙に目が輝いてた（笑）。専門学校時代の友達じゃないけど、うまくのせてくれる人が近くにいるとね、僕はどうしてだか、そっちに行っちゃうんですね。
『ジョジョの奇妙な冒険』②
“ジョジョ”は、壮大な大河ドラマにしたいと思ってたんです。吸血鬼の存在が噂されたのが1880年代だから、第一部はその時代から始まるということを決めて。その後、子ども、孫と現在まで続いていくような話にしたいと。ほかに決めてたのは、主人公の愛称をみんなジョジョにしようってことぐらいですね。波紋やスタンドも当初のアイデアにはなかったんです。
ルール
吸血鬼って夜にしか活動できない、十字架に弱いという、規制というか、ルールがありますよね。ルールがあるからこそ、漫画は面白くなる。話はちょっと違うかもしれないんですけど、僕は、自分で自分に課したルールに従って生きている人間やキャラクターにすごく惹かれてしまうんです。自分のルールに従うことで、たとえ立場が不利になったり、窮地に追い込まれたとしても、それを最後まで貫く。そこがたまらなくかっこいい。承太郎がどんなときでも帽子を脱がないというのも、ルールです（笑）。
いちばん好きなキャラクター
そのとき描いているキャラクターがいちばん好きですけどね。強いていうなら、第4部の仗助かな。1999年の設定だったんですけど、彼は学ラン姿に気合いの入ったリーゼントスタイル（笑）。「そんなやついね～よ」って話なんですけど、貫いてるでしょ？ だからかっこいい。それに彼は自分が父親や先祖から受け継いだものをしっかりと自覚している。仗助はジョセフの浮気相手の子どもなんだけどそこに悲壮感はまったくないし、ハッピーに生きてるってところもいい。何より心に熱いものを持っているからね、だからすごくかっこいいんですよ。
女性キャラクター
以前『コージャス☆アイリン』を描いたときにですね、女性を描くことに限界を感じてしまってたんですよ。例えば主人公の女の子が敵を殴る、殴られるというシーンがあるじゃないですか。それがもうすでに不自然というか。僕にはあまりリアルじゃなかったんですね。まだまだ女は女らしくという時代だったし、アイドルだってかわいければいいという感じでしたから。だからね、逆にいつかは女性の主人公をもう一度描きたいって思ってたんです。ほら、今って殴られてすぐさま殴り返す女性を描いたとしても、とってもリアルじゃないですか（笑）。女性が強いということがリアルな時代。第6部のジョジョが女性っていうのは、そういう時代性もありますね。
過去の作品に対する思い
僕にとって過去の作品は日記みたいなもの。記録なんです。ほかの作家の方はどうかわからないけど、どの作品でも「あれは失敗したなぁ」とか「自分の歴史のなかで、なかったことにしたい」なんて気持ちはまったく起きないんですよね。例えば前のページでは右足をケガしてるのに、後ろのほうでは左足になってたなんてことがあっても（笑）、それはそれでいいと思っちゃう。コミックとして出版されるときには、やっぱり書き直してほしいって言われるんですけどね。それでも僕は、「できればそのままにしておきたいなぁ」と。直したくないんですよね。汚点もまたよし。それも含めて僕の記録だと思ってますから。
イタリア
食べ物も街並みも全部好き。イタリアは本当に好きですね。興味ないのはサッカーぐらい。ファッションも好きなんですよ。とくに80年代のベルサーチ（※）とかね。「こんな服ありかよ」ってぐらいパワフルだったでしょ。巨大な金の鎖がシャツ全体に描かれてたりとかね、初めて見たときは相当ショックを受けました。もちろん“ジョジョ”のファッションのルーツもこのヘんにあります。踊ってるような、ねじれてるようなポージングも影響受けてるなぁ。奇抜でエレガントな衣装に妙なポーズ（笑）。全然ありですよね。 ほかにイタリアというと、怪奇庭園もいいですね。変わったもの好きの貴族が、お金と権力にまかせ集めちゃいました、みたいな美術館とかも好き。やっぱり奇妙なものに惹かれるなあ（笑）。でも自分自身はモノに固執しないんですよ。コレクターじゃない。持ってる本も完全に資料ばかりですし。そういえば、車の免許も持ってないし、携帯も持ってない。パソコンもやらないしな。でもなぜかボートの免許は持ってたりするという（笑）。変わってるねとよく言われます。 ※イタリアを代表するファッションブランドのひとつ。斬新かつ絢爛な色彩や柄も有名。創立デザイナーのジャンニ・ベルサーチは97年に亡くなった。「すごいショックでしたね。彼の新作がもう見られないのかと思うと悲しい」と荒木氏。ちなみに荒木氏は80年代のモスキーノなどからも影響を受けたと告白。現代のデザイナーのなかではジョン・ガリアーノ（現クリスチャン・ディオールデザイナー）がお気に入りとか。納得。
もし漫画家になっていなかったら
イタリアンレストラン（※）のウエイターとかがいいですね。なんかこう、テキパキ仕切っていく感じの。常にサービスすることを考えていたい。お客の好みを覚えてたりするような、気のきいたウエイターがいいな。 ※オフの日など、イタリアンレストランに行くのが楽しみという荒木氏。「以前、イタリアに行ったときなんだけど、ナスを揚げたものにチョコレートをかけて食べるって料理が出てきたんですよ。最初は誰でも『えぇ！』って思うじゃないですか？ でも食べるとすごくおいしい。自分にとってなじみのない組み合わせがおいしかったりしたらもう最高ですね。『新発見！』という感じ（笑）」
漫画とは
僕にとって漫画とは。う～ん、描いてるときの気持ちそのものですね。だから、例えば過去に誰もが認める最高傑作を描いたとして、その作品を超えられないと悩むとか、スランプに陥るってことはない。常に今描いているものがいちばんいいと思ってるし。それに最高傑作といっても、見方によっていろいろ違うものじゃないですか。人によってはアンケートの人気かもしれないし、売り上げかもしれない。自己満足できたかどうかという見方だってある。もちろん読む人それぞれで最高傑作は変わるものだし。 だからこそ僕は、毎回一生懸命描くってことだけを意識してます。現在進行系の気持ちをぶつけてる感覚ですね。
閑静な住宅街に佇む荒木氏のアトリエにて。
「道具へのこだわりは特別ないですね。気にしてるとすれば、10年経って、描いたものが薄れてしまうようなインクとか、すぐボロボロになっちゃうような紙は使わないってことぐらい」 と荒木氏。職業柄、徹夜仕事が多いのではと問うと、 「仕事で徹夜はしませんね」。
It seems Stand designs have gradually changed over the course of the series.
I'm often told they even differ depending on the scene. But like I always say, "they're not robots." (laughs)
Do you not focus on accuracy?
I generally keep them the same, but how the art looks takes priority, as does choosing colors. For example, using red and blue for one illustration, and yellow and red for another. But I was taken aback when asked, "You don't use the same colors each time?" To which I thought, "Does it have to be?" (laughs) People who watch anime might think, "a character's color has to be the same every time," but for me, it's "color for the sake of the art." There are some color pairings that just do not suit each other, so I have to change them. That is why I calculate the colors when using them.
Fugo disappeared halfway through the story; why?
Originally, I was thinking of a story where Fugo betrays Giorno and his friends. The bible has a similar account involving a traitor named Judas, and that's what I was trying to do, but I kind of hated it. I had this feeling that if I depicted a betrayal, the story would become too dark. So, I had Fugo leave right away through a difference of opinion. As an alternative, I asked the authors of the novel (Note: GioGio's Bizarre Adventure II: Golden Heart, Golden Ring) to depict Fugo right after he left. He betrays them, but is actually helping Giorno and the others, so it's sort of like a gaiden / side story.
To Ryosuke Kabashima, Editor-in-chief of Weekly Shonen Jump: I could never thank you enough, but...I'd like to take this opportunity to express my gratitude. Your every word gives me courage. JoJo's Bizarre Adventure would have never existed without you.
When I was little I often fought with my two younger sisters, they're twins, and every time I was bickering with one of them the other one, sooner or later, would start crying. "Why are you crying!?", I always asked, angrily, but in the end it was always me who got in trouble and was scolded for whatever reason.
This strategy was really just the result of my sister's teamwork and they used it to create a situation where, no matter what I said to my parents to justify my action, the fault was mine regardless. I swear I tear up every time I hear the story of someone who goes to prison because they get charged for a crime they didn't commit on the news! I was always praying for those brats to disappear; I got to the point where I was sure there was a curse on me that caused people to always misunderstand me. It happened at school too; whenever something bad happened, the teachers were always putting me in the "suspects' list" and this got me thinking that maybe it was because of how I normally behaved!
However, while the second part of JoJo's Bizarre Adventure was being serialized in Weekly Shonen Jump magazine in 1988, I was desperate to find an original idea (I admit it's a bit weird for me, being the author, to talk about these kind of things, but since is an afterword it's okay to dwell on memories, right?). I was looking for something that didn't represent physical strength, but a more spiritual thing that came from the heart. Up to that moment, when the topic was "superpowers", it was always the same thing: the characters opens their eyes wide, the character starts sweating, the character's veins start building, the character destroys rocks, etc. In JoJo, we have an extra corporeal projection that manifests, takes form, and it's this manifestation that breaks the rock, not the character... 'Yes, this could work! I can represent a soul's strength this way! More than superpowers this is "spiritual strength"! That's it, this is new! There's no other way to transmit this!'
My manager gave me permission and it's with this concept that I started drawing part three, but...as soon as the first chapters came out all the readers' comments were like: "I don't really understand," or "what's happening here?"
I was desperate, it was like that part of me that was condemned to always be misunderstood was coming out again. I didn't know what to do, since no one understood me. Maybe I didn't explain well enough, or maybe the change had been too sudden, but how was I otherwise supposed to represent these types of powers?
It looks like when I left Sendai for the first time to live in Tokyo to be a mangaka, my grandmother started praying in front of the Buddhist alter she has at home, every time she heard about an homicide in Tokyo, hands joined, she started praying for the culprit to not be me...I really don't understand this. I think no one in my family actually ever understood me and , even worse than that, maybe not even my readers could!
At that time my manager told me that it's important to have faith in yourself and draw what you really prefer: this is what it means to be mangaka! You only need a whole lot of courage!
(Even now I don't really think that manager understood me either...Well, at least more than my sisters, for sure.)
「僕にジョジョのノベライズをさせて下さい。大好きなんです！」そのひとことが、漫画界の巨星・荒木飛呂彦先生と小説界の若き俊英・乙一先生を出逢わせた・・・。
荒 最初、「乙一」って「おといち」さんだと思ってました。
乙 「おといち」でもうばっちりです。「きのとはじめ」と読んだ人もいますから。
編 乙一さんは、子どもの時、少年ジャンプの発売を待ちこがれて買いに行ったほうですか？
乙 行ってました。福岡は火曜発売だから月曜発売のところが羨ましくてしかたなかったです。
編 やっぱり『ジョジョ』を・・・。
乙 読みます。
編 『ジョジョ』をそんなに気に入ったところって、どこですか？
乙 ほかの作品にない、何かがありましたね。
編 荒木先生は「ほかの作品と自分の作品はこう違うんだ」というものは・・・。
荒 ないですね。ただ、何かね、僕は人から誤解されることがすごく多いんです。例えば兄弟の中ではね、妹が悪いのに僕のほうが怒られたり、無実の罪というか、そういうのが子どものときから多いんです。あと、何か学校で事件があったとすると、容疑者が僕だったりとか、何か日ごろの言動のせいかもしれないんですけど・・・。漫画も「100%理解されてないのかな」というのがしょっちゅうあって。でも、もうなれてしまって、それでもいいかなという感じで、無理に合わせようとしないんですよね。例えば編集部とかもこうしろとかって言ってくるんですよ。だけど、できないときはちょっとこのまま行くかなみたいな。貫くと言えば格好いいかもしれないけど、何というか、気にしないことにしている。そうすると、自然とこういう感じになるのかなというのもあるんですけど。
乙 僕は編集の人からは、何も言われませんね。
荒 それはいいですね（笑）。でも、無実の罪とかあんまりないでしょう。
乙 いや、ありますよ。それがほんとうに苦痛になって、一本書きました。
荒 あるんだな、やっぱりみんな。
乙 僕はクラスで全然しゃべらないんですよ。それで、ずっと黙っていると、相手が勝手に僕のことを想像するわけです。僕がずっと黙って座っていると、何かこんな人間なんじゃないかとか、勝手に思われていて・・・。それに全然クラスメートとコンタクトはなかったので、普通に生活していると、いつの間にか、全然自分の知らない僕のイメージができ上がって、いろいろな誤解を・・・。
編 例えば根暗なんて言われてた・・・？
乙 根暗。それは正解ですけど（笑）。
荒 誤解じゃないんだ！
乙 研究室配属のいざこざがあって、ちょっと僕が不正をしたような、だめな人間のやることをやったようなふうに誤解されて。でも、あんまりクラスメートとかコンタクトはなかったので、それは誤解だというふうに弁解する相手もいなくて、まあ、しようがないかなと思いつつ、過ごしたりして・・・。多分、今でもそんなふうに思われているんじゃないでしょうか。
荒 でもね、無実の罪もずっとやっているとね、あるとき認められるときがあるんですよ。それを知ると、誤解されていても、何かちょっと時期を待とうかなとか、それを学んでくるんですよ。漫画家になったときに、ちょっとそれを学んだんですよ。学んだというか、そういうものなのかと思うんですよ。認められたのは、やっぱり漫画だったんですよ。少年のときはほんとうに誤解されることが多くて、だけど、何か自分の好きなことで少年ジャンプで賞とかに入ったら、これでいいのかなと思ったとき、それが始まりだったかもしれないですね。やっぱり自分を変えないほうがいいというか、変えなくても、やり続けていると、二年後とか三年後に、だれか理解してくれる人とかが出てきたりとかするんですよ。
編 乙一さんは、ジャンプ小説大賞で大賞をとられてから、何冊か話題の本を出されて、今では世の中に認められた存在ですが、どこか自分の中での変化を感じることはありますか？
乙 うーん、何か微妙です。
編 微妙。
乙 変わらずに、そういうコンプレックスを、恨みみたいなものを、ずっと持っていたほうが、書く原動力になるような気もするし、そうやって認められてよかったという気持ちもあるし・・・。
荒 でも、乙一さんはすごい若くして認められていますよね。最初の作品とかは、友達みんなが「これは面白いな！」とかっていう感じだったんですか。 乙 いいえ。僕の身の回りには、そう言ってくれる人はいなくて、いろいろな人にも黙っていて。
荒 でも、手ごたえみたいなものがあって、「これはいける」という感じじゃないんですか？
乙 賞をもらった時は、何かの間違いだと思いましたね。むしろ「やばい」って・・・。それに受賞した作品は、幼い子供が死体を隠しまわる話ですから、親にすごく心配されました。
荒 それはあるよな。うちのおばあちゃんは、僕が上京したときに、東京で殺人事件とかが起こるとニュースが全国に流れるじゃないですか。犯人は僕だと思って、いつも仏壇に「違いますように」と願ったらしいんですよ。「何で？」って思いますよね。日ごろ殺人の話とかをしているからなんでしょうかね（笑）。 荒 今回のノベライズは少年のキャラクターがいいですよね。これも何か少年の、ある意味、ハリー・ポッター的な成長話というのになっているんですよ、これも。少年がどんどん成長していく話になっていて、そこがもう最高にいいんですよ。これは。多分、読んでないですけども、さっきの兄弟が死体を隠すやつも、そういうふうになっているんじゃないかな。隠しながらも、少年が成長していくって。
乙 なってないですよ（笑）。
荒 そうですか（笑）。
乙 今回書いていて、本当に思ったことは、荒木先生は漫画に何か父性的な感じがするんですよ。
荒 そうなの？
乙 自分の小説の中には、母性的なイメージが自分で見ていてつきまとっていたんです。他社から出した小説とかで。ですから、今度は読者が僕の小説を読んでどう思っちゃうんだろう・・・、そんな気持ちをずっと抱いていました。僕はどう書けばいいんだろうという感じで。
荒 僕は「父性的」というイメージはわからないけれども、でも、自分なりに書いたほうがいいと思うんです。母性的なら母性的なほうに持っていったほうが。
乙 荒木先生が、だれでしたっけ、好きな映画監督で、よくジャンプの目次のページに・・・・・・。
荒 マイケル・マン！
乙 はい。あんな感じの、男対男という戦いがあって、ジョン・ウーの銃を突きつけ合う感覚みたいなのが、僕の考える『ジョジョ』の中にあって、女の子が入る余地のない感覚というのがあるんですけど、僕の書く小説は、何かちょっと女の子が主人公になるパターンが妙に自分で考えて多かったんですよ。こんな『ジョジョ』は女々しいと思われるんじゃないかとかと思って。今回の話も少年がいて、母親がいて、ちょっと女々しいことを考えていて、こんなものを読んで大丈夫かなとか・・・。
荒 それは全然大丈夫だと思いますけど。なるほど、そういうことか。
乙 はい。
編 今回、四部をノベライズしていただきましたが、乙一先生は何部がお好きですか？
乙 どれも好きですね。
荒 でも、乙一さんという名前を聞いて、四部というイメージはすぐパッと来て、ああ、なるほどと思ったんですよ。大体、話が来たときに、何かね、ちらとその人の好みというのがわかるときがあるんですよ、片鱗が。例えばゲームなんかでは、絶対、こいつ、使わないだろうなというキャラクターとかを出したいとかって言ってきたりするんですよ。そのときに、「あっ、この人はこういうことを考えているな」というのがわかるんですよ。
編 普通、ノベライズといったら、それなりのキャラクターというのはみんな出てくるんですよね。
荒 そうですね。
乙 今回は、仗助だけ。でも、もっといろいろな作家さんが四部のノベライズを書けば面白いんじゃないかとか思いましたよ。四部は可能性がすごく残されている感じがします。
荒 そうですね。でも、この作品は、もう殺人鬼の吉良吉影が死んだあとの・・・。時間的にそうですよね。
乙 そうです。そういえば、仗助はその後はどうなったんですか？ 進路とか。
荒 だから、そこで世界は閉じてて永遠の時を刻んでいるから。だからこそ、乙一さんが書けるんですよ。どこかに出てきちゃだめなんです。康一君はそういう語り部なんで、出てきたりしますけれどもね。
編 先生は、スタンドをお書きになるときに、必ずロックバンドの名前を・・・・・・。
荒 今回は悩んでんだよね。
編 そんなにやっぱりロックばっかりお聴きになっているんですか。
荒 いや、そういうわけじゃなくて、何かね、統一したいんですよね。そうすると、マニアがね、知っている人も知らなくても、何かこうくすぐられるところがあるというか。
編 乙一さんは、ロックはあんまり聴かないんですか。
乙 あんまり聴かないです。でも、『ジョジョ』を読んで知っちゃったんですよ。レコード屋に行って、「あっ、ジョジョで出てきた人だ」とか思って。
荒 そうですね。スタンドの名前がわからない人は別にわからなくていいんですけど。でも、今回のスタンドの名前、乙一さんに頼まれているから、ちょっと悩んでいる、どうしようかなって。乙一さんの作品を、壊しちゃいけないなとも思うし・・・。
乙 名づけ親、よろしくお願いします。
荒 考えてみますけど・・・。
『霊感』について
自分で言うのもなんだけど、自作『ジョジョの奇妙な冒険』でこういうテーマを何年も描いてるだけあって、超能力だとか霊感だとかいったものは、実際のところ本当にあるのかどうか？ 異常に興味がある。
UFOだとか宇宙人はまったく信じない。（侵略して来るなり友好結ぶなり、やるならさっさとやりなよ、子供の時からずっと待っているのに・・・・・・。というのがその理由）
だが、超能力だとか幽霊といったものはどう考えればいいのか？ 自分的には霊感みたいなものはないのだが、出会ったような気がするっていうのが過去3回ある。その体験を分析してみるのもなんかちょっと人生にとって大切な事かもしれない。
（BATTLE1） 10年くらい前、イギリスのエジンバラのホテルの部屋で女性の幽霊を見た。夜中目を覚ますと外人の女の人がベッドのまわりをうろついているので、「こりゃ幽霊だ」と思った。でも、取材とかでスゴく疲れてたので「面倒くさいなあ、眠いのに」と思ったとたん、部屋から出て行った。
（BATTLE2） アシスタントに言うと恐がると思ったから言わなかったんだけど、仕事場のキッチンに老人の幽霊が出た。といっても見たわけではなく、食器がカチャカチャいう音とか、誰もいないのに水道がビチャビチャ流れる音とかで、おもに深夜ひとりで仕事している時。
老人だとわかったのはたまたま撮った写真に写っていたから。「リビング（仕事机のある場所）に入ってきたら、神主呼んでお祓いしてもらうぞ」と言ったら、数年間ずっと台所限定の幽霊になり、仕事場の方には律儀にも入ってこなかった。
やっぱり気が変わって、神主呼んでお祓いしてもらったら、もう出なくなった。
（BATTLE3） これはヤバかった。温泉旅館に泊まってる時に、和服の女性が出た。これまた夜中、目を覚ますと30歳ぐらいの女性がぼくに背を向け、テーブルの上でポットからお茶をついでいる。
最初、幽霊と思わず仲居さんだと思って、「何してるんですか？」と言ったとたん、ぼくの布団の上にそのままうしろ向きにジャンプしてのっかってきた。ここでやっと、幽霊なのかもと思った。恐くて金縛りになったと思う。顔は見えない。顔は見えないが、布団の上をずるずるとはい上ってくるのがわかる。手に急須を持ってるのが見えた。 「まさか、もしかして、お茶をぼくの顔にかけようとしているのか？」
そう思ったとたん、急に怒りがわいてきた。
ここで自分の性格がわかった。なめられるとキレるみたい。力のかぎり、掛け布団をつかむと、部屋中布団をふり回して暴れ回った。
電気をつけると和服の女性は消えており、テーブルの下に急須が落ちて、冷たいお茶がこぼれていた。（昨晩残したお茶か？）
人に話すと「夢だよ」とみんなが言う。「作ったな」とも言われる。自分でも、実際のところ幽霊だったのかどうかわからない。脳内に、ある化学物質が出ると幻覚を見るらしいとも言われるし。
幽霊か幻覚かどっちにしてもこういう出来事に出会ったら「敬意」を払う態度をとるのが一番だと思った。ストレスだとか疲労のために見た幻覚だとしても「敬意」を払って謙虚にしてれば心は休まると思うからだ。
Q01: What time in the morning do you wake up?
Araki: Half past 10am.
Q02: How do you relieve stress?
Araki: I've been walking to work. It's about 10 minutes of walking, but that's it.
Q03: Where do you come up with your ideas?
Araki: Hmm... this room (this interview takes place in Araki's workplace).
Q04: When did you consider becoming a manga artist?
Araki: This is already... very complicated.
⇒ Is that so?
Araki: I can't answer in one word, but it might have been triggered by a friend who told me I was good at drawing manga when I was a kid.
⇒ Hmm... I'm glad you were praised by your friend.
Q05: If you had not become a manga artist, what would you have become?
Araki: Eh, I can't think of this anymore. I think that there's nothing else."
Q06: Have you gotten any fan letters that made an impression?
Q31: Who's your favorite musician?
Prince.
Q32: What album do you recommend?
Country Grammar by Nelly.
Q33: Your favorite TV show?
I don't watch that much.
Q34: Araki-style advice for staying healthy?
Stretch before writing.
Q36: Best place to settle down?
My workplace.
Q37: Any habit?
Playing with my jaw.
Q38: How strong do you like sake?
I don't really drink.
Q39: What are you happy to get?
Delicious sweets.
Q40: What kind of car do you drive?
I can't drive, so I don't have a license.
Q41: What kind of child were you in childhood?
I was bullied by my younger sister.
⇒ I had twin sisters and one of them was the devil, I came home from school and saw that my afternoon snack was
being eaten.
Q42: When was your first love?
High School, first year.
Q43: What anime did you watch as a child?
Star of the Giants. I loved the manga.
Q46: What TV show did you watch religiously?
Columbo.
Q47: Your favorite subject?
I liked social studies and science.
Q48: Your weakest subject?
English.
Q49: What about club activities?
Kendo.
Q50: What kind of woman do you like?
A person who isn't well-mannered.
Q51: Do you have a wife?
I do.
Q52: Your favorite color?
An orange-like yellow.
Q53: What have you accidentally laughed at recently?
When static electricity ran through my eyelids at the ophthalmologist.
Q54: Have you been angry at anything lately?
It's rare.
Q55: Have you cried at anything recently?
When I was drawing up the last storyboard.
Q56: Best place you've traveled to?
Venice, Italy. They don't have cars there.
Q57: What's a place you don't want to go?
Egypt. I hated it, so it became one of the settings.
Q58: What's the most delicious thing in Miyagi Prefecture?
Is there one? Tokyo is more delicious.
Q59: What's your favorite place to shop at?
Italian restaurants.
Q60: What's your favorite place in Tokyo?
Omotesandō.
Q61: Why the name, JoJo?
I had a meeting at Jonathan's and wanted the initials to be the same.
Q62: What's the main theme in JoJo?
Wonderful people carry out justice with a pure heart.
Q63: Where did the concept of Stands come from?
They're based on the 'guardian spirit' from Tsunoda Jirō's Ushiro no Hyakutarō.
Q64: Who's your favorite JoJo?
Josuke from Part 4.
Q65: Who's your favorite character?
Yoshikage Kira.
Q66: Your favorite death?
There's a lot of them, but I can't remember that well.
Q67: Your favorite Araki-style onomatopoeia?
The sound of heavy metal.
Q68: Your most unique pose?
I don't have one.
Q69: How long does it take to draw a chapter?
It takes about three days to draw.
⇒ The storyboard is drawn out on Thursday, coloring is done on Friday, Saturday, and Sunday, the finishing touches are added on Monday, then Tuesday and Wednesday are off-days.
Q70: When the series began, how much was planned?
Up to the end of Part 3.
Q71: What about a TV anime?
I don't think so, it's not a manga that you should show kids.
Q72: What's most important when drawing a character?
The mouth. I hate it when it's not sexy.
Q73: Will Shizuka Joestar come back?
No.
Q74: Will Dio come back?
No.
⇒ Dio hasn't reappeared since Jotaro already defeated him. He intends to keep it that way.
Q75: Is Joseph still alive?
He's become senile, but I think he's still alive.
⇒ I wonder why Joseph aged at the same speed as humans.
Q76: What's the real name of Cool Shock B.T.?
There is none. I just liked Buichi Terasawa. I've also called it Boo Takagi.
Q77: Who would play Jotaro Kujo?
I was thinking about Clint Eastwood when I drew him, but not him.
Q78: If you were a Stand, what ability would you have?
I want to stop time.
Q79: Why'd you go back to Volume 1 with Part 6?
That was the editor's request.
Q80: Is there a plan for Part 7?
There is.
⇒ In the not-so distant future, it would be titled “Steel Ball Run” without the editor's opinions.
Q81: What's the Top 3 manga that you'd recommend?
Babel II, Star of the Giants, Judo Icchokusen, and Dragon Ball.
Q83: What manga artist do you respect?
Mitsuteru Yokoyama.
Q84: What's in your mind when making a weekly serial manga?
Meeting the deadline.
Q85: What's the secret that's kept you going on?
Meeting the deadline.
Q86: Are you close with any manga artists?
No, we're all too busy to see each other.
Q87: Do you use a computer?
I hate wait times.
Q88: What's your ringtone?
I don't have a cell phone.
Q89: What actress would you like to see the most?
Natalie Portman.
Q90: What would you bring to a deserted island?
Favorite manga, a CD, and a pencil.
Q91: What's the most expensive thing?
The most expensive thing is the workplace.
Q92: Who do you respect?
Velázquez.
Q93: What genres would you like to try in the future?
I want to keep moving forward with the current manga.
Q94: How do you read Shōnen Jump?
In order from beginning to last.
Note: Not transcribed word for word.
ナレーション
荒木飛呂彦、1960年6月7日、仙台市産まれ。
週刊少年ジャンプ第20回手塚賞に『武装ポーカー』で準入選、デビュー。
『魔少年ビーティー』『バオー来訪者』に続き、87年スタートの『ジョジョの奇妙な冒険』は現在も続き、読者に絶大な支持を受けている………。
タイトル
船越「どーもはじめまして。船越です。今日はお忙しいところ………」
荒木「ああ、どうもありがとうございます」
船越「荒木さん、ちょっと今伺いましたら、ついにジョジョの六部が最終回とか………その原稿を、いま………」
荒木「ええ、今描いてますね」
船越「もう終わるかなという所なんですか」
荒木「そうですね、今日の深夜には」
船越「そんな時にッ！出くわしたわけですね。いやこれはもうこの週刊少年『』の創刊を飾るのにふさわしいタイミングでお邪魔しまして。ちょっと早い完成祝いといってはなんですけど………」
(豆源の紙袋)
荒木「ああすみません」
船越「非常にアンバランスなもので申し訳ないんですが」
荒木「ああ、ありがとうございます」
船越「おかきでございます。よろしくお願いいたします。先生、僕と同い年ですね？」
荒木「あ、そうなんですか？」
船越「1960年生まれですよね？」
荒木「ああ、そうですけど………」
船越「そうですね、僕も60年生まれですね。6月だそうですね？」
荒木「はい」
船越「僕は7月です(笑)」
マンガ家としてQ1～Q20
Q1 朝何時に起きる？
船越「朝、何時に起きますか？」
荒木「私は10時半ですね」
船越「10時半？」
荒木「朝の10時半、はい」
Q2 ストレス解消法は？
船越「ストレスの解消法はなんです？」
荒木「仕事場まで歩いて通ってきているんですけども、歩いて10分ぐらいなんですけど、それですね」
Q3 アイデアを考える場所は？
船越「アイデアを考える場所はどこですか？」
荒木「えっと………この部屋ですね」
(撮影場所は仕事場)
Q4 マンガ家になろうと思ったきっかけは？
船越「マンガ家になろうと思ったきっかけは？」
荒木「これはもう………ものすごい複雑です」
船越「ですよね」
荒木「一言では答えられないですけど、まぁ小さい頃、友達がマンガ上手いね、って言ってくれた事がきっかけかもしれなないですね」
船越「はぁ………」
荒木「友達に誉めてもらったことが嬉しくて」
Q5 マンガ家になっていなかったら
船越「もし、マンガ家になっていなかったら、何になっていましたでしょうか」
荒木「えーっと、これはもう考えられないですね。何も無いと思います」
Q6 印象に残るファンレター
船越「印象に残っているファンレターはありますか？」
荒木「ああ………なんかね、コンサートのチケットとかが同封してあって、一緒に行きませんか、みたいな(笑)」
船越「(笑)」
荒木「ちょっと行ったら隣に座っていらっしゃると思うんで、ちょっと遠慮させていただいたんですけども。すごいいい席で行きたかったんですけど、ロックアーティストのボズ・スキャッグスっていう………」
船越「ボズ・スキャッグスですか………我々の世代にはストライクでございますね」
荒木「そうですね。行きたくてしょうがなかったんですけど、ちょっとそれは………(笑)」
Q7 資料について
船越「資料は、どのようなものを見ますか？」
荒木「ええっと………いや、何でも。もうその時に消防車を使うっていったら消防車の写真をもってくるし、月の満ち欠けを知りたかったら、月の満ち欠けの資料を探してくるって感じで」
Q8 こだわりの道具
船越「こだわりの道具をひとつ、教えていただけますか」
荒木「こだわりの道具？ まぁ、一つはGペンですね。これしか使わないんですよ」
船越「マンガ家の命ですよね、Gペンといいますと」
荒木「ええ、他にもペンあるんですけど、これだけですね、僕の場合。ええっと、この種類だけ、ということ」
(画面に「ゼブラのGペン」のテロップ)
Q9 アイデアノートはある？
船越「アイデアノートのようなものは、ございますか？」
荒木「ああ、あります。見せて………表だけ？」
(引出しから大学ノートを取り出す。なんの変哲も無いノート)
船越「突然見せていただけるのですか(笑)」
荒木「中はちょっとあれですからね」
(と言いつつ、パラパラと見せる)
船越「ええ、もちろんもちろん………これがアイデアノートですね」
荒木「こういう感じで」
Q10 マンガ家になって得したことは？
船越「マンガ家になって得したことはありますか？」
荒木「あの、損はあるねぇ。子供の時はマンガばっかり読んで、マンガを読むな、って言われていたんですけど、マンガ家になったとたんマンガを読め、って言われて、それが逆に辛いっていうか………毎日読まなきゃいけないんで(笑)」
船越「そうですよねぇ」
Q11 辞めたいと思ったことは？
船越「辞めたいと思ったことはありますか？」
荒木「これも今のところ、ないですねぇ」
Q12 マンガ家として確信を得たのは？
船越「自分が、マンガ家としてやっていけるなと確信を得たのはいつですか？」
荒木「これも確信したことも別に無ければ………いつ切られるかって毎日おびえていて、それで何年も経っているかな、って感じですけど」 船越「なるほど」
Q13座右の銘は？
船越「座右の銘は？」
荒木「あらゆることを疑う、っていうのが何て言うか………そういう風にしているのが座右の銘ですね。例えば、葉っぱの色が緑っていうのも、本当に緑かなって思うような」
船越「なるほど」
荒木「ピンクでもいいんじゃないの？ってそうやってピンクの葉っぱにしたりとか、そういう事ですね」
Q14 ジンクスは？
船越「ジンクスはありますか？」
荒木「ジンクスでもないですけど、アイデアを考えるときはゴルゴ13じゃあないんですけど、壁を背にするとよく浮かぶんですよ。寝てても駄目なんです。こういう所にこう (壁を背にして)考えると。何故かは解らないんですけど。入り口とか窓を向いてじゃ駄目ですね」
船越「それがジンクスですか」
荒木「それがジンクスです」
Q15 締めきりは守られる？
船越「締めきりは守られる方ですか？」
荒木「ええ、一応。落としたことは今のところなかったと思います。ないですね」
Q16 最大の修羅場は？
船越「マンガ家として最大の修羅場を迎えたなと思ったのはいつでしょう？」
荒木「やっぱり体調を壊したときが」
船越「そうですね」
荒木「特に、僕はストレス性の胃に来るタイプみたいで。その時は、治りも遅いし、締めきりも来るし、と。あれは修羅場だったかもしれません」
Q17 アシスタントは何人？
船越「アシスタントの方は何人いらっしゃいますか？」
荒木「ちょうど6人います」
Q18 アイデアに行き詰まった時は？
船越「アイデアに行き詰まった時はどういたしますか？」
荒木「これもね、行き詰まらない、って思うんですよ」
船越「ああ………」
荒木「宇宙が無限のように広がっているように、人間の心も広がるんだなと」
船越「なるほど」
荒木「膨張すると思う」
Q19 編集者の存在とは？
船越「荒木先生にとって、編集者はどういう存在でいらっしゃいますか？」
荒木「やっぱり助さん角さん、って感じですかね」
Q20 マンガ家の職業病は？
船越「マンガ家として、職業病はなんでしょうか？」
荒木「よくへそ曲がりって言われる(笑)。だから右って言ったら左っていうような癖がついているのかもしれないですね」
(以降、それぞれの質問について詳しく回答)
船越「先生の一週間というのをアバウトに教えていただけるとどういう風な一週間になるんですか？」
荒木「まず、木曜日にネームっていう、アイデアを紙にする訳ですね。金曜日、土曜日、日曜日でペン入れして、月曜に締めきりと仕上げっていうか。そして火、水で休みっていう………」
船越「この………実際には描かれる作業は四日間で」
荒木「四日間ですね」
船越「これで一週間分という事になりますか」
荒木「(ネーム原稿を見せながら)例えばこんな感じに………」
船越「ああ、コマ割をここであらかじめしていく訳ですね」
荒木「絵を描かれる先生もいますが、僕はもうキャラクターだけ描いて、台詞がこうあって」 (ストーンオーシャン最終話、「僕の名前はエンポリオです」のページのネーム原稿が映る)
船越「はあはあ」
荒木「涙を流している、と脚本みたいな………」
(エンポリオのアタリ位置に「涙を流す」と字で書いてある)
船越「ラフスケッチですよね」
荒木「そういう感じで。全部、ページも決まっているんですよ。」
船越「あの、先ほどマンガ家になられるきっかけは、友達に誉められたからみたいな事をおっしゃっていましたけども、その友達に誉められる以前のことをお伺いできればなと」
荒木「今だから解るんですけど、兄弟って言うのが関係あるのかなと思うんですよね」
船越「先生の家族構成をお聞きしても？」
荒木「ああ、父と母がいて、妹は二人なんですけど、それが双子なんですよね。これがね、ちょっと悪魔のシスターって感じなんですよ(笑)。僕にすればね。例えばどういう事かっていうと、学校から帰ってきておやつが３個あったりしますよね。そうすると妹が当然先に帰っているわけだから、食べちゃうわけですよ。そうすると一個あまる。どうする？って感じになると思うんですよね、二人で。食べちゃえば多分解らないだろうって事で、僕が帰ってくるともうないって状態で、ああないのか、感じなんですけど。後でバレたときに、その陰謀がねすごい傷つくわけ(笑)。なんかね、ものすごいんですよ。これ一回や二回ならいいんですけど、毎日なんですよ子供の頃(笑)」
船越「(笑)」
荒木「それでさみしくて、そのときに読んだマンガっていうのはホント、救われるんですよね。例えばテレビのチャンネル権も妹にあるんですよ。二人だから。だからやっぱり部屋で読むマンガっていうのが、素晴らしいもんなんですよね」
船越「その時に先生を救ってくれたマンガ達っていうのは、どういうマンガなんでしょうか？」
荒木「梶原一騎っていう、スポーツ根性モノ………『巨人の星』とか『あしたのジョー』とかね。違うマンガ家さんでは白土三平の『カムイ外伝』とかね。そういうのとか『バビル二世』みたいなやつですね」
船越「『バビル二世』ですね………！」
荒木「もう大好きですね」
書庫拝見
船越「こちらが、先生の書庫」
荒木「書庫っていうかね、本置き場」
船越「こちらにマンガの本が沢山ありますけど、これはもう先生のご趣味？」
荒木「ええそうです」
(画面に『タイガーマスク』『新巨人の星』『カムイ外伝』『ヤマトの火』『仮面太郎』が映る)
船越「これが先生が愛好している作品と思っていいですね」
荒木「捨てられないマンガですね」
船越「なるほど。(船越、何かを取り出して)あった………一度先生に伺いたいと思っていたのがこの方です」
(画面に『ワイルド7』(望月三起也)とその解説、映る) 荒木「ああ、いいですね」
船越「どうしても先生のイラストがね………」
荒木「似てます？」
船越「似ているというよりも、何かこう、望月三起也さんを必ず見ているだろうっていう………」
荒木「あります。銃の握り方がね、望月三起也のはこう、重さがあるんですよ。手首がこう、グッと入る。(実演しつつ)こう固いんじゃあないんです。ここがいいんですよ」
船越「そうですよねぇ」
荒木「(笑) こういう感じでね、重いんだ」
船越「銃を本当に好きな方ならではのリアリティがありますよね」
(アイデアノートはある？)
船越「これ、感動したのはですね、大学ノートだっていう所ですね」
荒木「ああ、そうですか？」
船越「ええ」
荒木「だってこれは中性紙でね、色が変わらない紙なんですよ(笑)」
船越「あの、ちょっと(見せて欲しい)」
荒木「どのへんかな………使っちゃった所ならいいか。この辺だったらいいのかな」
船越「(じっと見る)」
荒木「こっちがテレビを観た感想で、こっちが主に………」
船越「………なるほど、先生これは完全にアイデアブックというよりも、ネタ帖ですね」
荒木「そうかもしれない」
船越「先生が日常生活をされている中で、気づいたこと、あるいはこれを引用しようとか思われていることを書き綴っていらっしゃると」
荒木「はい」
船越「言ってみれば先生の心の日記みたいなもんですね」
荒木「そうかもしんないですね」
船越「作家としての、心の日記かもしれませんね」
(マンガ家として確信を得たのは？)
荒木「やっぱり読者にそっぽを向かれたらその時点で終わりかなぁ、みたいなのは………」
船越「今でも、その危機感というのがおありですか」
荒木「あります。その覚悟はいつでもしているっていうか、覚悟っていうのかな、そういう時はありますね」
(ジンクスは？)
船越「壁を背にするとアイデアがわいてくる、これがジンクスだとおっしゃっていましたね？」
荒木「なんかこのへんが(目の前を手で示して)広い感じがいいんですよね。だから机なんかも必ずこういう感じで、本箱とかを後ろにしたりとか」
船越「何かを背負う」
荒木「ええ、そうですね。アシスタントが前、いたりとかしたんですど、ホント駄目ですね」
(ここで本棚の中が一瞬映る。ジョジョの単行本のほか、辞典など？)
船越「それはちょっと面白い心理ですね」
荒木「アシスタントが前にいる………学校の先生のように。ああいう感じがいいですね。ありますね絶対」
(最大の修羅場は？)
船越「修羅場、これはもう体調を崩したときっておっしゃっていましたけど、これはファンの方の興味は一体ジョジョの何巻目なんだろう、っていう………」
荒木「ああ………第四部のね、最終決戦のあたりとか。吉良っていう敵がいるんですけど、そのへんとかね。これもしかして負けるかもとかね(笑)」
(ナレーション)
(第四部のカラーほか映る。仗助が「それ以上言うな………てめー」のシーン他)
荒木先生最大の修羅場だったというこのシーン、第四部「ダイヤモンドは砕けない」のクライマックス！ 殺人鬼・吉良吉影のスタンド、キラークイーンの爆弾に、四代目ジョジョ・仗助が窮地に追い込まれる！
荒木「主人公っていうのはコントロールしていると思うじゃないですか。皆さんは。作家がコントロールして書いていると」
船越「もちろんそうですよね」
荒木「そうじゃあないんですよ。主人公の方が上にきちゃってる事もあるんですよ。描かせられるというか」
船越「主人公に描かせられる！」
荒木「描かせられるときがあって………」
船越「勝手に主人公がこの上で人生を演じいくって事ですか」
荒木「そうですね」
船越「それはみんなから、こうだこう、みたいな」
荒木「動機とかを感じてやると。作った技とかね。あまりにも強すぎると、どうしようもなくなってくるんですよ。あと、性格とかが悪すぎると。どうするんだろうと思って、どうしたらいいかわかんなくなっちゃって(笑)」
船越「先生が今まで手に余っちゃった悪党っていうのは誰でしょうか？」
荒木「やっぱり吉良吉影っていうリアリティあるやつがいるんですけど(ここで『JOJO A GO-GO！』の吉良が画面に映る)、あいつ何でもありなんですよ。あの時はちょっと………でもしかも僕は好きなんですよ、あいつが」
船越「吉良好きなんですか」
荒木「好きなんですよ。なんかちょっと、お前も解るな、っていう所があるんですよね」
船越「負けそうになった承太郎と仗助が勝てたのは、先生の体調の復活と関係があるんですか？」
荒木「いや、それじゃなくて死にもの狂いでどうしようか考えたからだと思いますけど。もう(自分が)主人公の様な感じでしたね」 (ナレーション) 『ジョジョの奇妙な冒険』。1987年より週刊少年ジャンプに連載。19世紀末のイギリスが舞台となりスタート。 第一部の主役はジョナサン・ジョースター。続く第二部はジョセフ・ジョースター。第三部は日本人、空条承太郎。第四部は東方仗助。第五部はイタリアが舞台でジョルノ・ジョバーナ。現在、近未来2011年が舞台の第六部まであり、その連載期間は実に16年にも及ぶ。 それぞれの時代によって主人公が変わり、英国貴族ジョースター家の血統にあるジョジョが活躍。一世紀以上にもわたるジョースター家とディオの因縁を描いた傑作大河ロマン。
プライベート Q21～Q60
Q21 好きな映画ベスト3
船越「好きな映画ベスト3を教えてください」
荒木「洋画ですけど『大脱走』とか。『大脱走』カッコイイですね一番」
船越「(共感して)おお！………スティーヴ・マックイーン」
荒木「あと『ジョーズ』と『ゴッドファーザー』ですね。何度でも観ますね」
船越「今、握手したいなと、私は思っております(笑)」
Q22 好きな小説ベスト3
船越「好きな小説ベスト3を教えてください」
荒木「三本もないんですけど、子供の時は『シャーロック･ホームズの冒険』みたいなのシリーズ。あれで、主人公っていうのはどういう人なのかなって解ったようなような気がするんですけど」
Q23 必ず読む雑誌は？
船越「必ず読んでいる雑誌は何ですか？」
荒木「何十年も読み続けでいる雑誌は………『ロードショー』って映画雑誌があるんですけど、あれはずっと買っているなぁ」
船越「奇しくも集英社ですね(笑)」
荒木「そうですね(笑)」
Q24 好きな食べ物は何ですか？
船越「好きな食べ物は何ですか？」
荒木「スパゲッティーです。何味でもいいです。ナポリタンでもいいし、何でもいいですね」
Q25 嫌いな食べ物は？
船越「嫌いな食べ物は何でしょうか？」
荒木「嫌いな食べ物は………トマトの皮ですね。プチトマトとか、絶対食べれないです」
船越「でもスパゲッティーって、トマトばっかりじゃあ………」
荒木「煮るといいんですけど、生は駄目なんです」
船越「ああ、生のトマトの皮。後は何でも大丈夫、と」
Q26 休日の過ごし方は？
船越「休みの日は何をしていますか？」
荒木「本読んだり、映画観たりとか。あと、運動ですね」
Q27 具体的には？
船越「具体的には？」
荒木「筋肉トレーニングとか、走ったりとか」
Q28 趣味は？
船越「趣味は何ですか？」
荒木「ないです」
船越「仕事、と」
荒木「仕事です」
Q29 最近ハマっていることは？
船越「最近ハマっていることは何ですか？」
荒木「最近ハマっているのは………自分の絵をでっかく描くのがハマっています」
Q30 好きな音楽は？
船越「好きな音楽は何ですか？」
荒木「全部好きですけど………もうラップでも何でも、いいです。ジャズでも」
Q31 一番好きなアーティストは？
船越「登場人物にアーティストの名前が多く出てきますが、一番好きなアーティストは誰ですか？」
荒木「プリンスが好き。プリンス」
Q32 おすすめのアルバム
船越「お勧めのアルバムを教えてください」
荒木「最近はねネリー(NELLY)っていうのの………ちょっとどっかにあったな(CDラックから一枚のCDをさっと取り出す)これがいい。これがいいんですよ。ラッパーのネリー」
(画面にジャケ。『COUNTRY GRAMMAR』(NELLY))
船越「ああ………わざわざありがとうございます」
Q33 好きなテレビ番組は？
船越「好きなテレビ番組は何ですか？」
荒木「最近のですか。あんま観ていないですね」
船越「そうですよね、ご覧になる時間はないですよね」
荒木「映画は観るんですけど」
船越「是非、サスペンスをご覧になってください(笑)」
(注:船越は二時間サスペンスドラマの帝王)
荒木「観てみます(笑)。解りました」
Q34 荒木流健康法は？
船越「荒木流健康法をひとつ、教えていただけますでしょうか？」
荒木「執筆前のストレッチですね」
Q35 ファッションのこだわり
船越「ファッションにこだわりはありますか？」
荒木「自分ではあんまないですけど、やっぱよく見ます」
Q36 一番落ち着く場所は？
船越「一番落ち着く場所はどこですか？」
荒木「落ち着く場所………やっぱこの部屋がいいかな？」
Q37 クセは？
船越「クセはありますか？」
荒木「あごをいじるのが。緊張すると。(自分では)わかんないけど」
船越「そうですね、今日も何度か拝見しました」
Q38 お酒は強い？
船越「お酒は強い方ですか？」
荒木「ほとんど飲みません」
Q39 もらって嬉しいものは？
船越「もらって嬉しいものは何ですか？」
荒木「美味しいお菓子がいいですね」
船越「お菓子、お好きですか」
荒木「ええ」
船越「甘いもの、しょっぱいもの………」
荒木「"おいしい"のがいいんですけど(笑)」
船越「今日お持ちしたものは大丈夫かな、と思って(笑)」
Q40 どんな車に乗ってる？
船越「現在、どんな車に乗っていらっしゃいますか？」
荒木「あ、僕運転できないんです」
船越「そうですか、それはあえて運転を………」
荒木「いや、何か知らないけど、免許取りに行かない人生になってしまいましたね」
Q41 幼少期はどんな子供？
船越「幼少期はどんなお子さんでしたか？」
荒木「妹にいじめられているお兄ちゃんでした(笑)。たぶん」
Q42 初恋はいつ？
船越「初恋はいつでしょうか？」
荒木「ええっ、高校一年の時かな」
Q43 子供の頃見ていたアニメは？
船越「小さい頃、見ていたアニメは何でしょうか？」
荒木「何でも見ていたと思います。『巨人の星』とか。でもあんまりハマんなかったですね。マンガの方が好きですね」
船越「アニメーションよりも、マンガ、と」
荒木「そうですね」
Q44 初めて買ったマンガは？
船越「初めて買ったマンガは覚えていらっしゃいますか？」
荒木「さいとうたかをの『無用ノ介』。侍の」
船越「あれが初めて買ったマンガ？」
荒木「あれ、絵が上手いんだよなぁ………すんごいいい絵が入っているんですよ」
Q45 好きだったアイドルは？
船越「好きだったアイドルはいらっしゃいますか？」
荒木「浅田美代子が好き。歳がねぇ………やだなこういう話」
Q46 欠かさず見ていたテレビは？
船越「欠かさず見ていたテレビは何ですか？」
荒木「向うのテレビが好きでした。刑事コロンボとか。あれはもう、絶対観ていたね土曜の夜」
船越「僕も絶対観ていました」
Q47 得意科目は？
船越「学生時代、得意だった科目は何ですか？」
荒木「別にあんまり得意なものはないけど、好きだったのは社会とか理科が好きでしたね」
Q48 苦手科目は？
船越「学生時代、逆に苦手だった科目は何でしょうか？」
荒木「英語かな」
船越「英語なんですか」
荒木「やなんですよね、あれ単語とか覚えるのが」
Q49 クラブ活動は？
船越「学生時代、どんなクラブ活動をしていましたか？」
荒木「剣道をしていました」
Q50 好きな異性のタイプは？
船越「好きな異性のタイプを教えてください」
荒木「異性のタイプ？ あのね、おしとやかじゃあない方がいいですね」
船越「まさしく先生の作品に出てくる女性達が」
荒木「ああ、そういうのが。何か、黙っていると何考えているか解らないような女性は嫌ですね」
船越「活発な人がいいんですね」
荒木「そうですね」
Q51 奥さんはいますか？
船越「奥さんはいらっしゃいますか？」
荒木「います」
Q53 好きな色は？
船越「好きな色は何色ですか？」
荒木「何でもいいけど、オレンジとか、オレンジっぽい黄色」
Q54 最近、思わず笑ったことは？
船越「最近、思わず笑ってしまったことはなんですか？」
荒木「これもよく解らないですけど、眼科に行って検眼とかするじゃないですか。コンタクトレンズ買いに行った時に。そのお医者さんが静電気を持ってまして、僕のまぶたに触ったときに、こうなんか電撃がはしった時かな。あれもトラウマになる。もう行けない(笑)」
船越「『バビル二世』の衝撃波みたいなものですか」
荒木「そうです。衝撃波が目にはしったのには………もう怖くて行けないですよ」
Q54 最近、腹が立ったことは？
船越「最近じゃ腹が立ったことは？」
荒木「腹が立ったことも………あんまりないですね。ないです」
船越「先生、あまり腹はお立てにならないような感じにお見受けするんですが」
荒木「でも、これじゃ駄目だなぁと思うときはありますけどね。テレビとか、ニュースとか見てて」
Q55 最近、涙を流したのはいつ？
船越「最近、涙を流したのはいつですか？」
荒木「最終回描いててちょっと、泣いちゃったな」
船越「今日ですね先生(笑)」
荒木「いや、ネーム書いている時だから、木曜日かな(笑)」
船越「やっぱりそうですよねぇ………それは………そうなんだろうなぁ」
Q56 旅行で一番良かった所は？
船越「旅行で一番良かった所はどこでしょうか？」
荒木「僕はイタリアが好きなんですよ。イタリアの、ヴェネツィアがいいですね」
船越「ヴェネツィア。水の都」
荒木「あの、車がないところがいいですね」
船越「そうですね。全く歩くのにストレスを感じませんからね。ちょっと人が多いかなというのはありますけど」
Q57 もう行きたくない所は？
船越「逆に最悪だなぁと感じた所はございますか？」
荒木「言っていいのか解らないですけど、エジプトが駄目ですね」
船越「でもエジプトといったら第三部のまさに………」
荒木「もうあそこ嫌いで、だから舞台にしているんです」
Q58 宮城県で一番美味しいものは？
船越「宮城県のご出身ですが、宮城県で一番美味しいものはなんでしょうか？」
荒木「あるのかな？(笑) 東京の方が美味しいですよ」
船越「身も蓋もなく終わってしまいました(笑)」
Q59 行きつけのお店は？
船越「都内で行きつけのお店はどこかありますでしょうか」
荒木「あります。僕はイタリア料理が好きなので、そのレストランが好きです。大好きですね。お酒飲まないんで、そういう所が大好きです」
Q60 東京で好きな町は？
船越「東京で好きな町はどこでしょうか？」
荒木「東京で好きな町は………表参道が好きですね」
(好きな映画ベスト3)
船越「(好きな映画)『大脱走』………」
荒木「『大脱走』ね、これはもう子供の頃観て本当に手に汗握ったかなぁと。これ今でもいいです。マックイーンが何回も戻ってくるところもいいんです」
船越「やっぱりそのへんが根深くあって、第六部はジェイル(監獄)ものになったのかなと、それがルーツなのかなと」
荒木「ああ、それはありますね。マックイーンが戻ってくるたびに僕は泣いていたもん(笑)。これだよ！ ヒーローってのはこれだよ！って感じ」
船越「そして『ジョーズ』」
荒木「『ジョーズ』ですね。これはもう海に行けなくなるぐらい怖くなった映画。で、何で怖いんだろう、っていう恐怖の分析っていうんですか。最初観たら最後まで。後半は何かバトルものになるし、いいんですよねやっぱり」
船越「で、『ゴッドファーザー』」
荒木「『ゴッドファーザー』………。大河ロマンですね。こういうのがいいですね。親子何代にも渡る………一部、二部、三部とあって」
船越「解りやすいですよね。この映画がジョジョの世界観を作ったっていう」
(最近ハマっていることは？)
船越「大きな絵にハマっていると………これはちょっと面白いなと」
荒木「そうですね。マンガってこのサイズで描いているから(と、原稿用紙を取り出して見せる。B4サイズか？)、もっと何倍かに描きたいんですよ」
船越「そもそも大きく描きたい、と」
荒木「その後ろにあるやつなんですけど」
(たて1mよこ60cmのキャンパス映る。ジョルノ？が描いてある)
船越「おお………ではあまりイラストにしても何にしてもお描きになったことがあったんですか？」
荒木「ないですね。ゆくゆくは2メートルぐらいにしたい。描きたいです」
船越「例えばバオーのイラスト、あるいはゴージャスアイリンなどあのぐらいの時代のイラストを拝見するとあらためて先生の世界観の深さというのが痛感するんですけど」
荒木「あの頃なんかね、凄いファッションデザイナーみたいな人がいっぱい出てきたんですよ。スターみたいなのが。ヴェルサーチですとか、モスキーノとか、それが良かったんですよ。影響を受けて、主人公に着せたいなぁって感じ」
(初恋はいつ？)
船越「初恋は高校生？」
荒木「(笑) はい」
船越「その初恋の方はどういう女性だったんですか？」
荒木「違う学校の女学生ですよ」
船越「明るい子？ 暗い子？」
荒木「ちょっとね、おしとやかな感じだったね。だからダメだっったのかも(笑)。そういうマンガのイメージか小説のイメージか知らないけど、そういう女性がいいのかなと思って最初思っていたんですけど、付き合うと駄目ですね。辛いですね」
船越「先生は割とリードしていってくれるような女性が好きですか？」
荒木「ああ、そっちの方がいいですね」
船越「という事は、奥様にはかなりリードして………」
荒木「そうかもしんないですね(笑)」
(欠かさず見ていたテレビは？)
船越「欠かさず見ていた作品に、刑事コロンボを挙げていましたが」
荒木「あれも、犯人に感情移入するときもありますね」
船越「刑事コロンボの作りっていうのはそうですよね」
荒木「僕は結構、犯人に味方しているときがありますよ。コロンボ、また戻ってきたよ！とかね(笑)。ああこれ帰ってくるんだろうなと思うと帰ってくるんだよ、あれ」
船越「これで救ってやりたい、っていう瞬間がある話がいくつかありますよね。このまま逃げ切ればいいのに！っていう」
荒木「そう。でもそこが面白くて(笑)」
(ナレーション)
『魔少年ビーティー』。1983年週刊少年ジャンプ、荒木飛呂彦の記念すべき初連載作品。
悪魔的頭脳を持つ少年、ビーティーが手品トリックを駆使し犯罪に関わっていく様を親友・康一君が語る。すでに荒木独特の台詞回りは確立され、かなりエキセントリックな内容となった。
84年、週刊少年ジャンプに連載された本格SFアクション(『バオー来訪者』)。 遺伝子操作によって生まれた生物兵器バオーを体内に持つ青年と、悪の組織ドレスとの戦いを描いた熱狂的ファンを生んだ作品。
マンガ作品について Q61～Q80
Q61 なぜジョジョという名前に？
船越「なぜ、ジョジョという名前なんですか？」
荒木「もう忘れたけど………(笑)。頭文字が同じになって欲しかったんですよ。AAとかBBとか。あと、ジョナサンというところで打ち合わせをしていたからだと思います」
船越「いわゆるファミレスのジョナサンで………」
Q62 ジョジョのテーマは？
船越「ジョジョのテーマは何ですか？」
荒木「やっぱりこう、人間は素晴らしいな、と。正義とか、清い心を貫いている人ですね。そういう事を、ええ。」
Q63 スタンドの概念はどこから発想？
船越「スタンドという概念はどこから発想されたんでしょう？」
荒木「これは先祖霊っていうの、何ていうのかな」
船越「守護霊？」
荒木「守護霊です。守護霊が出てきて、一緒に戦ってくれたらいいな、っていう。昔『うしろの百太郎』(つのだじろう)っていう………あの辺がルーツではないかな、と思いますけど」
Q64 どのジョジョが好き？
船越「今、第六部までありますけど、先生はズバリどのジョジョがお気に入りでいらっしゃいますか？」
荒木「僕は第四部の仗助っていう………あのツッパリの、あれがいいんですよね」
船越「後ほどじっくりと………」
Q65 お気に入りのキャラクターは？
船越「一番、気に入っているキャラクターは、何ですか？」
荒木「さっきも言いましたけど、吉良吉影がいいですね」
Q66 ボツネタについて
船越「没になったエピソードはありますか？」
荒木「いっぱいありますけど………それもよく覚えていないです」
Q67 荒木流擬音について
船越「荒木流擬音はどこから思いついたものですか？」
荒木「これはヘビメタですね。ギュウゥゥゥーーーーンとか」
船越「あれは楽器の音だったのですね」
荒木「そうです。ホラームービーとかに出てくる。キュンキュンキュンキュンとか」
船越「出てきますねぇ」
荒木「ああいうやつで」
Q68 独特のポーズについて
船越「キャラクターの独自のポーズはご自身でもされるんでしょうか？」
荒木「いや、自分ではしないですけど」
Q69 一話描くのにかかる時間は？
船越「一話描くのにどのくらい時間がかかりますか？」
荒木「一話って、連載一回ですよね？ 絵だけで三日ですね」
Q70 連載スタート時、どこまで構想があった？
船越「連載スタート時、どこまで構想があったのですか？」
荒木「一応大河ドラマみたいにしていこうって、世代が交代していくって………第三部の結末までありました。構想だけですけどね」
Q71 テレビアニメ化の話は？
船越「テレビアニメ化の話はないですか？」
荒木「たぶん、子供に見せるマンガじゃあないんで、ないと思いますけど」
Q72 キャラを描くのに一番重要な部分は？
船越「キャラクターを描く上で一番重要な部分は？」
荒木「絵ですか………口ですね」
船越「口ですか」
荒木「色っぽくないと嫌なんですよ。目より口のほうがものを言うと思うんですよね。ちょっと、モナリザじゃないですけど、スマイルで違ってくるんですよ。目はこんな(モナリザの真似？をする)もんでいいんですけどちょっと………(微笑んで)モナリザになるんですよ。微妙ですね」
Q73 『静・ジョースター』の再登場は？
船越「第四部登場、静・ジョースターもジョジョですが、再登場は果たしてあるのでしょうか？」
荒木「これはマニアックですけど………ないです(笑)」
Q74 『ディオ』の再登場は？
船越「続きまして第三部登場、ディオの再登場はありますか？」
荒木「これもないです」
船越「ないんですか！」
荒木「ええ、ありません」
Q75 ジョセフはまだ生きてる？
船越「第六部は2011年の設定ですが、ジョセフ・ジョースターはまだ生きてるのでしょうか？」
荒木「はい、あの………ちょっとボケていると思うんですが、生きていると思います」
船越「このへんは私は、とっても疑問がありますので先生に後でこの疑問を解消して頂かないとと、思っています」
荒木「何歳？って感じ？」
Q76 魔少年ビーティーの本名は？
船越「魔少年ビーティーの本名はなんですか？」
荒木「一応、ないんですけど、僕、寺沢武一さんってマンガ家が好きでして」
船越「『コブラ』の」
荒木「一応その辺も」
船越「Buichi Terasawaですか」
荒木「高木ブーって言われたこともあるんですけど(笑)」
Q77 空条承太郎を演じるとすれば誰？
船越「空条承太郎をもし俳優が演じるとすれば役者は誰になるでしょう？」
荒木「ええっと………解らないですね。でもイメージで描いたのはクリント・イーストウッドがイメージ。あの走ったりしないところが」
Q78 もしも自分がスタンド能力者だったら？
船越「もしご自身がスタンド能力者だとしたらどのスタンドを使いたいですか？」
荒木「何だろうなぁ………時間を止めてみたいですね」
船越「やっぱりね。それですよね」
荒木「ちょっとね」
Q79 第6部で単行本が一巻に戻った理由
船越「なぜ第6部で単行本が一巻に戻ったんでしょうか？」
荒木「編集部の要望です」
船越「先生が何かたくらんだという事ではなくて」
荒木「いいえそういう事ではないです。何か解りやすさを取ったんじゃあないでしょうか」
Q80 第7部の構想は？
船越「第7部の構想はもうあるんでしょうか？」
荒木「はい、あります」
船越「よかった！ ………(カメラ目線で)これはもう本当に皆さんご安心下さい。第7部は始まります」
(なぜジョジョという名前に？)
船越「衝撃的ですね。ファミリーレストランだったっていうのが。ジョナサンのルーツが」
荒木「深夜までやっていて、24時間だから、打ち合わせはそういう所でやるんですよ。それで頭文字がスティーブン・スピルバーグ(S.S)みたいにしたかったんですよ。覚えやすいから。それでジョナサンになった」
(スタンドの概念はどこから発想？)
船越「スタンドっていうのは………これはもう『うしろの百太郎』というような言葉が、僕も一瞬ダブったんですけれども」
荒木「そうですね。壊して欲しいって時に、超能力っていったらウーンって念じてパカって割れるんだけど、ここ(背後)から出てきて、守護霊が割るってくれるって見せたほうが、マンガ向きなんですよね」
船越「スタンドと自分自身の肉体が一体化しているという所ですよね。この辺の発想が非常に興味深いんですけど」
荒木「あれもね、たぶん横山光輝先生のマンガだと、リモコンが敵に渡ったら敵のものになっちゃうとかね」
船越「敵に渡すな大事なリモコン、ってね」
(注:『鉄人28号』の主題歌の歌詞)
荒木「そう、ああいう弱点っていうかな、ああいうところが面白いんですよね。ドキドキするっていうか、そういうのがないと面白くないっていうか全部強いものばっかじゃ 描いていてサスペンスが成り立たなくなってくるんですよ。だからそういうのを先輩を見習って作っているっていうのはあるんですけど。 「その横山光輝先生のマンガだとね、学生服を着て砂漠に行くんですよ」
船越「『バビル２世』、まさしくそうですよね」
荒木「それがいいんですよ。戦闘服を着て、じゃあ駄目なんですよ。なんかあれが涙が出てくるの(笑)。学生服を着ている少年が砂漠にいる、っていうの。絵がいいんですよね」
船越「でも裏切られたのは、アニメになったとき学生服着ていなかったんですよね」
荒木「そう、アニメは戦闘服着ていたからあれはひどかった」
船越「ひどいですよね。何であんな裏切り方をするんだろうって。僕も『バビル２世』はやっぱり学生服なんですよね」
荒木「そうです！」
(連載スタート時、どこまで構想があった？)
船越「先ほど、ジョジョの話にも出ましたけど、だいたい第三部までは構想がスタート時にあったという………これはもう第三部は日本に持ってこよう、という所まであった訳ですか？」
荒木「はい、世代を通じるドラマってあるんですよ。『エデンの東』とかいろいろ。それみたいにしようと思って」
船越「日本に持ってくるっていうのはかなり大胆な発想では？」
荒木「いやでもね、逆だったんですよ当時は。日本人じゃあない主人公を少年マンガにはつかっちゃいけないっていうタブーがあった。外人を主人公にすると絶対駄目なんです。そういうタブーが80年代にあって、ウェスタンでも何故か日本人が主人公なんですよ。日本のマンガって」
船越「『荒野の少年イサム』とかね」
荒木「そういうのがなんか知らないけどあったんですよ。だからそっち(主人公が日本人)の方が普通で、一部とかの方が(外国の人が主人公とかの方が)異常なんです」
船越「何で外国の人を主人公にしようって思われたんですか？ そのタブーを犯してまで」
荒木「うーん、なんか洋画とかをいっぱい観ていたからですし、旅行したときにカルチャーショックっていうんですか、観るもの全て凄かったですね。美しくて。鼻血出るぐらい美しかったですね。何観ていいかわからないんだもん」
船越「先生は旅行に行かれたっていうのは、最初イギリスなんですか？」
荒木「そうですね、イギリスとかフランスとか行ったんですけども」
船越「これはもう、イギリスを舞台にしたものを、という事ではなくて」
荒木「そこでちょっと凄かったからですね、やっぱり」
船越「という事は旅行にインスパイアされて、ジョジョの舞台はイギリスになったっていう風に解釈しても？」
荒木「あ、そうです。やっぱそういうのも編集者っていう人の影響みたいなもの、あるんですよ。編集者の趣味もとか入ってくることがあるんです。エジプトに行こうって 言ったの、編集者なんですよ。大好きなんだもん。あの象形文字とか読める方で、もう行きたくてしょうがないの」
船越「ヒエログリフが読める」
荒木「読める人で、僕は行きたくなかったんですけど(笑)、汚そうでね、とにかく嫌なんですよ」
船越「じゃあ先生の中にあったものがエジプトじゃあなかったんですね」
荒木「そうですね、あれは担当さんとかそういうそばにいた人の影響っていうのがあって、例えば外国の主人公にしたらどうかな、っていうのも担当さんが反対される場合もあると思うんですよね、打ち合わせで。そりゃまずいよ、って。でもその人は乗ったんですよね。いいかもしんない、みたいな。そうすると勇気になってくるというか」
(『DIO』の再登場は？)
船越「ディオのお話になるんですが………やっぱりジョースターという血統があって、こっちの対極に数十年を貫いて綿々とディオというのが、どうも読者の我々にとっては常にいつもディオの影がつきまとっています。六部に至ってもディオの骨まで出てきました。なのに先生は再登場はないとおっしゃっていたんですけど」
(画面にいつかのカラー原稿？のディオ映る)
荒木「あれは承太郎がやっつけたもんだから。でもその意思は残っているっていうようにしたいんですよね。その志(こころざし)みたいな。悪の志」
船越「という事は、ディオは形としては現れなくとも意思としてはもしかしたら今後も」
荒木「そうかもしれないですけど」
船越「第７部だ………(笑)」
(ジョセフはまだ生きている？)
船越「ところで、ディオもさることながら、ジョセフは先生？」
荒木「ジョセフ………矛盾点は？」
船越「あのね、リサリサは50歳の設定で出てきましたよね？ 肉体は二十代でした。あれは何故かというと、波紋があの肉体を保つんだ、老いのスピードを緩めるんだとお描きになりましたよね先生？」
荒木「はい」
船越「何故………リサリサよりもジョセフのほうが僕は波紋のパワーは上だと思うんですよ。何故、ジョセフは人間と同じスピードで歳をとっちゃったんでしょうね？」
荒木「やっぱちょっと、気の持ちようというか(笑)」 船越「失礼いたしました(笑)」
(キャラを描くのに一番重要な部分は？)
船越「先ほど、一番ポイントになるのは口だっておっしゃっていましたよね？ これがインパクトがあったんですよ」
荒木「何かね、色気を出しいんですよね。中性的っていうのかな。男でもなく女性でもなく、っていうような。絵にしたときに惹きつけるものがあるんですよ」
(仗助、ジョルノ、ドッピオのカラー原稿、口もとのアップ)
荒木「例えば男描くんでも、女性の顔を見ながら描くときがある。スタイルとか、ポーズの取り方とか………」
船越「先生、顔を描かれる場合、最後は口ですか、それとも最初は口ですか」
荒木「最初は鼻ですね」
船越「鼻、まぁそれは中心をとって」
荒木「どう描くんだろうな………やっぱ最後が口ですね」
船越「やっぱり最後が口。ちなみにちらっと描くところを見せていただいてもよろしいでしょうか」
(荒木、紙をサッと用意して描く)
荒木「こういう感じ」
船越「(小声で)大変なことになりました」
(荒木、ペンを一度取り、また別のを取り直して描き始める。ロットリング？)
荒木「まずちょっと輪郭」
(輪郭、鼻、眉毛、目の順でサッサと描いていく。やや左向きの顔で、右目、左目の順。目はフチ、目玉の順) 船越「やっぱり先生は仗助が好きなんですね」
荒木「いや、これは何でもないんですけど」
船越「あ、何にでもなるんですか、そこから」
荒木「仗助にする？」
(リーゼントを少し描いて、口を描く)
荒木「こういう感じですかね………」
(耳、そして右側の輪郭)
船越「なるほど、確かに表情がスッと出てくるのが口ですね」
荒木「あと叫ぶときにはこう(口をあけるように描くふりをして)なったりとか」
(リーゼントの上の部分を描く)
船越「先生、生のを描かれてしまいましたね」
荒木「生仗助？」
(服を少し描いて、単行本でも人気のラフ画が完成。早い) 船越「先生、口というのはあえて影響を受けたとしたらこの口元はどこがルーツですか？」
荒木「やっぱこういう写真とか(写真集をぱらぱらとめくる)見て描いているんですけど、(写真の口を指差し)やっぱこういう口とか、いいですよね」
(写真がハッキリ見えるんですが、何の写真集でしょうか？)
荒木「でも、これ見て男を描くときもあるんです」
(仕事場拝見)
荒木「ここはアシスタントの仕事場です」
船越「はああ………なんかイメージが全然違いました。もっと雑然とした中で生まれていくのかなと思っていたんですけど。先生の几帳面さが」
荒木「そうですか？ いや………まぁ………はい(笑)」
(この時、壁にかかっている絵が面白い。荒木先生の絵？)
(アシスタントがペン入れをしている作業、映る)
ナレーション
荒木先生の絵に、丁寧にペン入れをするアシスタントの皆さん。 (最終話？、神父が地面に倒れこむPAGEが映る)
この日は第六部ストーンオーシャン最終話の仕上げ。
『ジョジョの奇妙な冒険』はここから生まれているのです。
(第7部の構想は？)
船越「これでいよいよ第七部が始まるという、私達は嬉しいニュースを耳にさせていただいたんですけども………」
荒木「編集部とは全然打ち合わせしていないんで」
船越「でも、先生の中にはもう………」
荒木「ありますね。タイトルも、なんだっけな、『スティール・ボール・ラン』っていうんですけど」
船越「教えてもらっちゃいましたよ(笑)」
荒木「でも舞台とか、内容は駄目ですね、まだ」
船越「それはもちろんそうですよ。どっか先生の中で、大きな未来に飛躍するっていうためらいがあるっていう事はあるんですね」
荒木「取材ができない、っていう。あと身近でないと、リアリティっていうか、何でもある発明とか、何でもある世界になるとちょっとまた違ってくるんじゃあないかと思う んですよ。やっぱリアリティですね」
船越「先生がご自分で未来を構築しようとはあまり思われない？」
荒木「ええ、もうスタンドが架空のものだから、どこかリアリティがないと駄目なんですよ」
船越「なるほどなるほど。それでは皆さん、第七部はそれほど遠い未来へ行かない、と。これだけはお聞きできました」
荒木「もう血統がいないんですよね。例えば仗助だって愛人の子なんだもん。苦しいんですよ(笑)」
エピローグ Q81～Q100
Q81 おすすめマンガベスト3
船越「それではエピローグ的にその他のことというくくりで質問をさせていただきたいんですけども、お勧めのマンガベスト3を教えていただけますか？」
荒木「『バビル２世』と………そうだな梶原一騎の………うーんやっぱ『巨人の星』かな。柔道一直線もいいんですけどね」
船越「いいですよねぇ」
荒木「後はやっぱ『ドラゴンボール』ですね」
船越「『ドラゴンボール』ですか！」
Q82 「やられた」と思ったマンガは？
船越「やられた！と思ったマンガはありますか？」
荒木「いや、べつにないですね」
Q83 尊敬するマンガ家は？
船越「尊敬するマンガ家はどなたでしょうか？」
荒木「やっぱり横山光輝先生」
Q84 週刊連載で心がけていることは？
船越「週刊連載をする上で心がけていることはどういう事でしょうか？」
荒木「締めきりを守る」
Q85 長く続ける秘訣は？
船越「長く続ける秘訣を教えてください？」
荒木「あ、これがそうですね。締めきりを守る、と。そういうことです」
Q86 仲の良いマンガ家は？
船越「仲の良いマンガ家さんはどなたでしょうか？」
荒木「えっと………いないですね(笑)。特に。いるって答えてもいいんだけど、そんな会っていないんだよなぁ。みんな忙しくてさぁ(笑)」
船越「そうですよね。なかなかねぇ」
荒木「そうなんですよ」
Q87 パソコンは使う？
船越「パソコンは使えますか？」
荒木「僕は駄目ですパソコン。あの待ち時間が」
船越「でも、お使いにはなられると」
荒木「ええ」
船越「あまり好きではない、と」
荒木「好きではないですね」
Q88 着メロは？
船越「携帯の着メロを教えていただけますでしょうか？」
荒木「携帯は僕、持ってません」
Q89 一番会いたい女優さんは？
船越「一番会ってみたい女優さんを一人教えてください」
荒木「ええっ、これ日本の女優さん、って事ですか？」
(スタッフが「いや、外国でも」と答える)
荒木「ナタリー・ポートマンに会いたいですね。『スター・ウォーズ エピソード1』のアミダラ姫。あれ、いいですねぇ(笑)」
船越「目尻が下がりましたね先生」
荒木「すごい美人ですよあれは」
船越「そうですよねぇ」
Q90 無人島に持っていくものは？
船越「無人島に持っていくものを三つ挙げてください」
荒木「やっぱり好きなマンガと、CDと、鉛筆」
Q91 一番高価なものは？
船越「今まで買った一番高価なものを教えてください」
荒木「何だろう………仕事場かなぁ」
Q92 尊敬する人は？
船越「尊敬する人は誰ですか？」
荒木「尊敬する人？ ………僕は画家のベラスケスが」
(画面にベラスケスのテロップ出る。
「ベラスケス」(1599～1660) スペイン セビリア生まれ。フェリペ4世の宮廷画家として活躍)
Q93 今後、挑戦してみたいジャンルは？
船越「マンガ家として今後、挑戦してみたいジャンルはどんなものですか？」
荒木「別に、今のマンガをどんどん進めていきたいだけ」
Q94 『少年ジャンプ』どこから読む？
船越「『少年ジャンプ』どのマンガから読みますか？」
荒木「最初から、載っている順に」
Q95 マンガはいつまで描く？
船越「マンガはいつまで描こうと思われていますか？」
荒木「50ぐらいですかね。そんな長く描けるのかなぁ(笑) 少なくとも週刊連載はちょっとできないんじゃあないかなぁ。スポーツ選手と同じ様な感じがありますけど」
船越「やっぱりこれは時代でしょうかね」
荒木「時代っていうか、体力」
Q96 老後の過ごし方は？
船越「老後はどう過ごしたいですか？」
荒木「やっぱりこう、友達とレストランでだべりながら、みたいな(笑)。それいいですよ。男同士でね」
Q97 もし願い事が叶うなら？
船越「願い事が叶うなら、何をお願いされますか？」
荒木「ええっ………？ 何だろうな………あんまりないですけど。別にないです」
Q98 マンガ家に向いている人はどんな人？
船越「マンガ家に向いていると思う人はどんな人でしょうか？」
荒木「マンガ家って、いろんな魅力があるんですよね。脚本家であったり、画家であったり、監督であったり、役者であったりすねから、たぶん音楽家以外は誰でも向いているんじゃあないかと思いますけど」
船越「はぁーなるほど」
荒木「いろんな魅力があるから、そこさえあれば。絵下手なマンガ家もいるし、絵だけで話ができない人もいるし。いろんな魅力があるから何でもできると思いますね」
Q99 マンガ家として大切なことは？
船越「マンガ家として大切なことってなんでしょう？」
荒木「創作は美しい、って心に念じていることじゃあないですか」
船越「素敵な………」
Q100 あなたにとってマンガとは？
船越「では最後に、ちょっと難しい質問かもしれませんけど、先生にとってズバリマンガとは何でしょう？」
荒木「自分を見つめるものですね」
船越「ありがとうございました」
(船越、荒木と固く握手しつつ) 船越「ありがとうございました。素敵な創刊号にさせていただきましたお蔭様で。これからも楽しみにしておりますので、くれぐれも体調を 崩さないように………体調を崩すと主人公がピンチになってしまいますからね(笑)。ご活躍をお祈りしております。ありがとうございました」
荒木「はい、どうもありがとうございます」
(ジョリーンと荒木先生のサイン映る。夜道を歩く船越)
船越「いかがでしたでしょうか。週刊少年『』創刊号としては素晴らしいものが出来上がったと編集長としては自負するとともに、あらためて荒木先生に感謝したいと思いま す。荒木先生のお話を実際に伺うことができて、ジョジョのルーツにも触れることができて、さらにジョジョの作品世界が広がったような気がします。第七部が本当に今から待ち遠しい、そんな思いでいっぱいです。是非、荒木先生、老後のお茶のみ友達の中に私を加えていただきたいと思います。それでは皆さん、また次号でお会いしましょう！」[21]
A short report about the JoJo in Paris exhibition transcribed from an audio interview with Araki.
Q1: "So, why did you decide to open a solo-exhibition?"
I think that manga has various appeal, but I also think that it appeals to painters and artists as well, which is an area I wanted to explore.
Q2: "Why did you choose to open the exhibit in Paris?"
The reason I didn't want to inform any of my Japanese readers about the exhibition in France is because I want people who haven't read my manga to see my art.
Q3: "What were your thoughts on the solo-exhibition?"
Coming to Paris, I saw people of various ages and races, and it felt like I was in a painting without borders. I'd like to think it was very successful with my audience.
Ｑ１．今回、個展をされた理由は？ 漫画には色んな魅力があるが、画家・絵描きとしての魅力もあると思うので、その辺を開拓していきたい。
Ｑ２．場所にパリを選んだのはなぜですか？ フランスでの原画展を、日本の読者にあまり教えなかったのは、「漫画を読んでいない人に絵を見て頂きたい」。
Ｑ３．個展をされたご感想は？ パリでやってみて色んな人種や年代の方に来ていただいて、「絵に国境はないんだな」と感じた。客の入りの方は大盛況。[22]
A longer interview published on June 15, 2003 in the Quarterly S magazine.
- What made you decide to hold a solo exhibition in France? I think it’s pretty uncommon for an author to take the lead.
Araki: Most of my readers are people in their teens or early twenties. But there was one instance where a 9-year-old girl came up to me to tell me how good my art was, which made me feel happy. Even though she hadn’t read my manga before, she still had an appreciation for my art.
This experience made me wonder how older people would react if they saw my art, too. It also made me wonder how audiences overseas might view my art compared to folks in Japan. And so, I got in touch with someone and decided to hold an exhibition in France.
I’m surprised myself. But to answer your question, it all started because of a little girl.
- Oh, I see. As the gallery owner, what was your first impression when you were asked to hold a solo exhibition? I’ve heard this gallery usually exhibits works from prestigious artists such as Renoir and Chagall, so this must’ve been quite a new challenge.
Vedovi: Firstly, as someone who deals in abstract art, I’ve always been fascinated by manga and anime, which are only now seeing worldwide attention.
I also admire seeing the works of other Japanese artists, such as Takashi Murakami and Yoshitomo Nara, and have wanted to exhibit something similar to them for a while. So when the offer came, I felt like I could connect immediately with the artist. I think it was fate that we were able to meet.
Also, during this time, I was a big fan of Arnaud Faugas, a famous abstract artist who paints cartoons. I believe his success is largely in part due to the way he uses different animation techniques in his illustrations. The colors he uses are also very cartoonish. I think my interest in those aspects of his art is what led to my exhibition with Araki.
- Is that to say you get a particular feeling looking at Japanese manga and anime that you don’t get from Western art?
Vedovi: For a long time, French people have viewed manga and anime as something only meant for children. However, both Takashi Murakami and Yoshitomo Nara have created wonderful works of art that are now recognized in France and Europe. That’s why I consider manga illustrations to be another form of abstract art. I think this is the artistic notion of all Europeans, not just the French.
So, although JoJo is available in French, the readers who buy it are mostly people in their teens or early twenties. But they would never read it if it didn’t have any artistic quality. I think it’s because of this artistic quality that manga is accepted into the hearts of kids.
- It seems that Mr. Vedovi sees your art as abstract. What do you think about this from the perspective of an artist?
Araki: In my case, I’m more influenced by the style of classical Western paintings rather than abstract art. For example, I like to study the color composition used by artists such as Velázquez and Gauguin. I then incorporate parts of that into my manga. So I don’t really have any interest in abstract art.
Manga artists have many roles, such as scriptwriting, photography, and acting, but I’d like to think of them as artists, too. Or at least, that’s what I like to focus on. That’s just the kind of manga artist I am. It’s not like I dislike abstract art or anything, it’s just not something I’m interested in. I’m more interested in the classical side of art. So you could say I’m more of a … Neo-Velázquez?
- Is that so (laughs). You said that you like to look at classical paintings to study the fundamentals of their colors. Do you feel the same way about that, too, Mr Vedovi?
Vedovi: The way Araki uses colors in his works is very beautiful, so I get the feeling that he’s seen a lot of impressionist paintings. However, abstract and contemporary paintings are a genre of art that utilize a lot of dynamic movement, atmosphere, and color in their composition, and I feel like Araki also uses that well in his works. His art manages to have both dynamic movement and beautiful colors, which I think gives it a dream-like quality.
- Certainly. The poses for Araki’s characters are very unique, and even the black-and-white pages of the manga have some interesting compositions. I think that’s what makes Araki unique, but do you look at those aspects in the same way?
Vedovi: I’m impressed at how extremely well done the drawings in every panel are.
- In Japan, a problem people face nowadays is how to take their drawings and transform them into their own thing. In that regard, Araki-sensei is an expert. What do you hope to see from people working on Japanese manga and anime in the future?
Vedovi: Since the end of the war, Japan has been greatly influenced by the United States in terms of art, such as anime and manga. But in the future, Japanese anime will have a global impact on the world. I feel like everyone is becoming more and more aware of it throughout the world; I’m sure everyone here is aware of it, too. So from now on, I think it will become something very easy for young people to get into.
- Well, that’s very interesting. It’s hard to grasp that from the standpoint of an artist working in Japan. Even if you told me that Japanese manga and anime are popular outside Japan, it doesn’t quite connect. It’s very fascinating to hear what others think about Japan, especially people from overseas.
Vedovi: We’re all trapped in the preconceived notions of the past. I think it’s important for the new generation of young people to broaden their horizons on a global scale, free from any standpoint, and do the things they want in a free society, including drawing anime and manga.
- By the way, since it is Araki-sensei’s exhibition, what do you personally think is the most interesting part of Araki’s art?
Vedovi: Above all else, beauty. The pursuit of beauty is something that is gradually disappearing from society. We’re also stepping into a new era that has never existed before. He’s creating a new era that is completely different from the manga and anime that I saw as a kid. That’s what I’m interested in.
On a personal note, I have a 6-year-old boy who already uses the word manga. This means that a Japanese word has already entered the French vocabulary, that’s how widespread anime and manga have become. To begin with, my son is already a big fan of Araki-sensei’s JoJo.
- Is that so? So JoJo has readers all around the world.
Vedovi: That’s right. And there are a lot of them, too.
- Then it would be good to have exhibitions in other countries, too, not just France.
Vedovi: My parents own a world-renowned gallery in Brussels, Belgium. So maybe next time I’ll be able to show Araki’s works in Belgium instead. I’d like to do that.
- I see you’ve already made plans for the next time (laughs).
Araki: If Mr. Vedovi wants me to do another exhibit, I’ll do it. Even if it means going to the other ends of the earth (laughs). I’d be very happy.
- Well, I’m looking forward to your next exhibit (laughs). By the way, do you have any ambitions for how you would like to draw in the future?
Araki: I always draw my art with themes, like courage. I want to be able to give encouragement to my readers, I don’t want it to go in a negative direction. That’s the only thing I try to keep in mind.
- Both a 9-year-old girl and a 6-year-old boy are fans of your work (laughs). Thank you very much for your time today.
荒木飛呂彦 個展 in PARIS 『ジョジョの奇妙な冒険』で圧倒的人気を誇る荒木飛呂彦がパリで個展を開催した。 第六部ストーン・オーシャン編も完結したばかりで、さみしい思いをしていたファンには嬉しいニュースだ。 今回は情報誌初！の独占取材でフランスの個展情報を紹介しよう。
今回の個展は荒木さんたっての希望で実現したという。 荒木さんは「僕は世界に一枚しか存在しない『絵』というものにひかれるんだよね」という。確かに、つねに独創的で魅力あるイラストを描き続けてきた作家である。今回はそんな『ジョジョ』作品をもって、フランスでの個展。彼のイラストは西洋絵画の伝統ある画廊の人にどう受け止められたのだろうか？ 漫画というフィールドから新たなジャンルへ挑戦を挑む荒木さんと画廊のオーナー・ヴェドヴィ氏に話を伺った。
――今回フランスで個展をされるにあたってきっかけはどんなことだったんですか？ 作家さん主導で、というのは珍しいと思うのですが。
荒木 僕のマンガというのは十五歳くらいから二十代の人が読むものだと思うんだけど、ある時九歳の女の子が僕に対して「絵、じょうずね」っていってくれたんですよ。それがね、嬉しかったの。マンガを読んでもいないのに、僕の絵にだけ興味を持ってくれていたのね。それと年寄りの人もやりなさいよっていうわけよ。それで、「そうなの？」って感じてやろうと思って。でも日本人よりも海外の方はどういう風に見るんだろうなと思って、その後いろんな人と知り合ってフランスでの個展になったの。自分でも驚いてはいるんですけど、きっかけは小さな子供。
――なるほど。では、画廊のオーナーとしては個展の開催依頼があったときにどのように思われましたか？ こちらの画廊はいつもはルノアールやシャガールなどを展示している老舗の画廊だと伺ったので、とても新しい挑戦だったのではないかと思うのですが。
ヴェドヴィ まず私は抽象絵画の画商として、今世界的に注目されているマンガやアニメに非常に興味があったんです。そして村上隆さんなどの絵を拝見して非常に憧れを持っていた。そして何か新しいことを始めたいという気持ちがあって、お話が来たときにすぐ繋がりが持てるような感じがあった。だからそれが運命の繋がりだったんだと思います。また、同時期にトーマス・アルノーの、この人は有名なアニメの抽象絵画の画家なのですが、その人の絵を私は非常に好んで見ていました。でも彼が成功しているのは、アニメのテクニック、アニメの原画のイラストを出していること、色遣いもアニメのものにしていることが原因だと思うのです。そうした彼の持ち味に非常に興味を持ったことが、やはり荒木さんの展覧会に繋がったんだと思います。
――それは、日本的なアニメやマンガをご覧になって、西洋絵画にはない特殊な感じを受けるということでしょうか？
ヴェドヴィ 今までのものの考え方でいけば、フランス人もマンガやアニメは子供の読むものと思っていたのです。ですが、村上隆さんにしても奈良美智さんにしても素晴らしい芸術を発表してらっしゃる。そのことがフランスやヨーロッパでも認められている。それはやはり芸術として認めたということで、それに私も共感するということです。だからマンガのイラストレーションも抽象絵画の一端に入るという風に私たちは思っています。それは私たちだけではなく、ヨーロッパ人の芸術感覚だと思います。もちろんフランスでも若い人たちはマンガを好みます。ですから『ジョジョ』がフランス語版で出ていますが、買っている読者は十代から二十歳くらいの子供たちかもしれない。でも彼らも芸術性がなかったら絶対好まないんです。芸術性があるからこそ子供達の夢の中でもそれが受け入れられたと思うので。
――ヴェドヴィさんは抽象画としてご覧になっているそうですが、お描きになっている立場としてはどう思われますか？
荒木 自分的には抽象絵画というよりも西洋の古典技法に影響を受けているので、例えばベラスケスとかゴーギャンの色の配置が大好きで研究してるところがあります。それをマンガに取り入れているところはある。だから抽象絵画という概念はないです。むしろ取り入れて融合しているフュージョンの感覚はあるかな。マンガ家はたくさんの役割を持っていて、脚本家やカメラマンや俳優などがあったりするけど、画家みたいなところもあるのかなって思う。僕はそういうところに力を入れているというか、そういうタイプの漫画家だと思うので。でも抽象絵画は好きで見てはいますけど、概念は僕にはあんまりない。むしろどちらかというと古典的な方に意識はいってるから、なんというか・・・・・・ネオベラスケス？
――なるほど（笑）。古典絵画がお好きで見ていらして、そこから色の法則などを追求なさっているとのことなんですが、そういうところはヴェドヴィさんもお感じになりますか？
ヴェドヴィ 彼の作品の色の使い方が非常に美しいということから、やはり印象派の絵を非常に見てらっしゃるなという感じはします。でも抽象絵画、いわゆるコンテンポラリーの絵画もジャンルとしてとても構図に動きがある、雰囲気がある、色も非常に多く遣う。そしてやはり彼の作品の中にも非常に動きを感じる。動きがあると同時に美しい色遣いがある。そこが何か夢を膨らますように私には感じます。
――確かにキャラクターのポーズなども凄く独特で、マンガのモノクロ原稿でも非常に面白い構図があるんですね。それは荒木さんの特徴の一つだと思うのですが、そういうところも同じように見てらっしゃるのでしょうか？
ヴェドヴィ 一つ一つの、一コマ一コマの絵のデッサンが非常によくできているというところに感動があります。
――日本では最近はデッサンを取れた上でいかに自分なりにデフォルメするかというのが問題なのですが、その大先輩が荒木さんみたいな方なんですけれども。これから日本でマンガとかアニメーション、そういうものに携わっている方たちに期待されることはありますか？
ヴェドヴィ 日本の終戦後というものは、マンガの社会、アニメの社会、そういった芸術面でもアメリカから非常に影響を受けてこられた。しかしこれからの社会では日本のアニメというものが世界に影響を与えていく。日本のアニメーション、マンガの社会というものが世界に知られているということはみなさんが感じてらっしゃるわけです。そのように認知しているでしょうから。だからこれからは若い人たちが非常に出やすい形で発達して行くんじゃないでしょうか。
――なるほど、面白いですね。国内で作品を描いてる立場ではそういうことはなかなか分からないですから。海外で日本のマンガやアニメが流行っているといわれてもピンとこないんです。他の人からどう見られているのか、特に海外からそういう風に見られているという事はとても面白いです。
ヴェドヴィ 我々はやはり今までの既成概念に囚われている。新しい若者たちが自由な立場でもって世界的に視野を広げながら、自由な社会で何かをするということが、アニメやマンガを描くということも含めて、新しい意見になってくるんじゃないでしょうか。
――ちなみに今回は荒木さんの展覧会ということで、個人的に荒木さんの絵のどこらへんが一番面白いと思われますか？
ヴェドヴィ まず美しいこと。美しさを追求するということがこの社会からだんだんなくなってきている。また、新しい、今までなかったようなエリアに踏み込んでいること。私が子供の時に見たマンガ、子供の時に見たアニメというものとは全然違った新しい社会を創造してらっしゃる。そういうこともわたしが興味を持っていることです。個人的なお話になりますが、私には六才の男の子がいてその子がもうすでにマンガという言葉を使っている。ということは日本の「マンガ」という言葉がフランス語化しているということなんです。それだけ日本のアニメ、マンガが浸透しているという風に理解しています。そもそもわたくしの息子は荒木さんの『ジョジョ』の大ファンなんです。 ――そうなんですか？ 読者は世界中にいるということですね。
ヴェドヴィ そういうことです。たくさんいるということですよ。
――じゃあフランス展だけでなく、また別の国や土地でも展覧会を開催するといいかも知れませんね。
ヴェドヴィ 私の両親はベルギーのブリュッセルにある老舗の画廊なのです。ですからたぶん次回はベルギーでも公開させていただくことになるかもしれません。そうしたいと私は思っております。
――もう次回の予定があるようですね（笑）。
荒木 ヴェドヴィさんからいわれると。プロポーズがあったら地の果てまで行ってもやりますよ（笑）。すごい喜んで。
――じゃあ、次回展覧会を楽しみにしていますということで（笑）。ちなみに、今後こういう風に絵を描いていきたいというような抱負みたいなものがありましたら。 荒木 僕はいつも「勇気」みたいなものをテーマに絵を描いてるんです。やっぱり読んでる人に元気を与えたいかなって。ネガティブな方向には走らない、そこだけ気をつけて行こうと思っています。
――九歳の少女や六歳の少年もファンですからね（笑）。今日はどうもありがとうございました。
個展レポート
漫画のイラストを抽象画として
今回の個展が行われたのは、オーデルマット―ヴェドヴィ画廊。ここはクリスチャン・ラクロワなど高級ブランドのブティックが建ち並ぶフォーブル・サントノーレ通りに面し、フランスの大統領官邸・エリゼ宮のすぐそばにある老舗の画廊だ。インタビューでも出たように、普段はルノアールやシャガールなどを展示しているということで、今回のように漫画のイラストを抽象絵画として展示するのは大きな挑戦だったそうだ。
もちろん、その背景には村上隆や奈良美智など日本の現代美術のアーティストたちが評価されていることがある。また、フランスのテレビで『ドラえもん』や『遊戯王』が放映されており、日本の漫画・アニメが浸透していることもあるのだろう（ちなみにこの二作品は、個展会期中朝の八時台に放映していた）。
そんな中で、漫画・アニメの絵を「新しい抽象画」として位置づけたいというヴェドヴィさん。今回の個展に関してだけでなく、新たな時代の流れをこのように考えているそうだ。「新しい世代の代わり目だし、新しい抽象絵画の時代はマンガの社会じゃないかと思います。それに対してはわたしの目は狂っていないと思うのです」 老舗でありながら新たな挑戦を忘れない。それは、漫画家でありながら絵画としてどう見えるのか？にチャレンジした荒木さんと響き合うスタイルではないだろうか。
ジョルノとジョリーン 描き下ろしの二作品
画廊の正面に飾られたのが四八ページ（※↑）に掲載したジョルノの新作イラスト。このページ（※↓）に掲載したジョリーンの作品とは対になる、描き下ろしの二枚だ。八四×五九センチという大きなサイズで描かれたジョルノは画廊の玄関の美しさと相まって存在感充分。もちろん、道行く人が足を止めて見入るシーンもあり、年代も若い女性からスーツ姿の中年男性、おばあちゃんなどさまざま。ちなみにジョリーンのイラストは、ジョルノの作品の「真下」に展示。画廊の地下（非公開）に設けられたスペースに飾ってあり、一階の床に空いたガラスごしの小さなスペースから覗くという構成だ。これはガラスを鏡に見立ててた面白い構成で、荒木さんらしい遊び心のある演出。 余談だが、ジョルノにそっくりと言われていたオーナーのヴェドヴィさん。荒木さんいわく「あんまり似てるから、それで気に入ってくれたのかな？」と冗談をいうシーンもあった。
ファンもたくさん来場
オープニング初日はたくさんのファンが来場し、会場は一時混雑状態に。ファンの多くは日本語版のコミックスを手にしてサインを求めていたが、中にはLDを持参している人も。四十枚近く飾られた原画をしげしげと眺めながら漫画について語る姿は日本とほどんど変わらない。中にはベルギーから来たという大学生もいて、ネットのファンサイトで出会い、グループで来たそうだ。
また、漫画のファイルを持参して荒木さんにアドバイスを求めていた人も。荒木さんいわく「日本人は線で描くような人が多いけど、フランスの方は面で描くようなタイプが多くて違いがあるよね」など親身に相談にのる一幕もあった。他にも『ジョジョ』作品のゲームやアニメなどの質問が相次ぎ、一時はファンによるミニインタビューのような雰囲気に。
そして、帰りには芳名帳に感想を記していたが、そこにはもちろんジョジョキャラが。フランス語版は第三部までしか発売されていないとのことなので、日本の読者には懐かしい承太郎などが描かれていた。 [24]
AnimeLand: Could you enlighten us on the genesis of JoJo?
Hirohiko Araki: Originally, there was this idea of the succession between generations, a father/son heritage. Then I wanted to show traveling heroes who would fight to defend humankind. The idea of successive generations was inspired by The Godfather saga (Brian de Palma) or East of Eden (Eliat Kazan): family stories, where the action is happening across several generations. At a very young age, I had been touched and inspired by these movies that all became classics.
A.L.: Did you have some idea of what each part would be in advance, or did your original ideas change as time passed?
H.A.: At the very beginning, everything was set around fights, ratios of power. Then, as time passed, everything became more “spiritual”, with a greater place made for ideas like friendship. At the graphic level, the first series showed off very “macho-man” type heroes with over-proportioned muscles. Then the characters became slimmer, more elegant too.
A.L.: What do you think about the Western translation of JoJo: does the term “bizarre” look appropriate to you? And if yes, what aspect of your work does it reflect?
H.A.: Indeed, the Japanese title would translate closer to “amazing”, or “marvelous”. But really, what I wanted to express in this manga is something really different, something strange, bizarre. So, in the end, the translation is rather spot on (smile). I think this feeling is reflected in some respects or situations in the manga: the unforeseen turnabouts, the way the facial expressions change, distort themselves, the hidden personality of some characters…
A.L.: How did the idea of the "Ripple" and then "Stand" come to you?
H.A.: For the Ripple, the idea was that of an indirect force, a force striking from a distance like in the water for instance: if I hit the surface of a calm water, I indirectly affect the surroundings thanks to the residual ripple. For its part, the Stand is something a Westerner may find difficult to envision. It finds its origin in Shintoism: the spiritual essence of our ancestors protects us, in fact each and everyone of us is permanently protected. Without being a Shintoist myself, I know the Japanese culture and philosophy well for being born into it, so I am influenced by them in my creative work.
A.L.: You seem to like gore and often draw characters having the ability to regenerate from wounds. Is it an homage to this cinema genre, and to "The Thing" from John Carpenter?
H.A.: Oh I like this genre a lot, but also comics and TV series. John Carpenter, De Palma… their work interest me a lot, I study them a lot, I saw them all. Now, about The Thing, one shouldn’t forget that the first volumes of JoJo go back to the 80s, I probably had the idea before seeing this movie.
A.L.: They say that you are a big fan of Western culture, be it classical or modern?
H.A.: Yes, I have a big interest in art, in impressionism, in contemporary art, or illustrations? I study all of it too, and it greatly influences my work.
A.L.: In your mind, does it explain the success of JoJo in the West?
H.A.: Well, to become a mangaka, you must study a lot, learn many different things: in a way, you must know everything, from Jangaya to Spielberg.
A.L.: Each JoJo has some similar characteristics: an impeccable morale fiber, temerity, selflessness, a perfect physical appearance, a great strength. Have you never been tempted to give life to an anti-hero?
H.A.: No. For me, a hero must be clean, just, at least that is the idea. He can have a mean look, be dangerous, go through difficult times, but his heart stays pure, and never will he do something dishonest. He’d never attack a woman or a child, that’s his main trait.
A.L.: Jojo is also one of the few manga to draw the death of its hero in a gory way. (see Zeppeli's death who was cut in half).
H.A.: To protect someone, a real hero must sacrifice himself, even if his death makes no doubt: That is also a heritage from Japanese philosophy. A hero doesn’t seek money, he becomes what he is to save someone else, he’s honest, charitable. The more horrible his death is, the worthier his sacrifice is.
A.L.: About morality, we have the impression of “moral” battles, more than real battles in JoJo.
H.A.: It is a symbol, linked to the way the hero manages to vanquish evil. Basically, there are three types of character in JoJo: the good, the bad and the undefined ones (at least momentarily, an aggressive character can reveal himself as a good one). Even the “bad” characters have a reason for acting, there is always a reason justifying their misdeeds. And we should present the circumstances that pushed the individuals to turn to the dark side to the reader.
A.L.: JoJo also reflects your passion for magic, illusionism…
H.A.: Yes, I never miss a magic show in Japan! Lance Barton, David Copperfield: you know, that trick where he makes a motorcycle disappear… It interests me a lot, I make a big effort to decipher how they do all that! It also gives me inspiration.
A.L.: Just like the creation of Zeppeli’s character?
H.A.: Yes (laughs)!
A.L.: And do you practice magic?
H.A.: I know a few tricks, and I know how to make a coin disappear. (laughs)
A.L.: JoJo’s Bizarre Adventure has been compared to Hokuto no Ken: what do you think about it?
H.A.: Tetsuo Hara is one of my friends, we often dine together. He completely revolutionized the way the human body was represented in manga, thus he also influenced me in this level.
A.L.: Do you talk about your respective works when you see each other?
H.A.: In fact, being both professional mangakas, we avoid talking about our jobs.
A.L.: Can you see that Jojo is full of nods to Hokuto no Ken?
H.A.: In the first chapters, yes, because of the masculine bodies and the gory effects… But not now.
A.L.: About your work on the heroes’ appearance, what are your influences outside of manga?
H.A.: I constantly read anatomy books or écorchés, to study the structure of bones and muscles. I have been very impressed by the Palazzo Vecchio museum in Florence, Italy. I bought books about it on the subject.
A.L.: Sculpture too? There are works in this museum showing poses that’d remind people of your work…
H.A.: Yes, definitely, and I like the Rodin museum here in Paris. I’ve assisted to posing séance here, and it touched me a lot.
A.L.: To finish, it seems there are several levels of reading in Jojo, and everyone can appreciate the manga in their own way depending on the age. To whom do you prioritize JoJo for?
H.A.: Currently in Japan, I am asked to write stuff for a younger audience (less than 15 years old), in a cute, “kawaii” way… It really flies over my head, in fact. To write something good, you must above else be able to understand it and to appreciate it.
A.L.: Interestingly, JoJo’s Bizarre Adventure seems to please the French female readership whereas it was destined to a male readership. What can justify that in your mind?
ARAKI Hirohiko : Exposed
AnimeLand : Pouvez-vous nous éclairer sur la genèse de Jojo ?
ARAKI Hirohiko : En premier lieu il y avait le concept de succession des générations, l’héritage père/fils. Ensuite, je voulais mettre en scène des héros voyageurs qui se battraient pour défendre l’humanité. L’idée des générations successives m’a été inspirée par la saga du Parrain (Brian DE PALMA), ou A l’Est d’Eden (Eliat KAZAN) : des histoires de familles, dont l’action se déroule sur plusieurs générations. Très Jeune, J’ai été touché et inspiré par tous ces films devenus des classiques.
A.L. : Aviez-vous une idée de ce serait chaque saison à l’avance, ou votre idée première s’est-elle modifiée au fur et à mesure ?
A.H. : Au tout début tout était axé sur le combat, les rapports de force, puis, au fil du temps, tout est devenu plus “spirituel”, avec une grande place faite à des valeurs comme l’amitié. Au niveau graphique, les premières séries mettaient en scène des héros très “machos” aux muscles surdimensionnés. Puis les personnages sont devenus plus fins, plus élégants aussi.
A.L. : Que pensez vous de la traduction occidentale du titre de Jojo (1) : le terme bizarre vous parait-il approprié ? Et si oui, quel aspect de votre travail reflète-t-il ?
A.H. : En effet, le titre japonais se traduirait plus par “amazing” : étonnant, merveilleux. Mais justement, ce que je tenais à exprimer dans ce manga est réellement quelque chose de différent, d’étrange, de bizarre. Donc, en définitive, la traduction est plutôt juste (sourire). Je pense que cette sensation se reflète dans certains aspects ou situations du manga : les retournements de situation imprévus, la façon dont l’expression des visages change, se déforme, la personnalité cachée de certains personnages…
A.L. : Comment vous est venu l’idée de l’Onde, puis du Stand ?
A.H. : Pour l’Onde (ou Hamon), l’idée de départ était celle d’une force indirecte, une force qui frappe à distance, comme dans l’eau par exemple : si je frappe une surface d’eau calme, j’affecte indirectement les alentours grâce à l’onde résiduelle.
Le stand, quant à lui, est peut-être quelque chose de difficile à appréhender pour un occidental. Il trouve son origine dans le shintoïsme : l’essence spirituelle de nos ancêtres nous protége, en fait chacun de nous est protégé en permanence. Sans être moi-même shintoïste, je connais bien la culture et la philosophie japonaise pour y être né, je suis donc influencé par elles dans mon travail de création.
A.L. : Vous semblez beaucoup apprécier le gore et mettez souvent en scène des personnages possédant la capacité de se reconstituer après blessure. Est-ce un hommage à ce cinéma, et au The Thing de John CARPENTER ?
A.H. : Oh, j’aime beaucoup ce genre de cinéma, mais aussi les comics, et la télé. John CARPENTER, DE PALMA… leur travail m’intéresse énormément, j’étudie beaucoup tout cela, je les ai tous vus. Maintenant, concernant The Thing, il ne faut pas oublier que les premiers volumes de Jojo remontent aux années 80, j’avais probablement eu l’idée avant de voir ce film.
A.L. : Il parait d’ailleurs que vous êtes un grand fan de culture occidentale, classique ou moderne ?
A.H. : Oui, je m’intéresse beaucoup à l’art en général, qu’il s’agisse d’impressionnisme, d’art contemporain ou d’illustration. J’étudie tout cela également, et ça m’influence dans mon travail.
A.L. : Cela peut-il expliquer, à votre avis, le succès remporté par Jojo en occident ?
A.H. : Eh bien, pour devenir auteur de manga au Japon, il faut étudier énormément, apprendre beaucoup de choses très différentes : en quelque sorte, il faut tout connaître, de JANGAYA à SPIELBERG.
A.L. : Tous les héros de Jojo ont certaines caractéristiques communes : morale impeccable, témérité, don de soi, plastique parfaite, force incommensurable. N’avez-vous jamais été tenté de donner vie à un anti-héros ?
A.H. : Non. Pour moi, un héros doit être propre, juste, du moins c’est l’idée que je m’en fais. Il peut avoir l’air méchant, dangereux, il peut traverser des moments difficiles, mais son coeur reste pur, et jamais il ne ferait quelque chose de malhonnête. Jamais il ne s’attaquerait à une femme ou à un enfant, voila son principal trait.
A.L. : Jojo est également un des seuls manga à mettre en scène la mort de ses héros de façon très gore. (voir la mort de Zeppelli, coupé en deux).
A.H. : Pour protéger quelqu’un, un vrai héros peut avoir à se sacrifier, même si sa mort ne fait aucun doute : c’est là aussi un héritage de la philosophie japonaise. Un héros ne cherche pas l’argent, il devient ce qu’il est pour sauver autrui, il est honnête, charitable. Plus sa mort est horrible, plus son sacrifice prend de la valeur.
A.L. : Parlant de valeurs morales, on a d’ailleurs l’impression d’assister à des affrontements “moraux”, plus qu’à de réels combats dans JoJo.
A.H. : C’est une symbolique, cela a trait à la façon dont le héros arrive à vaincre le mal. Il y a très basique ment trois archétypes de personnage dans Jojo : les gentils, les méchants, et les personnages indéterminés (du moins momentanément, un personnage apparemment agressif pouvant se révéler être un gentil par la suite). Même les personnages “mauvais” ont une raison de mal agir, il y a toujours une raison qui justifie leurs exactions. Et il faut présenter au lecteur les circonstances qui ont poussé ces individus à se tourner du mauvais coté.
A.L. : Jojo reflète également votre passion pour la magie, l’illusionnisme…
A.H. : Oui, je ne rate jamais un show de magie, au Japon ! Lance BARTON, David COPPERFIELD : vous savez, par exemple, ce tour ou il fait disparaître une moto…Ça m’intéresse beaucoup, je me donne du mal pour essayer de comprendre comment ils font tout ça ! Cela me donne également de l’inspiration.
A.L. : Comme pour la création du personnage de Zeppelli notamment ?
A.H. : Oui (rires) !
A.L. : Et vous, pratiquez-vous la magie ?
A.H. : Je connais quelques tours, je sais faire disparaître les pièces de monnaie (rires)
A.L. : Jojo’s bizarre adventure a souvent été comparé à Hokuto no Ken : qu’en pensez-vous ?
A.H. : HARA Tetsuo est un de mes amis, nous dînons souvent ensemble. Il a complètement révolutionné la représentation du corps humain dans le manga, il m’a donc influencé également à ce niveau.
A.L. : Parlez-vous de vos travaux respectifs quand vous vous voyez ?
A.H. : En fait, étant tous deux des professionnels du manga, nous évitons de parler boulot.
A.L. : Et peut-on dire que Jojo’s est émaillé de clins d’oeil, à HNK ?
A.H. : Dans les premiers épisodes, oui, au niveau des corps masculins et des effets gore… Mais plus maintenant.
A.L. : Toujours en ce qui concerne votre travail sur la plastique de vos héros, quelles sont vos influences, hors manga ?
A.H. : Je consulte en permanence des livres d’anatomie, des écorchés, pour la structure des os et des muscles. J’ai été très impressionné par le musée Palazzo Vecchio à Florence, en Italie. J’y ai acheté des ouvrages sur le sujet.
A.L. : La sculpture également ? Il y a des oeuvres dans ce musée démontrant des poses très caractéristiques de votre travail…
A.H. : Oui, tout à fait, et j’aime également beaucoup le musée RODIN, ici à Paris. J’ai assisté à des séances de pose, cela m’a beaucoup touché.
A.L. : Pour finir, il semble qu’il y ait plusieurs niveaux de lecture dans Jojo, et chacun peut selon son âge, apprécier ce manga à sa façon. A qui destinez-vous Jojo en priorité ?
A.H. : Actuellement au Japon, on me demande d’écrire des choses pour un public plus jeune (moins de 15 ans), dans un esprit très mignon, très Kawaii… Mais tout cela est très loin de moi, en fait. Pour écrire quelque chose de correct, il faut avant tout être capable de le comprendre et de l’apprécier.
A.L. : Chose étonnante, Jojo’s Bizarre’s adventure semble beaucoup plaire aux lectrices françaises, alors qu’il semblait destiné avant tout à un public masculin.
Qu’est-ce qui peut justifier cela, à votre avis ?
A.H. : Eh bien, peut-être le fait que mes héros sont tous très beau garçon ! (Rires)
Remerciements pour la traduction à M. OGII Michael-Akira, organisateur de l’exposition. [25]
僕にとってマンガは日記みたいなもの。次回作も今の作品の先にしかありません
僕のマンガを読んだことのない年配の方と、9歳の女の子から絵をほめられたことが、パリで個展を開く自信になった
『週刊少年ジャンプ』の数あるマンガの中で、'87年の連載開始以来、16年にわたって読者の圧倒的な支持を受け続けている作品がある。独特のタッチをもった美しい絵と、奇妙なまでに精緻な世界観に裏づけられた、スリリングなストーリーをもったその作品が『ジョジョの奇妙な冒険」。コミックスは通算で79巻を超え、最新のシリーズPart6『ストーンオーシャン』も、先月、無事終幕を迎えたばかりだが、その作者が彼、荒木飛呂彦だ。
「もちろん、連載開始当初は、こんなに長く続くとは思ってもいませんでした。でも『エデンの東』とか『ゴッドファーザー』みたいなアメリカ小説の伝統、というか、話ごとに主人公が変わっても、じつはストーリー全体は何世代にもわたって続いていくような物語を書きたい、ともずっと考えていたんです」
19世紀のイギリスに端を発する、誇り高き紳士ジョナサン・ジョースターと、古代遺跡から発掘された石仮面の力で吸血鬼となったディオ・ブランドーとの善と悪の闘いが、その後も延々、シリーズを重ねるごとに世代と国を超えて続いていく……一度読んだらやめられない、超ド級の冒険大河ドラマ、である。
「僕が小学生のころは、『少年ジャンプ』が創刊されたり、『巨人の星』『あしたのジョー』が大人気で、すごくハマったんです。自分の生き方までマンガに教えてもらったような気がしましたね。ジャンプはお守りというかバイブルでした。どんなに荷物が重くなっても、学校のキャンプには必ず持参。手もとにあるだけで安心するんです。もちろん、ホームシックになると取り出して読んでいたし。マンガには、すごく救われた気がしています」
そんな読者としてのマンガとのつき合いが、次第に、自分の思いをマンガで表現したいという気持ちに変わっていったのは高校時代。
「テレビの『刑事コロンボ』が大好きで、あれは犯人を最初に見せちゃうじゃないですか。見ていると、犯人に感情移入している自分がいるんですよ。コロンボが『ちょっと待ってください』と言うとイヤーな気持ちになったりして(笑)。そんなふだんの価値観と違うものを見せられたりすると、本当にみんなが言っていることは正しいのか、とか物事をすごく多面的に考えるようになりましたね。次第に人と違う考えが浮かぶと、それを何かで表現したいと思うようになったんです」
さまざまな表現手段がある中、彼が選んだのは、やはり「マンガ」だった。
「マンガって、いろいろな魅力があるんです。絵はうまいけど、ストーリーが書けない人でも、絵がすごくへ夕な人でも、マンガ家になっている人はいる。文章だけでも、映像だけでもない魅力がある。それに、学校の勉強ではほめられたことがないのに、授業中に描いたマンガとかでは、友達とかから、絵、うまいいね、とほめられたのも大きかったかな」
この4月に、パリで初めての個展を開いたのも、彼のマンガを読んだことのないかなり年配の人と、9歳の女の子から「いい絵だね」とほめられたことがきっかけだったという。
「フランス人が日本のマンガをアートとして興味をもったのにも驚いたけど、素直に評価してくれたのは自信になりましたね。僕にとってマンガは日記みたいなもの。昨日完結したからといって、まったく違う世界観は描けない。完結した作品の延長線上、連続していく先の部分にしか、興味がないんですよね」
『ジョジョ』の世界は、まだまだ続く! [26]
Part 1
Before we talk about Kira, let's talk about the town of Morioh.
It is modeled after a new residential development built close to where I grew up. Back then, I was looking at these new buildings and felt a sort of anxiety as opposed to admiration. “Was everything really going well [in there]?”
Looking from the outside, you see all these warm lights in the houses, but you have no idea what people are doing inside. These houses that looked the same were being built and they all looked pristine and happy. Doesn’t that sort of make you feel like a Kira might be [lurking] there? (laughter)
With ‘Diamond is Unbreakable’ my theme was to build out a town. I wanted to draw the humor and spookiness that might be lurking the peripheries of everyday life. Even myself now, there might be bizarre things going on if I just change my point of view.
I was also very influenced by the novels of Stephen King. I was reading them a lot in the 80’s and 90’s, but I especially liked ‘Misery’. The stage is fixed and you just keep delving deeper and deeper within it. Back then I read a lot of King novels.
Also with Part 4, I got to bring in a lot of my own tastes into the work so that was fun. Games, shops, Italian restaurants! With Tonio's store, I paid a lot of attention to what I was drawing down to the ornaments. It was great bringing that into the fold too… Research was also really easy—I just had to go home to Sendai (laughter) I would just go back, take a few pictures at a souvenir shop and draw them in—all within the realm of not being scolded [for frivolous travel] of course!
Also, Josuke's hairstyle, even my editor pushed back being like ‘Please draw a main character suited for the era’. But I thought it was good because he wasn’t. The way he cares about his hairstyle, it’s very ‘70’s~80’s delinquent’-like isn’t it? But when you go to the countryside, you occasionally see people like that (laughter) When I was a student, I would stay away from people like that because they scared me, but now there’s almost something endearing about them.
So it seems that when we remixed the comics, there were 7 volumes just dedicated to episodes related to Kira. I myself was like ‘Wow, did I really draw that much of him?’
One of the themes of ‘Diamond is Unbreakable’ is that Horror may be lying right behind our everyday lives. The reason for that is because I liked reading books on serial killers back in the 80’s—this is right before ‘Silence of the Lambs’ would be published and that became a trend—and I wanted to understand what the motivation of serial killers were. Why would you be born a human and do things like this? Those types of questions really interested me and the actions of these people I found really spooky.
So when I started drawing out ‘everyday life’, I had an initial assumption that a serial killer would be the enemy. A sort of different enemy from ‘Stardust Crusaders’, one that lies in wait. The ‘Stardust Crusader’ enemies came rushing in, but [I was thinking of] an enemy that would sort of lure you in… Eventually I was thinking of drawing something like that, but I wasn’t imagining Yoshikage Kira as a specific character from the start.
The first enemies were student-level enemies like Okuyasu and Keicho, also the guitarist Akira Otoishi—at first I was thinking of student level, delinquent level enemies. The reason for that being that I didn’t want to make a sort of ‘Greatest enemy’. When you create a ‘Greatest enemy’ to be overcome, to be the goal, the readers can’t focus on anything besides that. I didn’t want that to become a weakness in the work. For every story I wrote, I wanted the attention to be on what’s happening right now.
But it seems ‘Jojo’ readers really wanted a ‘Greatest enemy’ of some sort, I guess DIO gave off too strong an impact…. so when it seemed like the end was in sight, I thought up of Kira.
The name Kira is of course from ‘Killer’—so a murderer. Its very simple (laughter) The name ‘Yoshikage’… I wanted the first kanji of both names to be the same. Same with Jojo right? So it might be easy to remember if I aligned it around the letter ‘吉’. That's all. But it sounded right.
I drew from Kira's point of view in his first appearance. I wanted to draw something from the point of view of the antagonist. Up until this point, I only wrote the villains from the point of view of the protagonists—the villains as seen by the protagonists. But antagonist has a point of view as well, and I wanted to draw what their mental state might be. Why does Kira commit murders? And I wanted to draw that in a fashion where he stays an antagonist and doesn’t become a protagonist.
So I didn’t want to make him a very sympathetic character. When you read about the young lives of these serial killers, you often see that they lived unhappy childhoods. But if you start drawing that out, they become useless as antagonists. So I took care to cut out those parts as best I could when building his character. That took a bit of work.
For DIO, he had a thing about becoming a pinnacle over humanity right? But Kira is pursuing true human happiness. That’s why he hates trouble. He just wants to live in a world of his own interests, and that’s what makes him dangerous (laughter) But he might have an philosophy of his own… The enemies up until that point like DIO and Kars were all aiming for the top—it might have been symbolic of the Japanese economy up until that point, like the bubble economy (laughter). Back in those days, DIO's might have been the more natural mindset and you might unconsciously sympathize more with that.
When I was drawing Kira, what people were looking for was tranquility. The idea that happiness is not about standing on top of others. Kira’s awards since he was a middle schooler were all for the #3 spot. Not #1 or #2, but #3. Not conspicuous, but still respectful. He himself has the talent to become #1. But standing out, making enemies, being chased, feeling pressure, feeling expectations he can’t handle that at all. There might be a lot of adults who think like that, but it’ll be creepy if someone was thinking that when they’re a kid right? It’s much cuter for kids to be like ‘I’m going to become #1!’ That sort of abnormality was what I wanted to draw, that sort of odd genius.
Killing Reimi Sugimoto when he was 18, that was Kira’s first murder. It’s around the same time Jotaro and his companions fought DIO. Maybe that was a sort of year when the stars aligned. A year of destiny. Josuke was saved by the man with the pompadour that year too, so a lot of things went on.
His first murder, it was probably by impulse. By chance, he saw Reimi and snuck into her house… and that changed his fate. If not for that incident, he might not have lived a happy life without killing, but the stars steered him wrong. And from there, you can’t shake fate. His first murder went a long time without being uncovered. You read about serial killers and how they have dozens of bodies buried under the floor. You wonder how that happens without being uncovered, but that’s really scary right? Maybe its driven by the apathy of the neighbors… With that first murder, Kira became destined to kill 48 people.
Part 2
Kira’s background of bottling up his nails… that was inspired from a real life story of someone who preserved his nails to monitor his own condition and stress levels. That person is not a serial killer (laughter) That nail story was interesting, and I remembered it. It seemed like something Kira might do… ‘When my nails have grown x millimeters, I’m doing great!’ ‘This is when I can never be caught!’ I feel like I do something similar… I measure my blood pressure and read from it my condition. Sometimes I feel invincible when the readings are good. There might be athletes who do that too… not with nails of course. Kira just does a sorta-creepy version of that (laughter)
Now for Kira’s family, do you remember that scene where you see a picture of Kira’s family, I put a lot of thought into drawing that. It’s not a fun-looking family, but it also looks sort of peaceful… and that’s creepy. The father and mother appears close to each other, but also distant. They probably haven’t ever really had a major fight either. When you read about a serial killer’s life, you feel chills when you come across a picture of them as a child. I wanted to imbue that picture with a bit of that feeling.
Now Kira’s father, he was a strange person. Not quite a criminal, but considered odd. He probably knew his son was a murderer and went ahead hiding his crimes. Of course, Kira’s father went to Egypt and obtained the bow and arrow from Enya to protect his son. Right around then, DIO was looking for allies around the world and Kira’s father was one of those accepted as having potential by him. The same for Okuyasu's father. People who had been scouted by DIO were all around the world, and even among them, Kira’s father and Okuyasu's father may have had extra attention paid to them as they were in Japan along with Jotaro. For the mother, I haven’t drawn anything about her at all, but I think she may have done a sort of ‘abusive coddling’ towards Kira. That’ll be scary right?
Even now, I wonder if I should have drawn out Kira's relationship with his parents in more depth. But I had to cut it out with much reluctance… or maybe I should say that I didn’t have the courage to draw that out. Like I said before, I didn’t want to detail Kira’s past too much. I didn’t want the readers to look at Kira and his father and think ‘these are actually very sad characters’. I drew out Kira’s mental state when killing, but if I started delving into the fundamental reason why he kills, Kira becomes a sort of sympathetic character… if you start emphasizing with Kira that’s not really appropriate for a Shonen manga. I didn’t want readers to feel sympathy. That may be the hardest thing about drawing out Kira. Although I think I might have been able to add another two or three volume if I started delving into Kira’s mental state, his motivations and his relationship with his parents.
I’m really interested in familial relations… the Joestar bloodline is about families too after all. When I draw a character, I start wondering about their parents or siblings. It might be because I was influenced by my parents and sisters a lot. When follow that trail, when you draw out an antagonist I start wondering what influences he got from his family. But if you start delving into that person’s background, you start straying from the theme. There’s so much you could draw out. Even DIO had a lot of influence from his father. But because this is a weekly serial manga, its always difficult to decide how to cut that out. I mean, you only have 19 pages to draw on a week. That’s no space at all. You basically just have to take one idea and run with it. But even then it won’t fit, so I have to think hard about how I might condense two pages down to one…
Kira was cornered once and had to flee. Some people thought that might be the end of Part 4, but I was always planning on reviving him. His flight is equivalent to DIO's resurrection. You think he’s lost, but then he surges back… around there was I really felt a sort of vitality from him. A different sort of vitality from DIO. DIO's is merely a biological vitality, but Kira was able to tap into the world of a sort of spiritual or mental strength. At that point, Kira trumped Josuke and his friends in spiritual strength. It’s because he had that resurrection that Kira became such a great antagonist. If he had given up then, he would have been a no-go.
I didn’t think at all about using Cinderella to change his appearance. When he was cornered and I was thinking hard about how Kira might escape, lighting struck me and I realized ‘hey I could just use Cinderella which I wrote about last episode!’ I’m basically thinking at a week-by-week interval and never about what happens after that. I don’t know about Jump manga these days, but it’s all about how I make this week interesting for me.
I also like that part after this where Kira becomes a ‘father’ as Kosaku Kawajiri. There’s a P.K. Dick novel about an alien masquerading as a father in a family; I wanted to draw something like that. Only the son knows that he’s an alien… those types of stories are fun. Those episodes are written from the point of view of the son Hayato Kawajiri, and I think it was good as it changed up the pace. After that you had a few Kira point of view stories and you saw that wife falling in love with Kira. I guess it’s plausible that you might grow to love someone if they’ve actually changed, but falling in love with a serial killer, that’s sort of abnormal too and good.
At the end, the son discovers his secret and Kira discovers a new ability. That’s an extension of his resurrection. It’s impossible to stick around in Jojo with the same ability, you have to power up. The youngling who develops into something greater is a common archetype in Shonen. It’s one of the things I feel are a ‘must have’ in a story. Josuke and Jotaro are sort of ‘completed’ characters so it’s difficult to draw a development scene for them, but Koichi-kun and Hayato Kawajiri fit that type. To see Kira also grow in parallel to them is an atypical way of fulfilling a Shonen stereotype.
On ‘Bites the dust’ ability. When you start thinking around the theme of time or rather time travel there’s a lot of variations you can delve into like stopping time, rewinding time… So its sort of like me passing on ideas I wasn’t able to use for DIO. I like the idea of time manipulation. I did something like that with ‘Golden Wind’ and ‘Stone Ocean’.
Writing the ‘Bites the Dust’ episodes were fun. It felt like I was assembling a puzzle or building a game. But because the same time was incremented so many times, I became concerned with whether the readers would follow along. I said this before too, but given that I only have 19 pages a week, I started wondering if this was appropriate for a Weekly manga. A weekly serial has build up story tension within those 19 minutes then pass it along to the next week. It’s a lot of work, but I see those as the rules I have to work within.
In the end, Kira dies after having been run over by an ambulance, and his face was obliterated and nobody could tell who he is.
With ‘Diamond is Unbreakable’ … with the town of Morioh, I wanted to trap it into a world of ‘eternity’. Like would the wife have been happy if she knew that her husband was no longer the same person? If she realized it, it would be a bit boring right? So I was fine with that state continuing forever and no answer being resolved. Within myself, Morioh will forever be in that state. What happened to Josuke after the series? I don’t think about that at all. Morioh is ‘eternal’.
I drew Kira also in a spinoff called ‘Deadman’s Q’. Being trapped in an ‘eternal’ world with his soul being unable to go to heaven or hell, I thought that might be a form of suffering or punishment too. The same thing with Diavolo in ‘Golden Wind’, but it might be a punishment to be trapped within eternity. In the commentary for the short story collection [‘Under Execution, Under Jailbreak’] I wrote that I was tearing up as I drew the story (laughter) I was very invested in Kira. I almost understood his feelings, if only he hadn’t committed murder… I didn’t draw it at the time, but thinking back on it I feel that he might have been person with the burden of sadness too.
Out of all the villains I’ve drawn so far, Kira is my favorite. I like DIO too… but more than DIO. Because he was seeking a quiet life and wasn’t a character you would see often in a shonen manga, I was very invested.
前編
吉良を語る前に、まずは杜王町について話しましょうか。
モデルは僕が子供の頃暮らしていたところの近くにできた新興住宅地です。
僕はそこに素敵さよりも不気味さを感じたんですよね。
「大丈夫かなあ」っていう。
みんな幸せそうな電気の光とかが見えるけど、でも家の中では何してるのかわからない。
同じ様な家が建ってて、綺麗で、幸せそうなんだよね。
そこがまた、吉良がいるという感じなんだよなあ(笑)。
『ダイヤモンドは砕けない』には、街を作ろうというテーマがあったんです。
日常の隣りに潜むユーモアだとか、不気味さだとか、そういうところを描きたかった。
自分の周りにも、視点を変えればおかしな所もあるかも知れない。
スティーブン・キングの小説の影響も大きいですね。
八〜九十年代に読んでたんですが、特に好きなのは『ミザリー』。
舞台が限定されてて、深く深く描いていくような感じ。
あの頃のキングは一気に読みましたね。
それと第四部では、かなり自分の趣味とかも入れられて楽しかったですね。
ゲームだとか、お店だとか、イタリアンレストランとか！
トニオの店は、置物までこだわって描いていたからね。
そういうのが入れられたんで・・・。
取材も、仙台に帰ればいいだけで(笑)、土産物屋とか写真を撮ってきて、怒られない程度に描いてました！
あと仗助のヘアスタイルはね、編集にも「今時こういう主人公やめて下さいよ」みたいなこと言われたんですよ。
でも逆に、いいんじゃないかな・・・と。
髪型にこだわってるところが‘７０〜‘８０年代の不良ですよね。
でも田舎に帰るとたまにいるんだよね、あれが(笑)。
学生時代はちょっとやばいなと思って近寄らなかったけど、今見ると微笑ましい感じがするんだよね。
リミックスにすると、吉良のエピソードだけで７冊ぐらいあるそうで「そんなに描いた？ へえ〜」っていう感じですね。
『ダイヤモンドは砕けない』で”日常の裏に潜む恐怖”をテーマにしたのは、‘８０年代ぐらいから、殺人鬼の本とか読むのがすごい好きだったからで、『羊たちの沈黙』が出版される前で、またブームになる以前から、殺人者たちの動機が知りたくて注目していたんです。
人間として生まれて、なんでこういうことするのかな、みたいな。
そういうのがすごい好きだったし、そういう人の行動も不気味だった。
だから日常を描こうとした時に、そういう殺人鬼が敵になるんだろうな、というのは最初に考えてました。
その前の『スターダスト・クルセイダーズ』の敵とはまったく違った、待ってるタイプっていうか。
『スターダスト・クルセイダーズ』の敵っていうのは、襲いかかってくる奴らですけど、誘い込むようなタイプっていうか・・・そのうち出そうとは思ってましたけど、最初から、吉良吉影という具体的な人物が存在していたわけではないんです。
最初は学生レベルというか、億泰や形兆、あとギターの音石明みたいな・・・そういう学生レベル、ヤンキーレベルの敵を最初に考えていました。
それは、最大の敵というのを作らないようにしたかったんですよ。
倒さなければいけない、目的となるような強い敵を出しちゃうと読者はみんなそっちにばかり興味がいくんですよね。
だからその欠点を補うために出したくなかった。
いつでも現在やってる話に注目させたかった。
だけどやはり『ジョジョ』の読者っていうのは、そういう最大の敵みたいのが欲しいみたいでね、ＤＩＯが強烈すぎたのかなぁ・・・ということで、終盤も近くなって来たのかな？ と思った時に吉良を考えて出しました。
吉良という名前は”キラー”＝殺人者からですね。
わかりやすいですけど(笑)
名前の吉影は・・・僕って頭文字が揃うのが好きなんですよ。
ジョジョもそうですしね。
だから”吉”で合わせたら覚えやすいかなという、それだけの理由です。
でもなんか、ピッタリきましたよね。
最初の登場は、いきなり吉良の視点から始めました。
敵側の視点から描きたかったっていうか、やはりこう、今までの話って悪役っていったら主人公から見て悪役だったと思うんですよね。
でも敵の立場もあるわけで、敵の心理状態というか、そういうのが描きたかったんです。
吉良がなぜそんな殺人を犯すのかち？しかも主人公としてじゃなくて悪役として描きたかった。
だからあまり同情されるようなキャラクターにはしたくなかった。
よくこういう殺人者たちの生い立ちとか読んでいると、やはり少年時代が不幸だったとか、色々あるんですよ。
だけどそういうところを描いちゃったら、敵にならないなと思ったんですよね。
だからなるべくカットするようにしてキャラクターを作っていきました。
そこにはちょっと苦労しましたけど。
ＤＩＯは人間の頂点を目指していくっていうのがありましたよね。
でも吉良っていうのは、本当の人間の幸せを追い求めてる人なんですよ。
だからトラブルが嫌いなんです。
で、自分の趣味の世界だけに生きていたいっていうか、そこがまた危ないというか(笑)。
でも、彼なりの哲学がちょっとあるかな・・・。
これまでの敵は、ＤＩＯも、カーズも、頂点志向で、日本経済にちょっと象徴されてるところがあるかも知れないけど、バブル経済みたいなね(笑)。
そういう時は、ＤＩＯだったのかなって思うし、無意識のうちにそういうものを求めてるのかも知れないですよね。
吉良を描いていた時代には、やはり平穏が求められていたんですよね。
幸せっていうのは、人間の頂点に立つことではないという。
吉良は中学校時代から表彰状が全部三位。
一位でも二位でもなく三位。
目立たないけど手堅いところにいつもつけている。
本当は、一位を取れる才能を持っていたんですよ。
だけど目立ったりとか、敵が増えたりとか、追いかけられたりとか、プレッシャーとか、人に期待されたりとか、そういうのがまったくダメなヤツなんですよ。
大人でそう考える人はいると思いますけど、小中学生の頃からそんなこと考えてるのって何か怖いよね(笑)。
「俺は一番を取るんだぁッ！」って方がまだかわいげがある。
そこにちょっと異常な感じとか、普通とは違った天才みたいなものを描きたかったんですよ。
１８歳の時に杉本鈴美を殺したのが、吉良の最初の殺人なんです。
あれがね、ちょうど承太郎たちがＤＩＯと戦ってた時期と一致するんですよね。
だから何かそういう、星回りじゃないけど、星の動きみたいなのがある年だった。
運命の年なんですよ。
仗助も瀕死でリーゼントの人に助けられたし、何かそういうのがあるんです。
やはり最初の殺人は衝動的なものだったんでしょうね。
偶然鈴美を見かけて、家に忍び込んで・・・そこで運命が変わっていく。
もうそこさえなければ、殺人も知らずに幸せになったヤツなのかもしれないけど、運命の星回りで、我を忘れてしまった。
やっぱりその因縁が消せないわけですね。
そして最初の殺人がずっと長い間発覚しなかった。
殺人鬼の本なんか読んでると、縁の下に何十体という死体があったりとかするんですよ。
よく見つからないな、と思いますけど。
そういうのが怖いですよね。
近所の人の無関心みたいなのもあるだろうしね・・・。
その最初の殺人があったから、吉良は４８人も殺してしまったというわけです。
後編
−−−前回に引き続き、荒木飛呂彦について語っていただこう。
まずは、吉良の特殊な趣味(？)のお話から・・・。
吉良が自分の爪を瓶の中に残していた・・・という設定は、自分の体調とかストレスとかを見るために、切った爪を保存している人が実際にいる、というのを何かで見て、そこから思いついたんです。
その人は殺人鬼ではないんですが(笑)
この爪の話は興味があって、なんか覚えていたんですよ。
で、吉良はそんなことやりそうだな・・・と「爪が何ミリ以上伸びた時は絶好調！」「こういう時期は絶対に捕まらない！」って。
自分にも、ちょっとそういうところがあるかも知れない・・・血圧の記録をつけたりして、その記録から隊長を判断して「今は何があっても大丈夫！」とか思ってます。
スポーツ選手とかでもやってる人はいるんじゃないかなあ・・・爪じゃないけどね。
吉良はそういうののちょっと不気味版という(笑)
次は吉良の家族についてですが、家族の写真が出て来るところがあるでしょ、あれはちょっと思いを込めて描きました。
楽しそうじゃない家庭なんだけど、何か穏やかそうでもあるし・・・それがまたちょっと不気味・・・みたいな。
父親と母親は仲良さそうにも見えるし、そうでもないようにも見える。
でも派手な喧嘩はしてなさそう。
犯罪者の生い立ちとか書いてある本を読んでいると、チラっと載っている子供時代の写真とかが不気味な時があるんですよね。
そういう思いを込めて、あの吉良の家族を描きました。
そして吉良の父親ですが、ちょっとおかしな人で、犯罪者までいかないまでも・・・変わり者だった。
息子が殺人者だというのは知っていて、その犯罪を隠してたんでしょうね。
もちろん吉良の父親は、息子を守るためにエジプトへ行ってエンヤ婆から弓と矢を手に入れた。
ちょうどその頃、ＤＩＯは世界中から仲間を探していた時期で、吉良の父親はその時に才能が認められた奴のひとりなんですよ。
億泰の父親もそのひとり。
そういうＤＩＯに認められた奴が世界中に結構いて、その中でも、日本には承太郎がいたために、吉良の父親や億泰の父親は特に目を付けられていたのかも知れないですね。
母親については何も描いていないんですが、やっぱり可愛がりすぎる虐待、みたいなものを吉良にしていたんじゃないかなと思います。
またそれも怖いでしょう？
吉良家の親子関係みたいなものも深く描くべきだったのかな、と今でも思います。
でも、泣く泣くカットしたっていうか、描く勇気がなかったっていうのか、そういう感じです。
さっきも言った通り(前巻掲載の前編参照)、吉良の過去はあまり描きたくなかったんです。
読者が吉良や吉良の父親に対して「この人は本当は悲しい奴なんだな」と思わせないようにしたかった。
吉良が殺人を犯す心理状態は確かに描いてましたけど、根本的な動機みたいなところまで描いたら、吉良が可哀想な奴になっちゃう・・・ていうか、吉良に感情移入しちゃう
と、少年マンガとしては違うかな・・・と。
やっぱり、読者には同情してほしくなかったんですね。
その辺が吉良を描く時に、苦労したところかもしれない。
吉良の心理状態や動機、親子関係をもっと描いていたら単行本があと２、３巻分は増えたかもしれないですけどね(笑)。
やはり家族関係って興味があって・・・ジョースター家の血筋っていうのも家族関係ですしね。
キャラクターを描く時って、両親とか兄弟って気になるんですよね。
まあ自分が、かなり両親や兄弟の影響を受けたからっていうのがあるかも知れないですけど。
そう考えていくと、悪役を出しただけで、その悪役は家族の誰かからの影響を受けてるのかな？ とかって思っちゃうんですよね。
でもその人物の背景を描いちゃったらテーマから外れていくとか、色々あって・・・。
描こうと思ったらホントに一杯あるんですよね。
ＤＩＯにも、父親からの影響があったみたいにね。
でも週間連載の漫画ですから、その辺のカットのし具合がいつも悩むところです。
何と言っても毎週１９ページしかないですから。
本当に分量がないんですよ。
基本はワンアイデアですよね。
それでも入らなくて、どうやって２ページ詰めようか・・・と、いつも必死に考えたりしてます。
吉良が１回追い詰められて逃げる展開になったじゃないですか。
あれで第４部終了か、みたいに思われてたみたいですけど、復活は絶対させようと思っていました。
あの逃げるっていう感覚が、ＤＩＯの再生と同じだと思うんですよね。
１回負けるかな？ と思わせながら復活して来る・・・あの辺はね、描いていてホント、奴の生命力っていうかそういうのを感じましたね。
ＤＩＯとは違った生命力。
ＤＩＯはあくまで肉体的な生命力だけど、吉良は精神の世界、精神的な強さという世界に入れたな、と思いました。
あそこで、吉良は精神的に仗助たちに勝っていたと。
吉良があんなにスゴイ敵になったのは、あの復活があるからですね。
あそこで諦めたら駄目だったんですよ吉良は(笑)。
シンデレラを利用して入れ替わるというのは、全然考えてなかったんですよ。
仗助たちに追い詰められて、どうやって逃げ延びさせようかと必死に考えて「あ、そういえば前回出したシンデレラが使えるんじゃないか！」って思いついた。
基本的にはいつも、週間単位で考えていますから、その先のことはいつも考えていません。
最近のジャンプマンガはどうなのか知りませんけど、基本はいつその週をいかに盛り上げるかを考えて描いているんで
で、その後吉良が川尻浩作になりすました「お父さん」になるところも気に入っていてね。
Ｐ・Ｋ・ディックの小説だったかな？ 宇宙人がお父さんになっていたという話があるんですけど、ああいうのを描きたかったんですよ。
息子だけが「こいつは宇宙人だ」って知ってるんだけど・・・何か好きなんだよね、そういうの(笑)。
あの辺は息子の川尻早人の視点になっていて、展開が変わって良かったんじゃないか、と僕は思ってるんですけど。
その後、また吉良の視点からの話になったり、あの奥さんがだんだん吉良を好きになっていく展開とか。
人間が変わってるんだから、そりゃ惚れることもあるだろうとは思うんですけど、殺人鬼に惚れるというのがね、あの辺もまた異常でいいかもなあって思ってますそして最後に息子に気付かれて、新しい能力が出てくる。
そこもやっぱり再生の延長線ですね。
同じ能力でずっと続くのは『ジョジョ』ではあり得ないことっていうか、そういう前提があるので、パワーアップしなきゃいけないんですよね。
少年が成長していく過程を描くっていうのは、少年マンガの王道でしょ。
そういうのを「外したくない」っていうのはいつもあります。
仗助とか承太郎っていうのは、すでに出来上がってるところがあって、なかなか成長シーンを入れにくい感じがあるんですけど、康一くんとか、川尻早人とかは成長していってますよね。
それと同じように吉良も成長していくというのが、ちょっと異色な少年マンガの王道をいっていますね(笑)。
バイツァ・ダストの「時間が戻る」というのは、やっぱり時間テーマっていうか、タイムトラベルテーマを考えていくと、「止める」だとか「戻す」だとか、そういう風な考え方の発展形として、バリエーション出来るんですよ。
ＤＩＯの時に描ききれなかった部分を、次の時にやっているという感じです。
好きなんですよね、時間テーマって。
『黄金の風』でも『ストーン・オーシャン』でもやりましたけど。
バイツァ・ダストの話は描いてて面白かったですよ。
パズル的で、ゲームを作ってるような感覚がありましたね。
でも何度も同じ時間を繰り返してるんで、「読者がきちんと読んでるのかな」って描いててすごい不安になった(笑)。
さっきも言いましたけが、毎週１９ページの枠の中で描いてるんで「これ週刊マンガとして大丈夫なのかなあ」ってふと思ったりもしました。
やっぱり週刊連載は、ソノ１９ページで盛り上げて、次の週に引かなきゃいけませんからね。
大変だけど、そういうルールがあると思って描いてます。
吉良は最期、救急車に轢かれて死んだんですが・・・顔を敷かれて、誰が解らなくなって。
何か『ダイヤモンドは砕けない』は・・・・・・杜王町は「永遠」の世界に閉じ込めたかったんだよね。
もし夫が別人だったとわかっても奥さんとかは幸せなのかな？と思って。
もし別人だと分かってしまったら、ちょっとつまらない感じもあるじゃないですか。
だから、いつまでもあの状態で、わからないままでいいのかな・・・という。
杜王町は、僕の中ではずっとあのままです。
だから仗助があの後どうなったか、とかもまったく考えていないです。
「永遠」の杜王町ですから。
その後に描いた『デッドマンズＱ』の吉良というのは、あれはまた外伝で(笑)。
「永遠」の世界というか、ずっと魂が天国にも地獄にも行けない、そういう苦しみもあるのかな、それが罰だって言うかね・・・『黄金の風』のディアボロの最期もそうでしたけど、永遠に閉じ込められるのは、ひとつの罰の方法かも知れないですね。
『デッドマンズＱ』は「描きながら涙が出てきた」と短編集(『死刑執行中脱獄進行中』)のあとがきに書いたんですよ(笑)。
吉良にはかなり思い入れがありましたから。
殺人さえ犯してなければ気持ちはすごい分かるっていうか・・・ちょっとね、当時は描かなかったけれども、改めて考えると「悲しみ」みたいなものを背負った人なのかなって思います。
これまで登場させた悪役の中では吉良が一番好きなんですよね。
ＤＩＯも好きですけど・・・ＤＩＯよりも。
「平穏に暮らしたい」っていう、普通の少年マンガには無いようなキャラクターだからこそ、思い入れが深かったですね。
『刊少年ジャンプ』への連載が、休載期間を含めて17年になる「ジョジョの奇妙な冒険」。これは、特殊能力を持つジョジョが世代を超えて世界各地で悪と戦うサスペンスアクション系の少し変わった物語で、６部まで続いているシリーズです。僕自身、こんなに長く続くとは想像していませんでしたが、描いているうちに続々とテーマが浮かんでくるんです。いつ終わるかも分からない。日記をつけるような感覚で漫画を描く―――。もはや、ライフワークになっています。
僕は少年時代を仙台市小松島で過ごしました。仲間とは埋蔵金伝説、UFO、心霊現象などを毎日よく話しましたよ。飽きることなく……。スプーン曲げも流行っていた時代でした。「ジョジョの奇妙な冒険」には様々な超能力が紹介されますが、少年時代の影響は大きいでしょうね。
その頃、一日早く発売されるからとわざわざ仙台駅まで買いに行って、漫画雑誌をよく読んだんですが、読めば読むほどに驚きました。石ノ森章太郎、梶原一騎、藤子不二夫さんたちの漫画が持つ異様なパワーに。もともと、“描く”ということにすごく興味があったんです。確かゴーギャンの絵に、空が赤くあるいは白く描かれていたりするのを、子どものときから不思議だと思っていたんですが、そうか、「画家はこころの中を絵にするんだな」って思いました。自分のこころの中の叫びをストレートに表現できるのが、僕の場合は漫画だったんです。
幸運なことに中学校の担任の先生が石ノ森章太郎と同級生で、先生の自宅に伺うと石ノ森章太郎の原画がありました。本物を見て、漫画家の叫びが身近なものになっていきました。以前はコソコソと漫画を描いていたんですが、この担任の先生が漫画も芸術として認めてくれる人だったおかげで元気が出ました。
20歳でデビューし、仙台で仕事をしていましたが、23歳で上京。そのとき、ショックを受けましたね。何か違う。ファッションも料理も何かが違った。今思うと、東京で生活する人たちの無意識の内に潜む競争心のようなものに圧倒されたんでしょう。
仙台は独自の文化圏が築かれていて、そこで満足してしまう人が多いように思うんです。もう少し刺激を受けた方がいいと思います。僕は、若い人に「一度は仙台から出ろよ！東京に行こうよ！ニューヨークに行こうよ！」と言いたい（笑）。
仙台には時々帰ります。広瀬川を眺めたり、通学していた頃のお気に入りの場所なんかにも足を延ばします。さすが「杜の都」。緑が豊かで、正直ホッとします。そんなとき、僕のこころが最初に叫んだ町・仙台は、あまり変わってほしくないなと、一方で思うんですが―――。[28]
「埋蔵金求め日々探検」
あの日、あの時
漫画家 荒木飛呂彦さん
仙台市の小松島小に通っていたころは、江戸川乱歩の世界にあこがれていました。遊びといえば少年探偵団ごっこ。学校の帰り道、まっすぐ家に帰ったことはありません。仲間しか知らない秘密の場所に、魚屋の木箱を積み上げて、秘密基地を造ったりしました。
近所には古い町並みが残り、住宅地の近くには探検できるような大きな森、沼がありました。そして子どもの好奇心をくすぐるミステリーとしげきにあふれていました。
例えば埋蔵金伝説。 世捨て人のおじいさんが埋蔵金を隠したという伝説があって、台原周辺の防空ごうを探検して回りました。木の枝で仲間だけが分かる印をつけたりして、本当に楽しかった。
未確認飛行物体（ＵＦＯ）が現れるという場所や、心霊現象のうわさもありました。念写を研究している大学の先生からは、月の裏側の写真を見せてもらって興奮しました。本当かどうかはともかく、未知の世界に引き込まれて、想像力が鍛えられたと思います。
本格的に漫画を描いて、出版社に投稿をはじめたのは東北学院榴ヶ岡高に入学してからですが、小さいころから描くのは好きでした。
最初に漫画の同人誌作ったのは小学四年の時です。幼なじみが「荒木、いいねえ」と褒めてくれるのが、とてもうれしかった。
今、振り返ってみると漫画家を志すすべてが近所にありました。[29]
- Is the story of "SBR" something you had thought up a while ago?
Araki: That's right. I already have a general outline of each story theme planned up to part 9.
- Huh? Are we allowed to leave this in?
Araki: Even though I say Part 9, it doesn't mean it'll be a continuation of SBR. This isn't a saga like Star Wars. The theme and narrative structure will be completely different.
Note: Missing full transcript.
――：待望の新連載『SBR（スティール・ボール・ラン）』ですが、これは『ジョジョの奇妙な冒険』第7部ではないんですよね？
荒木：『ジョジョ』第6部を読んでいた人ならわかると思うけど、世界が一周しちゃって次の新しい世界に入って、そこが舞台になってるんです。でも『ジョジョ』のパラレルワールドを描くのがテーマじゃないんですよ。物語の大前提っていうだけで、それはストーリーとは関係がないんです。
――：だから、タイトルから『ジョジョ』を外したんですね？
荒木：そうです。ただし、昔からのファンの人が『SBR』を『ジョジョ』第7部と思ってもらってもいいし、つまり『SBR』は『ジョジョ』の延長線上にある新作っていうことなんです。
――：『SBR』の物語は、かなり以前から考えていたものなんですか？
荒木：そうですね。だいたい『ジョジョ』第9部くらいまではテーマを決めているんですよ。
――：えっ。それは載せちゃって大丈夫なんですか？
荒木：第9部って言っても「続く」と言うことじゃないんで。『スターウォーズ』みたいなサーガではないんですよ。テーマも物語の形態もまるで違うし。[30]
It's finally open to the public... And now a courteous interview with the director
"Spider-Man 2" is already breaking records one after another in the United States, surpassing its mega-hit predecessor. It's finally released in Japan, and it's definitely a must-see movie this summer!! Thus, we present a memorable conversation between the director and a popular writer who has been a big fan of his early works!!
A new work that fully demonstrates the horror expert's charm!!
Araki: Having finished "Spider-Man 2", I can honestly say it was just as good as the first one.
Sam: Thank you. I was also shown your work, Araki, and it was quite wonderful. I was really impressed.
Araki: Oh, please (laughs). On the other hand, I do think Spiderman 2's direction was more relaxed than the previous one.
Sam: That's for sure. I felt like I was making an independent work like in the old days. It's a strange thing to say considering the budget (200 million dollar production, a record high!), but I had a lot of freedom.
Araki: I've always been a big fan of your taste in direction. For example, small scenes such as when the nails screeched from being dragged left an impression.
Sam: You're very perceptive (laughs). When I saw your work, I had a feeling you'd be the type to notice those kinds of moments. I'm proud to say now that the skills I've cultivated as a horror writer can still be put to good use here and there. I wanted the audience to be frightened with how scary the villain was, so that was a method I used to show suspense and make your heart race. Maybe that's what reminds me of my old works.
Araki: I know what you mean. Another characteristic of your works is how they depict the process of 'breaking down'. There's physical destruction too, but I think the process of shattering the character's spirit is especially evident. The same thing happened in "The Evil Dead" and "Darkman". In "Spider-Man", the main character, Peter, fell into a slump.
This summer's most talked-about film features a charismatic big shot with a unique power.
Sam: That's a very interesting way of looking at it. I've never thought about that before, but I guess I'm definitely drawn to main characters that have mental weaknesses and flaws.
Araki: Mental stress made Peter lose his web,[31] so to speak. The zombies in "The Evil Dead" were also afraid of their minds being broken from being possessed by evil spirits. In "Darkman", his mind was rapidly changing. I think that's the appeal of the films you direct.
Sam: Actually, I'm very interested in the fact that people make mistakes. Although it's a really tragic thing, it's wonderful when people are able to get back up and feel a sense of accomplishment from succeeding in something after. I think that's basically the story of "Spider-Man".
Araki: That's especially the case this time around. That's why I'm looking forward to seeing Peter's best friend, Harry (in the previous film, his father was killed by Spider-Man after turning into the Green Goblin). Most of your films have characters wearing masks, but I'm curious about why you keep removing them? It almost seems like you want to get rid of the masks (laughs).
Sam: You're right. I did the same thing in this movie as well (laughs). My intention is to show the audience the character's face and make them look into their eyes, so they can feel the pain and emotions that the character is feeling at that moment. That's why I have them torn off.
Araki: I felt that in "Darkman" as well. Though I think one of the most appealing things about "Spider-Man" is the misunderstandings from the people around him since his true identity hasn't been exposed. I'm worried that if you direct the next 3 films, you'll have a hard time (laughs).
Sam: I'm currently planning the next one in my hotel room. I'm having a very hard time. If you have any good ideas, please contact me in my room this evening (laughs).
Araki: I've got plenty of ideas (laughs).
Spider-Man is a sad romantic drama for boys?!
Sam: Even so, you seem like you'd be great as a CGI artist, Araki.
Araki: I'm more interested in drawing... (wry smile). I feel like the reason I became a manga artist was because of Gauguin and Jasper Johns. What made you interested in directing?
Sam: Honestly, I wasn't influenced by anyone's 'masterpiece' or anything. My father had a 16mm camera, and when I first saw my first 'home video', I was amazed. You could capture and recreate reality, as well as alter the order of events and mess with time. I wondered if it was possible to have such a thing in the world.
Araki: Your attraction to movies itself came from the magic of videos?
Sam: Exactly. Therefore, I think the challenge with my first film was how I could use that as a medium. What can I give to the audience with cutting, camera work, lighting, and sound effects?
Araki: Your direction has had a great influence on my works. For example, if something is reflected in a character's eye, the 'camera lens' will zoom in on it.
Sam: When details like that are depicted properly, it helps bring life to the work. You get the sense that it's actually depicting a real human memory. Your framing in particular is fantastic, Araki.
Araki: Thank you (laughs). Do you sense any difference between Japanese manga and American comics?
Sam: American comics tend to have too much detail, giving them a very chaotic look. I find Japanese manga to be a bit more clear-cut in what it's trying to express; it's very simple and elegant by nature. Story-wise, comics cater to a rather limited audience. I think it’s wonderful that manga considers a much broader demographic and involves many people.
Araki: CGI's becoming more of a thing in movies, though. It's going to be very difficult to adapt manga unless the medium starts using more wide-angle shots.
Sam: Your works are very dynamic, Araki. I think they have an extraordinary amount of originality. The fact movies influence them, that's a good thing. Though these days, I'm becoming more interested in the people and the stories themselves. I'm also beginning to understand how the technical side of things can be used as tools of expression.
Araki: Is that so? As someone who writes stories myself, I'm quite a fan of "tragic love", which was a big aspect of what I liked about "Spider-Man." It would have been great if, at the end of "Spider-Man 2," you did something like "The Graduate," where Mary Jane is a bride who gets snatched away (laughs).
Sam: That's a pretty good idea; you might see it in "Spider-Man 3" (laughs).
Araki: I did like how the movie ended on a somewhat solemn facial expression, as if the future seemed uncertain.
Sam: I made MJ have a sad expression by putting myself in her shoes. Romance is something that I personally love very much, and it seems that my interest in it melded into this film. Now that I think about, the original comics are also essentially a 'romance' story for men. American boys are too shy to read plain love stories. Is that the case in Japan?
Araki: I’ve liked those type of books since I was a kid. Rather than seeing a happy ending, Japanese people like it when they’re torn apart by fate, so it’s nice that even "Spider-Man" has the feeling of wanting to cry. Love is a painful thing (laughs).
Sam: Do you convey that to your readers through your work?
Araki: Let's just say I've had many painful experiences in real life, too (laughs).
Sam: So you're an expert on love (laughs). I don't have that much experience myself.
Araki: Oh, really (wry smile). Anyways, I'm glad I was able to talk to you today. I'm looking forward to "Spider-Man 3". You'll be directing it, right?
Sam: That's the plan. The other day I overheard the higher-ups of the movie company talking about making up to six, and I was so shocked that my heart stopped (laughs).
いよいよ公開…で、マ作家が表敬対談
すでに全米では歴代記録を次々破り、メガヒットとなった前作を超える勢いで快進撃中の「スパイダーマン2」。日本でもついに公開、この夏イチの必見映画なのは間違いな～い！！ てわけで、監督と初期作品からの大ファンである人気作家とのメモリアルな対談をプレゼンツだぁ！！
ホラー第一人者の魅力を存分に発揮した新作！！
荒木: 今回の『スパイダーマン2』を拝見して、ほんと、前作に勝るとも劣らない面さだと思いました。
サム: ありがとう。私も荒木さんの作品を見せてもらいしたが、大変素晴らしいですね。非常に感激しました。
荒木: いや（笑）。でも、この2を見て、前回よりすごリラックスして演出されてるょうに感じたんですけど。
サム: それは間違いないです。昔のようにインディペンデントな作品を作ってる感覚というか。この予算（史上最高の製作算220億！）でそれも変な話ですが（笑）、自由度高かったですから。
荒木: 細かいシーン、例えば、が引きずられて爪がギギギーッっていう感じとか、昔ら大ファンの僕からすると監督のテイストがいっぱい。
サム: 鋭いですね（笑） 。あなたの作品を見て、そういうー的瞬間を感知する方だろうと思いましたが。私も今回、随所で今までに培ったホラー作家としての技術が大い活きてると自負してるんです。悪役がどれほど怖いか、客を怯えさせたかったし、ドキドキハラハラさせる手法を見せたくて。それが昔の作を思い出させるのかも。
荒木: すごくわかる気がします。あと、特徴的なのが壊れていく過程を描くというか。物質的な破壊もあるけど、登場人物の精神が壊れていく過程に特に出てると思うんですね。『死霊のはらわた』とか『ダークマン』もそうだったし。『スパイダーマン』では主人公のピーターがスランプに陷っていって。
今夏最大の話題作が異能の大物をカリス
サム: それは非常に面白い見方ですね。今まで考えたことがないな。でも、確かにそういう主人公の精神的な弱さ、欠点を持っているところに惹かれたのはあります。 荒木: 精神的なストレスで糸が出なくなったり。『死霊のはらわた』のゾンビも、悪霊に取り憑かれて心が壊れていくのが怖いですよね。『ダークマン』も心がどんどん変化していくし。そこに監督の魅力があると思うんです。
サム: 実は、人間が失敗を犯すということに私は大変興味を持っているんです。すごく悲劇的なことなんだけれど、そこからなにかを成し遂げる達成感、立ち上がることのできた人間こそ素晴らしいと感じますし。それこそ『スパイダーマン』の物語ではないかと思いますね。
荒木: 今回は特にそういうところがあって。だから、ピーターの親友ハリー（前作で、グリーン・ゴプリンと化した父をスパイダーマンに殺される）も楽しみですよね。でも気になるのが、監督の映画ってマスクものが多いけど、すぐそれを取っちゃわないですか？ 取りたがってる気もするんですが（笑）。
サム: おっしゃるとおり。今回も取ってしまいました（笑）。意図はあって、観客にキャラクターの顔を見せる、目を覗き込ませることで、その時に感じてる痛みや感情を汲み取ってほしいんです。そのために剥ぎ取ってるんですよ。
荒木: それは『ダークマン』でも感じましたね。でも、『スパイダーマン』は正体がバレずに周りから誤解されてる点もすごい魅力だと思うんで。次の3を監督されるとしたら、苦労されるんじゃないかと心配です（笑）。
サム: 今、まさにホテルの部屋でも構想中ですが。非常に苦労してます。もしいいアイデアがあれば、今晩、部屋までご連絡願をますか（笑）。
荒木: アイデアならいっぱいあるけどなあ（笑）。
『スパイダーマン2』2年の月日が経ち、大学生となったピーター・パーカーだが、スパイダーマンとしての二重生活に疲弊し、メリー・ジェーンともすれ違いの日々…そこへ新たな敵が！！（全国東宝洋画系にて公開中）
スバイダーマンは切ない男のコ向け恋愛ドラマ!?
サム: でも、荒木さんにはCGIアーティストとしてず仕事をお願いしたいですね。
荒木: どちらかというと画に興味があるんで、それは…（苦笑）。僕はゴーギャンとかジャスパー・ジョーンズにれて漫画家になった感じがるんですよ。監督はどういうきっかけで興味を？
サム: 実は、誰かの名作に影響を受けてというんじゃなくて。父が16のカメラを持っていて、初めてホームムーーを見た時、すごい驚きだったんです。現実を捉えて再現し、しかも順番を変えて時間をいじれるなんて。こんなものが世の中にあっていいんだろうかって。
荒木: 映画そのものの魅力、映像のマジックですか。
サム: まさに。ですから、初の作品はメディアとしてど使えるかという挑戦だった気がしますね。カッティングやカメラワーク、照明だったり音響効果でどういうものを観客に与えられるか。
荒木: 僕の作品にも監督の演出の影響がすごいありますよ。目のUPになにか映ってガラスが突っ込んできたり。
サム: そういうディテールがちんと描かれることで作品に質感が生まれてきますよね。リアルな人間の記憶に近くなるような気がします。でも、荒木さんの絵のフレームは最高ですよ。
荒木: ありがとう（笑）。日本の漫画とアメリカのコミックで違いは感じますか？
サム: アメリカのコミックはディテールが多すぎてゴチャゴチャしてますね。日本の漫画はシンプルでエレガント、表現したいことが明確な印象があります。物語も、わりと限定された対象に向けられているのがアメリカですが、幅広い読者のことを考え、多くの人を巻き込んでいく漫画は素晴らしいと思います。
荒木: 映画のほうでCGが発達して、より広角ワイドな画面を漫画でも再現しなきゃと、けっこう苦労してますけどね。
サム: 荒木さんの作品は大変ダイナミック。オリジナル性が非常にあると思いますし、映画の影響だとしても、いいことなのでは。私は最近、人間や物語自体にますます興味を持つようになって、技術的なものはその表現ツールという認識が増してますけど。
荒木: それはそうですね。僕は話も自分で作ってますし。けっこう悲恋が好きなんで、『スパイダーマン』はそういう部分もいいですよね。今回の最後は『卒業』みたいに花嫁のメリー・ジェーンを奪うくらいの演出なら最高だったけど（笑）。
サム: それはいいアイデアなので3で見られるかも（笑）。
荒木: エンディングが不安な未来を思わせる表情で終わるのはよかったです。
サム: MJの悲しげな表情は自分でもそうだなと思いながら作ってました。ロマンス部分は個人的にも非常に大好きで、それに対する興味がこの作品と結びつけたようなものなんです。実は、原作のコミックは男のコ向けの恋愛小説でもあるんですよ。アメリカの少年は明らかな恋愛ものを読むのを恥ずかしがるんで。日本ではどうですか？
荒木: 僕は子供の頃からそういう本が好きでした。日本人って、ハッピーエンドより運命に引き裂かれるのが好きなんで『スパイダーマン』でも泣きたい感じがあっていいですよね。恋愛って切ないものなんですよ（笑）。
サム: 作品を通して読者へそれを伝えてるんですか？
荒木: 実体験も切ないことのほうが多いですから（笑）。
サム: 愛のエキスパートなんですね（笑）。私はそこまで経験がないんですよ。
荒木: いや（苦笑）。でも、今日はお話しできてよかったです。3も楽しみですけど、監督されるんですよね？
サム: そのつもりです。この前、映画会社の上層部が6まで作ると話しているのを耳にして、心臓が停止するくらいショックでしたけどね（笑）。 [32][33]
テロップ「本番前、緊張を隠せないメンバー
果たしてどんな対談になるのか
荒木飛呂彦氏はいかなる人物か！？」
（荒木氏、何か飲みながらメンバーと談笑）
テロップ「そして対談の時間がやってきた」
（メンバー名はわからないので座り位置で。。。）
左（スーツの人）「こういうのはちょっと失礼かと思うんですけど
アイディアが尽きないなーという。」
荒木飛呂彦「あー、僕のその、なんていうか、漫画を描く時の、あの、やり方っていうのは、
その、あんまりひらめきとかじゃないんですよね。
なんかね、机に向かって、こうやってうーって考えるやり方なんですよ。
どうしようかなーとか。」
左「そうなんですか」
荒木「結構、ちょっと理論的っていうか。
あの次に進めないようなアイディアはダメなんですよね。
だからなんか音楽に、音楽の音符がこう流れていく、
一つの流れのやり方に似てるのかもしんないなって思うんですけど。」
音楽制作について
荒木「楽譜とかまず、こう書いたり、、す、、
ヒップホップの、なんか凄い複雑じゃないですか。
最初になんかこう楽器を弾きながら作ったりするんですか？
（ギターを弾くマネ）。」
左「僕らの場合は、バックトラックを、伴奏を。」
荒木「伴奏を。」
左「先に僕が一人で作っちゃうんですよ、コンピューターで。」
荒木「はいはいはい。」
左「で、それを二人に渡して、歌詞とメロディーを彼らが書いていくんですけど。」
荒木「ほぉーー。
うん、なんかもっとなんか、こう、いい加減に作ってるのかなって思うんですよ。
のような（笑。」
メンバー笑い
荒木「目指してる、みたいなアルバムとかアーティストとか、
そういうのってのはどの辺から来てるんですか？
あの、子供時代でもいいんですけど。」
右（小さめの人）「THE DOORSが凄い好きでしたね。」
荒木「ドラムが独特な感じですよね、あれなんていうか。」
右「かもしれないですね。」
中（やや大きめの人）「僕は（THE ROLLING）STONESが凄い好きです。」
左「僕はPRINCEとかのミネアポリスサウンドが好き。
大好きです。」
荒木「あはは、そうですか。なんかちょっとね似てますね（笑
僕もそうなんですけど。
僕はミュージシャンじゃないですけど、
あの、、、AC/DC、DEF LEPPARDとPRINCEなんですよ。
今まで、も、出たら絶対買うっていうか。
あの、どんなくだらないアルバムまでも、それは見たらもう買いますね（笑」
ファッションについて
荒木「あの、で、なんかね、独特なファッションをする人が
こう、スーパースターになるような感じがするんですよね。
例えばですけど、マイケルジャクソンとか、
あの、、、マドンナとかもそうなんですけど。
なんか一目でこう、シルエットだけでも見てわかるっていうのかな？
ファッションにはこだわりとか、あったりするんですか？
SOUL'dOUTは？」
中（やや大きめの人）「キャップを取らないこと（笑」
荒木「あ、そうっすか。いいっすね（笑
ちょっとこの辺（側頭部ら辺の髪を触りながら）、一緒にこうしたら。
穴開けて、こう、髪の毛出したりとか。」
（空条条太郎の感じ？）
メンバー「ははは」
ニューアルバムについて
荒木「ちょっと裏に意味が無いと。
なんかこう、ニューアルバムをとにかく、まー、
1日2回ぐらいづつ、もう毎日聴かせていただいたんですけども。」
メンバー「ありがとうございます。」
荒木「えー、僕は海外のアルバムとかよく聴くんですけど、
基本的なものがあると思うんですよ。
あの、一曲目はまず、なんかこう、
アルバム全体を紹介するような曲がバンって来て。
で、2、3、4、5あたりがね、こう、畳み掛けてくるやつがね、
あのー、僕は好きなんですよ。
あと、12曲目あたりからまたちょっと違うテーマに突入するような感じで、
その辺も、こう、連続して、こう、、、一つの流れとなってくるようなアルバムが、
絶対、傑作になってるなって、あの、過去のいろんなアルバムがあるんですけど、
なんか、その通りに来てる、感じがしたんですよね。
えー、だからなんか、かなり気に入りました。」
メンバー「ありがとうございます。」
荒木「えー、うん、なんか、、、」
左「嬉しいね。」
荒木「そういうの、あります？」
左「ありますね。
（他のメンバーに）嬉しいね。
すごいそれはわかりますね。」
荒木「えっとー、ニューアルバムのタイトルが
こう、夢についての、タイトル、テーマになってるんですけども。
夢みたいなのあります？
こうなりたいみたいな。」
暫し、沈黙。
中「ジャケット。」
左「ジャケット、あー。」
（よく聞き取れなかったんで、違うかも）
荒木「はー、ジャケット、いいっすね。」
左「そういうのって、興味あります？」
荒木「ありますねー。
荒木飛呂彦的な画の似顔絵で、かっこいいポーズ付けて、
ファッショナブルな感じだけど、
ちょっとストリートの匂いの出てる、画ですね。」
左「わかりました。」
一同「はははははは」
対談終了
テロップ「最後に荒木先生にもSOUL'd OUTを撮ってもらうことに！」
カメラを構える荒木氏。
荒木「一人の人がなんか前にちょっと出てきて、、、
構図を見ます。
あ、いいっすねー、なんか。
ハイさん（？）はね、この辺でかっこよくしゃがんでいただきたいですね。
あ、いいっすねー。」
終始、にこやかで、少し挙動不審気味の荒木氏と、
やや緊張気味のSOUL'd OUTのメンバーでした。
それにしても荒木氏、若すぎ。[34]
Recently, I've managed to calm myself down quite a bit... Well, let's just say that instead of arguing, which is something that tires me out, I prefer obeying what I'm being told. During the time I was writing Vento Aureo, I really tormented myself in regards to the matter of "self-censorship" in Shonen Manga. By "self-censorship," I'm talking about the requests from the editorial board to an author to stop drawing or, at the very least, soften certain elements of the story which haven't been deemed presentable (for example: discriminatory phrases, expressions which might appear racist, the way skin color is drawn, violent scenes or abuse on both the weak and animals, callbacks to real-life crimes, the representation of nude bodies, smoking or drinking habits, etc..) I wanna make it clear right away that what I am about to write here isn't a critique towards my editors, but simply the real sensations that I, Hirohiko Araki, felt while writing Vento Aureo.
Having reached the fifth part of the series, I desired to write a story which would deal with topics such as the deep sadness in us human beings, or the pain of being born into this world, and I wanted to do it in a stronger manner than the previous parts. Depending on the circumstances in which they are born, there are people who are lucky from the very start, but how would these individuals act if they had been born in a different place instead, one with much harsher conditions? In Vento Aureo, all the protagonists have, in one way or another, been estranged from society and forced to live on its boundaries. We are talking about an environment in which the strong eat the weak and one where evil pervades everything. In such a situation, is it still possible for these characters to find justice?
When representing the clash between good and evil, it is necessary to describe evil in a realistic way, and it's here that the power of "self-censorship" in Shonen Manga really strikes the heaviest of blows in the story that you're trying to write. Smoking, being relentless towards the weak, sexually molesting an individual, stabbing someone with a knife, cutting off heads, abusing men and women, gouging eyes out, eating brain matter: all these are examples of pure evil. To express the evil shadows of human beings a minimum of cruelty and brutality is essential.
Despite having happened sporadically in previous years, as soon as I started Vento Aureo (around 1996), the editorial board suddenly started sending me more and more requests along the lines of "fix this page", "change that line", "modify this drawing" and so on. I would like to show you precisely which dialogues and pages I'm talking about, but it would be a long list so it's better to leave that out for now. Additionally, these requests were rarely motivated (even if they were, they were never in a convincing manner), the indications given to me were typically like, "...well, it's just that there is kind of regulation, plus the deadline is close and things just go like this with the board. C'mon hurry up and fix it! You'll think about the rest right?!”
I'll say it again, this is absolutely not a critique in regards to my editors, nor am I insinuating that they developed an unprofessional attitude towards me. (Truth is that I've always been very grateful to my editors!) All I'm trying to say is that during the period I was writing Vento Aureo that sensation was there with me. It's nothing else but a simple personal impression.
With all that said, it's easy to imagine just what type of crisis I was in and how difficult it was for me to successfully express, in a satisfying manner, the themes that I was trying to develop. Moreover, I kept asking myself if by any chance a "wall" had been indefinitely built to limit the liberty of expression, if the possibilities for artistic development in manga had run out, or if the ideology of authority and non-stop profit weren't completely stripping away the sprouts of art itself. Even now, despite being in a much more relaxing condition, I can't give myself a definitive answer, but what I felt in that era naturally transpired into the actions and attitudes of my characters.
Giorno and Bucciarati, two of the protagonists, betray the organization which they are part of for the sake of 'justice'. The organization is a symbol of power and moral obligation, almost a second home for them, but they both decide to fight to follow the desire of living according to justice. Even I, as the author, while drawing these scenes felt courage swelling up inside of me. Thinking back on the sentiments of my protagonists never fails to bring tears to my eyes. If these two boys had decided to remain in the shadow of authority, maybe they would have gone on to live safe and comfy lives. Instead, despite knowing the risks, they chose the path of justice, because only in its presence would they have been certain their existence actually mattered. Vento Aureo, between great Italian fashion and all the more creative Stand battles, is a story full of suspense, but I also think, according to my judgment as an author, that it can be considered a really dark work. Having said that and considering how at times we can take on such heavy subjects, I am very proud of it. Just like with all the other parts, I hope with all my heart that you have fun reading it. Regarding the parts that I had to cut, I will talk about this in the afterthoughts of the last volume.
No transcript available.
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Jotaro Kujo, the protagonist of part three "Stardust Crusaders", sets off on his journey accepting the bond that connects him to his grandfather and his grandfather's great-grandfather (Jonathan's father). There are six generations between them. In that sense, you could say their enemy, Dio Brando, represents both destiny and fate.
I don't think there's anyone who can assert they know anything about an ancestor from six generations prior. From Jotaro's perspective, he doesn't really care if his ancestor was someone who did good things or, rather, someone who made the wrong choices. He simply accepts the blood bond that connects him and his ancenstors, considering it an honor even! While I was writing this fifth part, Vento Aureo, I kept asking myself: "How would someone behave if the mere fact they were born was a source of sadness?"
Men can't choose how they come into the world. Some of them find themselves in happy families, others grow up in terrible places from the get-go. Can those less fortunate do anything if we assume destiny and fate are something already decided by gods or some kind of law that makes stars move in our vast universe? This is Vento Aureo's main theme and both the protagonists and their adversaries need to face it. Giorno, Bucciarati, Fugo, Narancia, Abbacchio, Mista. Every single one of them grew up or rather was forced to grow up, at the edge of society and family. The same can be said about Trish really.
Could they ever challenge fate, destiny, and change them? This was my most recurring thought while working on this story.
I was really down during that period for certain personal matters. What to do? If it were easy for humans to change them just with effort and will, destiny and fate would lose their meanings. It would be too easy. How could the protagonists fight against this sense of unavoidability? The answer, surprisingly, was given to me by the protagonists themselves. They don't try to change their destiny and even in their situation, they choose not to give up their spirit's purity. They firmly believe that happiness and a sense of justice are the same things.
I mean, I'm the author, and yet, while I was writing I ended up learning from my characters and this is what truly gave me courage. In these terms, thinking back, I feel I had the illusion of being accepted among them as a friend, more than just growing fond of Vento Aureo's protagonists myself.
There was one part in this fifth series I absolutely had to delete though. An episode I couldn't write at all. In my head, the story went that between Mista, Narancia, Fugo and Abbacchio, there would be a spy working for the boss and betray Giorno and Bucciarati. At first, I had decided this traitor to be Fugo, but I couldn't do it.
My state of mind was so dark that the stories I wrote were becoming more and more evil, but in my heart, I was starting to hate this behavior as time passed. Also, my heart broke just thinking about how Bucciarati would feel.
I absolutely can't understand betrayal from a trusted friend and this is why just thinking about it physically hurt me. I would have accepted any criticism saying that I "hadn't had the guts to do it" as an author, but I assure you I couldn't write that episode no matter what.
Maybe Giorno would have had to kill Fugo then and I'm sure this would have given a really bad impression to my youngest readers.
This is what lays behind that farewell scene in Venezia, with the publication of Vento Aureo's novel then I was able to have a story written about how Fugo would continue to help his companions from inside the organization.
To conclude, allow me to say something to my characters: Thank you, you are the Golden Wind that blows during the most difficult and sad moments.
See Interview Archive
References
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- ↑ Raika☆Room: "Feelin JOJO" final episode Araki interview
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- ↑ JOJO in Paris: An Interview with Hirohiko Araki in France
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- ↑ https://web.archive.org/web/20060515035818/http://www.pa.thr.mlit.go.jp/kakyoin/magazine/vol.7/07a4/07a4_01.pdf
- ↑ http://atmarkjojo.org/archives/56.html
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- ↑ A reference to Spider-Man 2 where Peter loses his powers due to psychosomatic issues.
- ↑ Excerpt
- ↑ Fully transcribed by Vish
- ↑ http://jecht.jugem.cc/?eid=300
